A l'Explosif

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A Trois sur le Qui-Vive

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Abimer de Jour

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ACCIDENTS DE LUMIÈRE

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La poésie de François Lallier signale combien l’attention portée à la question dumouvement de la création comme ouverture au monde cherche à approcher et à cernerau plus près les liens tendus entre le moment présent de la perception et ce qui se donnecomme son origine lointaine, avec toute son opacité, à travers l’émergence de la langue,de la parole poétique. Que recouvre ce moment si singulier de la perception, ce surcroîtde la vision ? Et que signale ce qui se donne comme son origine, dans la remontée de ceque la langue prend en charge, d’aussi loin qu’elle provienne ? Certes, s’il y a recherched’une origine de la parole et de son pouvoir de captation, dressée autant que traverséepar le réel allant à la rencontre de celui-ci, cette parole poétique offre en ses prismesnovateurs et parvient d’une manière remarquable à l’adéquation du poème à lafulgurance du dehors perçu. Dans le seul « geste » de regarder, toute cette intimité – etpeu importe, en définitive, le prétexte – associée à toute chose du monde, entretient encette poésie la source que constitue le corps du réel qui jamais ne se dérobe du cœur dela vie

Agencer des sons

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Pour composer de la musique nous avons plusieurs moyens à notre disposition. Mais comment faire le premier pas pour composer ? Sur du papier, à l’ordinateur ou dans un groupe ? Avec ou sans notes et portées de musique ? Avec ou sans connaissance musicale préalable ? Comment un monde imagé peut-il aider à donner du sens à un projet musical et par là même donner du sens à la vie ? Pour tenter d’y répondre, après une introduction sur la charge du son et un aperçu de notation musicale, l’auteur partage l’expérience de l’écriture de ses compositions et expositions sonores des plus complexes aux plus simples, en passant par l’analyse de l’écriture des partitions du Suisse Adolf Wölfli. Agencer des sons s’adresse aux futurs compositeurs qui se prêteront au jeu mais aussi au public curieux de comprendre comment une composition musicale se fabrique et voit le jour dans les coulisses d’une fabrique d’imaginaires.

ALFREDA HITCHCOCK & SISTERS

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Partant du paradoxe que son panthéon cinématographique est quasi exclusivement composé d'hommes dont les films la touchent profondément et l'inspirent, en tant que cinéaste mais aussi en tant que spectatrice, Martine Doyen s'est prise au jeu de féminiser les traits de ses idoles pour découvrir ce qu'ils seraient en femmes, à défaut de pouvoir imaginer ce que leurs films auraient pu être, s'ils l'avaient été. et en attendant que s'installe la parité chez les réalisateurs et réalisatrices de films, cela soulage et permet de continuer à les adorer car, dans le fond, nos grands cinéastes sont des femmes aussi. reste à savourer cette galerie de portraits en tentant de reconnaître qui se cache derrière chacune de ces femmes dans ce Who's Who du cinéma international.Martine Doyen est une cinéaste belge, membre de la commission du film du centre du cinéma de la Fédération Wallonie Bruxelles. Après quatre courts métrages de cinéma primés dans des festivals internationaux dont un Grand Prix à Clermont Ferrand, elle a réalisé son premier long métrage, Komma, sélectionné à la semaine de la crique de Cannes en 2006. son dernier long métrage, Witz, est sorti en salle en 2019. elle aime alterner cinéma expérimental/documentaire, seule à la caméra, et cinéma de fiction plus classique, tourné avec une équipe et destiné aux salles de cinéma.

Anish Kapoor

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Anne et Patrick Poirier

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Art poems

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Autoportrait en rouge

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« Depuis plusieurs années, nous dit Sophie Carlier, je tiens régulièrement mon journal en faisant plus irrégulièrement des photos. Un jour j’ai fait un autoportrait dans le miroir au-dessus du lavabo d’une chambre d’hôtel. Premier autoportrait, j’avais 21 ans, le mauvais âge. Dans mon souvenir il était flou et mal cadré, mais il m’avait fasciné. Moi qui ai toujours eu une aversion pour les miroirs, il me semble qu’après cet autoportrait, je me suis sentie moins inexistante. Je ne sais pas ce qu’est devenu cette photo. Depuis que je multiplie les autoportraits, j’ai quasiment arrêté d’écrire mon journal. Est-ce que la photo me suffit ? Je ne sais pas. Les autoportraits racontent d’une autre manière que le journal les mêmes histoires tristes d’amours ratées et de solitude amère. Il me semble que ces “tentatives d’autoportraits“ ne parlent que de ça, de l’impossibilité de rencontrer l’autre. Ce sont des messages codés bizarres, des bouteilles à la mer, des tentatives de captation visuelle ou de traversée des miroirs… »

Before The Eye Lid'S Laid

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Billankoursk

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BIOMIMETIC STORIES

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Biomimetic Storiesest une œuvre vidéo de Pierre Jean Giloux composée de quatre films. Ce travail quiinterrogent l’arcologie, soit le système qui cherche à atteindre une alliance entre l’architecture et l’écologie dansl’aménagement des villes contemporaines. Janine Benyus définit quant à elle le biomimétisme comme « unescience qui étudie la nature en vue de l’imiter ou de s’en inspirer pour résoudre des problèmes humains ». Cesfilms explorent sur un mode fictionnel et prospectif ce que l’on pourrait créer en termes de formes urbaines etd’organisations sociales en Inde, continent particulièrement impacté par les changements climatiques et paysdans lequel le projet est né.

Brève histoire de l'art en sonnets

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Une traversée décapante et drôle mais néanmoins érudite de l'histoire de l'art en sonnets par un artiste peintre raffiné amoureux des rimes. Dans le respect le plus strict de la forme du sonnet classique et de contraintes additionnelles de versification, l'auteur compose un recueil en suivant le fil conducteur de l'histoire de l'art occidental, depuis la Grèce antique jusqu'aujourd'hui. Pour être subjectif, l'exposé n'en est pas moins fondé sur de sérieuses références. Un certain effet comique naît paradoxalement de la conjonction d'une forme et d'un sujet des plus austères. L'objectif est de divertir, dès lors qu'il s'avère possible d'« instruire en distraisant, treize ans et demi maximum », comme le chantait Bobby Lapointe.Denis De Rudder (Bruxelles, 1957 est artiste peintre, du moins a-t-il été considéré comme tel au tournant du XXIe siècle. Par ailleurs, il a enseigné le dessin durant une quarantaine d'années, en école supérieure des arts, ce qui ne compte sans doute pas pour rien dans son approche délibérément didactique de l'histoire de ceux-ci. Le présent recueil constitue sa première publication.

Brève histoire de la poésie par temps de barbarie

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Caillot

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Caisson

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Carnets a Bruire

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Catalogues I-4

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CE TEMPS NÔTRE ÉCRU

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L’œuvre poétique de François Rannou s’impose comme une œuvre exigeante explorantplusieurs domaines de l’expérience de la vie. Ce temps nôtre écru questionne un mondebouleversé, fluctuant, où l’Homme, en guerre perpétuelle contre ce qui fonde sonhumanité et son lieu (son habitation), peine à être, parfois, une conscience éveillée. Peut-on imaginer que le poème puisse donner corps à cette inquiétude, à cette nécessaireespérance teintée de cruelle lucidité ? Pour arriver à ce point de bascule, le livre estconstruit en 33 moments – comme le nombre de vertèbres de l’être humain, c’est dire ledésir par la poésie de se tenir toujours debout. On avance dans cet ouvrage par facettessuccessives, faisant parfois remonter du puits de notre histoire des indices de notreprésent, l’éclairant comme une lumière qui viendrait de derrière les mots, en projetantleur ombre fraîche

Collines, Ratures

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Comme une neige d'avril

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Cette nouvelle suite à la fois lucide et maîtrisée de Jean-Marie Corbusier, lequel n’en est pas à ses premières armes dans sa recherche d’approfondissement de la parole poétique, tente d’accéder, au travers de l’image de la neige, à ces prismes diffus de la langue témoin des choses du monde rencontrées, toute chose sans borne comme le poème et que happe le mot : neige comme motif qui affirme et dissimule tout à la fois. Car ce monde recouvert de neige à perte de vue / ici ou ailleurs indistincts exige pour être dit ces mots justes, pour reprendre un fragment de l’un des poèmes. Cette volonté de dire juste traverse tout le livre. Trouver les mots justes pour en capter le sens, c’est vouloir dire au plus près possible ce monde hors de soi et dans lequel on se trouve projeté ; et, en quelque sorte, chercher à le voir autrement, mettre à vif tous tout ce qu’incarnent ces fragments de monde qui s’offrent à la vue se dissimulant sous le blanc de la neige. Ce nouveau livre se construit autour d’un déroulé de la parole où chaque poème, chaque fragment, cherche à exprimer ce qui fait l’essence de la poésie : à la fois le silence sur lequel elle repose, son étrangeté dans la recherche de ses formes expressives et la nécessité d’explorer de nouvelles voies langagières pour atteindre cette originalité en sa puissance de célébration. Ce livre est dès lors un refus affirmé de logiques programmatiques préétablies.

Comment Je Ne Suis Pas Devenu Poète

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Condamne a l'Exil

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CONSTELLATION

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« J’ai une très grande admiration pour André Cadere et sa barre de bois rond. L’exposition André Cadere, Expanding Art, à la Fondation CAB et la découverte de ses Lettres sur un travail m’ont littéralement inspirées, pour en faire un poème qui ne prétend pas analyser ni commenter son œuvre. Véhiculer sa parole, sa démarche, me semble plus précieux voire indispensable. En revoyant ses œuvres, en me remémorant sa démarche, j’ai eu l’idée de capter sa voix, d’utiliser ses mots, de devenir Cadere le temps d’un poème. » (L.S.)

Correspondances dans le labyrinthe des sons

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Ce recueil de textes critiques (2005-2022) constitue une correspondance – au sens propre comme au figuré –, entre Alexandre Castant et Philippe Franck autour des arts sonores. Ce sont des parcours mais aussi des écoutes actives en dialogue avec des œuvres et des artistes contemporains dont le commun dénominateur est cette matière sonore mise en espace, mais aussi en images, en réseaux et en formes diverses. Le champ exploratoire principal en est le festival international des arts sonores City Sonic, créé en Fédération Wallonie-Bruxelles en 2003 par Transcultures sous la direction artistique de Philippe Franck, et qu’Alexandre Castant a suivi et commenté depuis ses débuts. De manière plus générale, cet ouvrage propose une vision ouverte et hybride des arts sonores d’aujourd’hui considérés dans leur grande diversité de pratiques et d’esthétiques. L’acquisition de ce livre donne également accès à une compilation de pièces sonores extraites du catalogue City Sonic (label Transonic).

D'après Ger Van Elk-Un Art Contre Nature

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De Chair et d'Air

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De la Peinture en General et de la Couleur en Particuli

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DE QUOI LE CURATING EST-IL LE NOM?

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Le mot « curating » est, depuis une quinzaine d’années, un mot de code particulièrement en vogue dans l’univers des expositions d’art contemporain, mais à quelles pratiques se rapporte-t-il exactement et pour quelle raison cet anglicisme a-t-il fini par supplanter, dans la langue française, le terme « commissariat » ? Répondre à ces questions ne revient pas seulement à mettre en lumière le rôle que les artistes, conservateurs de musée, auteurs et « faiseurs » d’expositions ont joué, dès les années 1960-1970, dans le renouveau apporté au champ de l’exposition. L’idée sur laquelle repose cet ouvrage est que le curating, loin d’être un phénomène récent, se rapporte à des à des (r)évolutions plus anciennes et successives, tant dans le domaine de l’accrochage et de la scénographie que dans la sphère professionnelle et institutionnelle au sein de laquelle évoluent les organisateurs d’exposition. Aussi verra-t-on que, depuis le milieu du XIXe siècle, l’activité curatoriale est passée entre les mains de protagonistes toujours plus nombreux et qu’elle oscille désormais entre une hyper-professionnalisation et une déprofessionnalisation toujours plus tangible. Il semblerait en effet que de nos jours, le métier – reconnu comme tel – soit à la portée de tout un chacun, et en particulier à ceux que l’autrice appelle les « curateurs outsiders ».

De si près, l'ici du corps

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Composé de cinquante fragments divisés en quatre parties, ce livre de poésie tente de cerner la part sensible qui relève du rapport qu’entretient le corps avec tout ce qui le relie et le marque profondément dès lors que son attention la plus vive se voit sollicitée. Ces textes répondent aux mots du poète et peintre chinois contemporain, Mang Ke : « Non nous n’avons rien dit / Rien que le langage de la chair ». Ces quatre suites poétiques témoignent du déroulé et de la fugacité des gestes touchant le corps, lesquels précipitent des impressions si fortes que leurs portées imprévues rejoingnent les profondeurs de la vie et déchaînent l’imaginaire. En ces instants furtifs ce qui prend forme et s’enroule dans le silence appelle sa représentation. Les corps coexistants s’y trouvent perturbés. Pris dans le dialogue de leurs proximités, leurs effleurements intimes faits de gestes si habituels, devenus si proche par leurs reprises, viendront rejoindre et surprendre la candeur d’accords inconnues ouvrant à l’inouï ; et à l’éveil des désirs qui se voient associés au plus vif du vouloir-vivre.

Degelle

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Des cris dans les arts plastiques

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Dessine-Moi un Voyage

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Domaine des Englues

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Du Perdant & de la Source Lumineuse

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ECHO

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Ainsi que le rappelle très opportunément Benoît Dusart : « Ce qui anime avant tout [l’artiste] est une sorte deprotocole qui subsume les différents aspects de son travail et de sa vie. Raf Thienpont médite, et cette méditationritualise son quotidien. Ce qui pourrait n’être qu’un détail, un style et une hygiène de vie, constitue le terreaud’une œuvre qui, lorsqu’on s’y attarde, n’inspire jamais les poncifs associés généralement à certains typesd’abstraction : on est loin de toute effusion dramatique, de transe créative extatique. [...] L’émergence du dessinne relève pas d’une sorte d’épiphanie, mais d’une vigilance obstinée : les intentions épousent tous les méandresdu processus, se remodelant en fonction d’une lumière, d’un outil, d’une atmosphère. Ce que la forme “exige”n’est jamais prescrit d’avance : elle se déploie dans l’échange avec le geste, dans une interaction continue etperformative. »

Écriture et expérience de la vie ordinaire

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L’une des marques de fabrique du contemporain littéraire réside dans son investissement du réel, conçu comme un espace à arpenter et documenter, un terrain d’enquêtes plus ou moins exotiques, et une matrice de l’écriture. De ce projet général, cetessai met au jour un aspect singulier car il porte sur des textes s’élaborant à partir de protocoles d’action, qui orientent les gestes de leurs auteurs et autrices, et les modalités de leur écriture. Qu’il s’agisse de faire des courses, un trajet en métro, d’arpenter les friches urbaines ou d’observer les passants dans la rue, ce sont toujours des formes et des usages de la vie ordinaire qui sont en jeu. Ces écrivains et écrivaines s’attachent à les enregistrer ou bien à instruire des règles vouées à en détourner le cours, en s’inspirant souvent des pratiques de l’art contemporain ou des méthodes des sciences sociales. Dans leur minimalisme parfois radical, leurs textes, qui s’échelonnent des années 1970 à nos jours, questionnent autant notre rapport au réel que notre imaginaire de la littérature. On se propose ici de montrer comment ils contribuent à la définition de quelque chose comme un contemporain en littérature.

Elizabeth Garouste & Mattia Bonetti 1981-2001

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Encoches

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C’est ainsi : Vérène, Toinon, Ulrich et Cécile voient sans cesse la misogynie ordinaire se rejouer dans leur vie ; constamment, il et elles en subissent la logique. La haine des femmes s’y double de l’horreur du féminin – le féminin en chacune et en chacun. Le féminin comme marque d’un certain penchant, d’un goût plus ou moins prononcé pour ce qui reste ouvert, ce qui fuit, ce qui ne se suffit pas. Autant dire que Vérène, Toinon, Ulrich ou Cécile ne sont plus à l’abri de rien, quand celles et ceux qui préfèrent les formes closes et les ensembles pleins croisent leur chemin. Tôt ou tard – c’est certain –, on leur décochera un énoncé mortifiant. Alors, la flèche fusera et, se fichant dans leur chair, les projettera au bord de l’abîme où on les verra vaciller. Avec une encoche dans l’âme – encore une –, quelque part entre le cœur et l’abdomen.

Enigme de l'Icone Quadripartite de St Petersbourg

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Étude sur Mallarmé

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Mario Luzi (1914-2005), l’un des plus grands poètes italiens du XXe siècle, est aussi l’auteur d’une œuvre importante d’essais sur la littérature et son histoire. Si l’essentiel de son œuvre poétique est désormais traduit en français, il n’en va pas de même pour ses essais. Ce livre est la première traduction de son étude sur Stéphane Mallarmé, publiée en 1952. En Italie, pour sa génération, le poète français avait été un modèle d’autonomie spirituelle à opposer à la rhétorique du régime fasciste. Luzi y revient après la guerre, dans un moment de crise et de régénération de son pays et de sa poésie, et le réinscrit dans un contexte européen : au-delà des filiations évidentes, françaises, il retrouve les échos de Mallarmé chez Yeats, George, les Espagnols, mais surtout chez Eliot, Rilke et Ungaretti. C’est à partir de leur expérience radicale du langage et de la poésie, qui est aussi la sienne propre, que Luzi relit le corpus poétique de Mallarmé. Par des analyses denses et rapides, il retrace une « biographie intellectuelle » du poète, où le contexte n’est plus séparable des significations intérieures. La finesse de son analyse esquive certaines alternatives trop simples de l’histoire littéraire (continuité / discontinuité, influence / invention) et rend à l’histoire et à l’expérience de la poésie la complexité qui leur revient.

FIGURES DU DEUIL ET DU PHOTOGRAPHIQUE

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Cet essai développe une réflexion autour du photographique dans son lien à la mémoireet au deuil, qu’il soit intime ou d’ordre historique. Il montre que la photographie est unefigure de deuil, autrement dit, elle fait à la fois coupe et lien. À travers un corpus restreintde trois films-essais, cet ouvrage analyse des figures de deuil et des gestes filmiquessinguliers. DansLa Danse des souvenirs(2002), Naomi Kawase est confrontée à une mortintime. L’imbrication de clichés photographiques dans le film produit une suspension quiprovoque un renversement dans cette trajectoire dont l’issue semblait fatale. La cinéasteuse de la photographie comme une figure de lien qui permet de relier les vivants et lesmorts. DansCe répondeur ne prend pas de messages(1978), Alain Cavalier, incarne unhomme endeuillé. Le cinéaste reprend un grand nombre de clichés photographiquestirées de ses archives personnelles, parmi lesquelles des coupures de journauxreprésentant des cadavres de la guerre. Dans ce geste de reprise, la problématique prendune dimension historique. À l’instar de la photographie devenue ici figure de coupe, lefilm déploie un ensemble de figures où la rupture insiste, participant d’un jeu de deuil.AvecLe Journal(1973-1982) de David Perlov, qui est enserré entre deux guerres, le texteaborde la problématique dans sa dimension politique. Le cinéaste israélien, qui est aussiphotographe, utilise différents formats de photographies. Par ces gestes de reprises et derépétitions, le photographique permet une transformation de la figure qui autorise laséparation avec un passé traumatique

Fortune

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Fortune n'est pas un simple recueil de poèmes, mais plutôt une « suite » ou un ensemble de « variations » au même titre que les deux précédents ouvrages de l'auteur. Ici, une narration fragmentée reprend une traversée ferroviaire d'un personnage, Étienne, surnommé « Leblanc », d'une côte à une autre, d'une mer à une autre. Ce qu'il perçoit ainsi que ce qu'il a laissé, ce qui le traverse dans les instants de torpeur ainsi que ce qu'il projette pour son arrivée influent musicalement sur la composition du livre aussi bien que sur ses rythmes. Par ailleurs, ce dernier opus prend ses distances avec les précédents qui s'inscrivaient tous dans la composition et le prolongement des Motets de l'auteur - ne serait-ce que par la récurrence des personnages. Un lien demeure toutefois avec son dernier, Variations de Jan, en ce que la Guerre de Troie en constitue l'arrière-plan lancinant. L'histoire fait retour sans cesse, percutant l'intime et provoquant les heurts métriques, ses syncopes, autant que l'allongement du vers parfois quand il s'agit de faire retour, ou tenter une synthèse de cette multiplicité d'approches. Les échos sont multiples : Conrad et Joyce, Maïakovski et Khlebnikov, Henry James et Homère. Mais surtout, les temps présents - avec leurs révoltes, leurs exils et leurs luttes - agitent un corps entre précipitation (panique) et méditation (pensée). Sans trame narrative, sans les sens sollicités sans cesse et sans l'invention en chemin, ce qui s'approche ici de l'élégie ne semblerait pouvoir trouver de voix chez cet auteur.

FRANZ ERHARD WALTHER : l'USAGE DE LA FORME

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Franz Erhard Walther (Fulda, 1939) est une figure majeure de l’art occidental. Il développe depuis les années 1950 un travail qui questionne le rôle du spectateur dans l’appréhension de l’œuvre de même que le statut de cette dernière. Créateur du fameux 1-Werksatz (Ensemble d’œuvres n° 1) qui se compose de 58 objets à activer, il a fait de la participation du public un des éléments moteurs de son art. Cet essai, le seul disponible en français sur cette question, s’attache à proposer une archéologie de son œuvre à travers l’histoire des premières années de son parcours. Il analyse en particulier un dispositif créé par Walther lui-même, avec lequel ce dernier met en espace sa propre interprétation de son ensemble majeur, le Werksatz (1963-1969). L’usage de la forme devient ainsi et aussi une pensée de l’acte et en acte. Thierry Davila (né en 1963) a étudié la philosophie aux universités de Toulouse-le-Mirailet de Paris IV Sorbonne. Diplômé de l’Institut d’études politiques de Paris, il est docteur en histoire de l’art de l’École des Hautes Études en Sciences Sociales et a été directeur adjoint du musée Picasso d'Antibes, directeur par interim des musées d'Antibes de 1996 à 2001, responsable du département culturel du musée d’Art contemporain de Bordeaux de 2001 à 2007 et conservateur au Mamco de 2008 à 2022. Il collabore régulièrement à Art Press, aux Cahiers du musée national d'Art moderne, à Critique d'art. Il est l’auteur de nombreux ouvrages sur l’art contemporain (L’Art médecine (en collaboration avec Maurice Fréchuret), RMN, 1999 ; Marcher, créer. Déplacements, flâneries, dérives dans l'art de la fin du XXe siècle, Éditions du Regard, 2002 et 2010; In extremis. Essais sur l'art et ses déterritorialisations depuis 1960, La Lettre volée, 2009 ; De l'inframince. Brève histoire de l’imperceptible de Marcel Duchamp à nos jours, Éditions du Regard, 2010 et 2019); Uniques. Cahiers écrits, dessinés, inimprimés (en collaboration avec Jacques Berchtold, Nicolas Ducimetière et Christophe Imperiali), Flammarion, 2018. Thierry Davila est l'éditeur, avec Pierre Sauvanet, aux Presses du réel, du recueil Devant les images – Penser l'art et l'histoire avec Georges Didi-Huberman.

GENÈSE AUGMENTÉE

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J’ai longtemps hésité.D’abord parce que cette histoire a déjà fait l’objet d’un nombre substantiel de versions plus ou moinsconvaincantes. Ensuite, parce que les relations que j’entretiens avec Dieu (mon père) étant ce qu’elles sont, toutetentative de relater objectivement sa formidable aventure, se transforme en un exercice périlleux.C’est l’importance et la qualité de la documentation en ma possession qui m’ont poussé à franchir le pas.Le succès jamais démenti de la Genèse a fait le reste.Illustré de vignette tirées de plus de 183 manuels de bricolage, la version augmentée qui vous est proposée icidevrait permettre aux débutants comme aux avertis, d’assurer les travaux d’entretien et de réparation de base.Et maintenant, au travail !Juan d’Oultremont

grand(s) air(s)

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Grand(s) air(s)s’est construit sur le désir de revenir sur deux enquêtes ayant conduit chacune à une exposition.La première concerne un bâtiment construit par l’architecte Antoine Courtens dans les Laurentides, au Canada, àla demande d’un riche homme d’affaire, Louis Empain. Elle a donné lieu à une exposition au centre d’art etd’essai Occurrence à Montréal en 2020 : « Échoué n’est pas coulé ». La seconde enquête concerne un bâtimentconstruit par l’architecte suisse Michel Polak en Ardenne, à la demande d’un riche philanthrope, Louis Empain.Elle a donné lieu à une exposition à Bruxelles, à l’espace de création Été 78 en 2021: « Vous êtes-vous lavé lesmains ? » L’articulation de ces deux projets a nécessité quelques enquêtes complémentaires mettant à jourl’héritage reçu par Empain et une manière de s’en libérer, ou de le tenter. Les bâtiments ont alors été envisagés,en tant que patrimoine, sous le prisme de leur destin : le livre montre l’écart entre les intentions ducommanditaire et du créateur et la capacité du bâti à y résister, voire à s’en émanciper.

Greg Lynn / Fold, Bodies et Blobs

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Gris Lumiere

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Guido Crepax

BC

Premier livre en français qui interroge l’œuvre du dessinateur italien de bande dessinée Guido Crepax (1933-2003), cet essai questionne les révolutions graphiques et narratives qu’il introduit, l’avant-gardisme de ses créations, ses personnages féminins dont la mythique Valentina. Il déploie l’érotisme crépaxien à travers ses adaptations d’Histoire d’O., de Justine de Sade, d’Emmanuelle... et rend compte de la manière dont l’érotisme est vu comme le laboratoire d’une réflexion sur l’identité, le règne des images et le royaume de la sexualité en ses explorations illimitées.

Hans Holbein.Outrage a la Representation

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Henri Michaux-Face a Face

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HERstory. Féminisme, minorité et visualité

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Ce livre rassemble des récits de féministes minoritaires du début du vingt-et-unième siècle en Europe. À travers des auto-ethnographies de la sororité, l'ouvrage répond à un objectif : celui de réécrire l'histoire du point de vue des dominées - en mettant l'accent sur l'utilité des images à cette fin. Un terme issu des sciences sociales anglosaxonnes traduit ce geste que l'on reprendra à notre compte ici, en disant que l'ensemble des contributrices sont ici les instigatrices d'une HERstory iconique intersectionnelle et décoloniale.Contributions de Salwa Boujour (journaliste multimédia, assistante chargée d'exercices à l'ULB, conférencière et formatrice), Maja-Ajmia Yde Zellama (réalisatrice, directrice de casting, DJ, event-manager et travailleuse sociale), Manal Yousfi (fonfatrice de la plateforme Sœur Muz qui concerne les femmes musulmanes), Souhaïla Amri (coordinatrice de projets socio-culturels à Ras El Hanout et chargée de formations chez TYN), Fatima-Zohra Ait El Maâti (artiste, programmatrice d'art et curatrice), Samira Hmouda (curatrice et manager culturelle), Malika Hamidi (enseignante suppléante du cours Islam en Europe contemporaine du Master en Sciences Politiques à l'Université Libre de Bruxelles), Benedikte Zitouni (sociologue à l'Université Saint-Louis de Bruxelles), Nadia Fadil (Professeur au département d'anthropologie culturelle et sociale à la Katholieke Universiteit Leuven). Maryam Kolly est sociologue, enseignante-chercheuse à l'USL-B, membre du GECo à l'ULB et conférencière à l'École de Recherche Graphique, après une trajectoire d'intervenante sociale jeunesse d'une dizaine d'années. Licenciée en Philosophie et Lettres et Docteure en sciences sociales et politique, elle a publié deux monographies, Diplomate au pays des jeunes (Academia, 2019) et De la religion que l'on voit à la religion que l'on ne voit pas (Presses USL-B, 2018) issues de recherches doctorales et postdoctorales sur les politiques de prévention et le travail social, les jeunesses urbaines, les masculinités et féminités marginales postcoloniales, l'épistémologie pragmatique.

Histoires et géographies

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Histoires et géographies est le premier livre consacré au travail de l’artiste français Erwan Mahéo. L’ouvrage est pensé comme un manuel ou un guide du visiteur. Chacune des œuvres et des expositions présentées fait l’objet d’un texte spécifique, une suite de récits dans lesquels se mêlent des souvenirs de lieux, de situations et des descriptions d’œuvres qui cartographient le parcours de l’artiste. Le livre est introduit par un texte de Lilou Vidal, curatrice et ex-galeriste d’Erwan Mahéo, et par une étude comparée de Colette Dubois, historienne de l’art et directrice de la Centrale for Contemporary Art (Bruxelles), sur le théâtre de mémoire. Dans le cadre du programme «Mondes nouveaux» (dispositif initié par le ministère de la Culture français en 2021 pour des projets destinés à investir le patrimoine), Erwan Mahéo présentera prochainement le projet La Sirène, à Belle-île-en-mer et une présentation du livre est prévue à Bruxelles comme au Centre WallonieBruxelles de Paris à l’automn

Ici...Regarde (+1Dvd)

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Imaginer Voir

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Isidore Isou

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Jacques Dupin, implications

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Né à Privas le 4 mars 1927 et disparu le 27 octobre 2012 à Paris, Jacques Dupin offrit à ses lecteurs, par des livres rares et intenses, de Gravir (1963) à Dehors (1975) jusqu’à Contumace (1986]) ou Discorde (2017), la traversée d’expériences âpres, toujours tendues vers ce qu’elles ignoraient d’elles-mêmes. La tâche à laquelle le poème de Jacques Dupin se doit est celle d’un dehors à affronter. Dépassionnée et comme à distance, tout autant qu’exposée à ses pulsions contradictoires, son écriture se mesure à cette ironie, à ses affres, autant qu’aux embardées réitérées dont elle fit son moteur. Ce livre rassemble tous les textes (essais, portraits, chroniques, etc.) d’Emmanuel Laugier sur l’œuvre de Jacques Dupin écrits entre 1993 et 2017. Ces textes, dont certains inédits, ont tous été revus, même s’ils conservent intacts l’élan et la tonalité qui les motivèrent. C’est d’ailleurs la variation des voix qui a présidée à l’agencement de l’ouvrage. Ainsi l’ensemble du livre dit l’attention fidèle portée à l’œuvre de Jacques Dupin, tout autant que les mouvements internes qui en animent la lecture. « Ils esquissent puis précisent le parcours du lecteur que j’ai été depuis plus de vingt ans et que je ne cesse d’être vis-à-vis du poète et de l’ami », dit l’auteur.

Jacques Dupuis l'Architecte

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James Turrel

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Je M'Emballe

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JE TRACE

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Je tracerassemble vingt années de dessins de Laurence Skivée autour du monde animal.Creuser le monde animal avec des mots est pour elle une façon d’aborder le monde del’enfance ; l’enfant qu’elle est en dessinant, l’adulte qu’elle est en écrivant se contentantde passer, comme un animal, semblable à un trait... L’autrice et artiste tente, à travers cetunivers propre à son enfance, d’évoquer son trait, de traduire ce monde de façonpoétique. Une manière d’aborder son travail, de l’effleurer telle une ligne, dit-elle.

Jean Simeon Chardin ou la Saveur du Savoir

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Jérôme Bosch ou la Fourmiliere Eventree

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Kala

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Kaspar de Pïerre

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Komar et Melanid

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L' Air est différent

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L' Architecture Pour la Vie

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L' Art dans son Moment Politique

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L' art imprimé de Gérard Collin-Thiébaut

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Ouvrir la fabrique de l’art imprimé de Gérard Collin-Thiébaut à un large public : telle a été la motivation pour l’écriture du présent essai monographique. Depuis le début des années 1980, l’artiste déploie en effet une vaste pratique à partir d’images accessibles, qui s’inscrit dans l’histoire du phénomène de l’édition d’artiste contemporaine : une production n’ayant, à ce jour, fait l’objet d’aucune véritable enquête, pourtant nécessaire compte tenu de son ampleur et des enjeux qu’elle soulève au sein de l’art contemporain. À cet égard, en retenant comme cadre les diverses formes d’investigation éditoriales de Gérard Collin-Thiébaut, l’ouvrage convie à interroger la manière dont l’artiste combine une certaine visée démocratique de l’art avec les exigences du milieu artistique, contribuant ainsi au façonnement d’une période historique de l’édition d’artiste.

L' Autre Moitie

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L' Education des Monstres

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L' Effort

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L' Etrangere 6/2004

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L' Etrangere 7/2004

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L' Etrangere 8-9/2004

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L' ÉTRANGÈRE N° 62

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Parmi les auteurs que nous avons retenus pour le présent volume de la revue, il y a lieude signaler d’abord les proses d’une étonnante lucidité que propose Marc Blanchet, à lafois poète et essayiste. Deux suites poétiques suivent, celles de Bastien Fery et de LauraTirandaz. Toutes deux marquent un travail remarquable de la création poétique, à la foispar leur originalité et leur audace. Nous proposons par ailleurs les traductions de lagrande poétesse allemande du début du siècle dernier, Else Lasker-Schüler, traduitebrillamment ici par un jeune traducteur, Guillaume Deswarte, lequel propose uneanalyse originale qui situe cette œuvre dans son époque. Le poète et essayiste FrançoisLallier propose quant à lui une analyse de l’œuvre poétique de Pierre Jean Jouve dont ilest l’un des meilleurs spécialistes. Enfin, Philippe Agostini, auteur et artiste, se livre àune approche de la figure des Lutteurs à travers plusieurs œuvres plastiques du XIXe etdu XXe siècles

L' Etrangère N° 63

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Ce numéro est placé sous le signe de la création poétique actuelle et ouverte sur l’international. Le lecteurdécouvrira s’il ne le connaît déjà le poète grec Dyonisis Kapsalis, dont la cadence de ses rythmes et vers ne sontpas sans rappeler les œuvres de Dante et Shakespeare. Le dossier intitulé « Six poètes tchèques d’aujourd’hui »,permettra au lecteur de découvrir des poètes peu connus dans le monde francophone. Le dossier retient despoètes de trois générations distinctes. Ces auteurs tournent autour de questions plus intimes, d’expérience de vieau cœur du quotidien, et comme un refus de la poésie se tenant sur la forme, le drame individuel ayant pris lerelai des drames collectifs. On y trouvera aussi un essai novateur et éclairant de Philippe di Meo consacré aupoète italien Giorgio Caproni. Puis, pour clôturer ce volume, Michel Pagnoux nous fait partager ses réflexionssur ce que rend visible l’époque, celle d’une postmodernité qui se renouvelle inlassablement à l’identique.Sommaire :Pierre-Yves Soucy : Un temps désorienté ; Dionysis Kapsalis : choix de poèmes, traduits par Myrto Gondicas,suivi d’un entretien ; Sophie Loizeau : Déchets verts ; Hervé Micolet : Place de la Déserte ; Philippe di Meo : Lefaux comme seule vérité (Sur Giorgio Caproni) ; Michel Pagnoux : Brignogan.Six poètes tchèques d’aujourd’hui présentés par Benoît Meunier : Marie Jehlickova, Jaromir Typlt, PavelKolmacka, Sylva Fischerova, Pavec Novotny, Kamil Bouska.

L' Exposition

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Ce livre de photographie consacré aux nus du photographe belge Michel Hanique réunit ses prises de vue qui suivent un protocole immuable, à savoir le choix du lieu et de la pose par ses modèles qui s’exposent librement et délibérément à son objectif pour révéler et offrir au regard quelque chose de leur désir, de leur plaisir — ce que le photographe exprime par ces mots qu’il voulait placer en exergue du livre : « Je ne te prendrai pas en photo… ».

L' Imagination Sociologique de Hans Haacke

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L' Infamie de la Lumiere

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L' ODEUR DE L'ART

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Un ouvrage salutaire et bienvenu qui brosse un panorama de l’art olfactif qui fait entrer en force le sens de l’odorat et le monde des odeurs et des effluves dans le monde de l’art contemporain.Cet ouvrage s’emploie à esquisser une histoire de l’art qui s’appréhende non pas par les sens de l’intellect que sont la vue et l’oeil, mais par l’un des oubliés du corps : le nez. Prenant pour point de départ les aventures futuristes du début du XXe siècle et s’étirant jusqu’à nos jours, il est proposé ici de rendre compte de la présence des effluves dans ce que l’occident a établi comme l’histoire de l’art. Ni matière ni médium, ni courant ni mouvement, l’olfaction tout à fait invisibilisée par la critique, est pourtant omniprésente, et elle est bavarde. Elle dit tout de notre monde, tout en s’opposant à une hégémonique culture du tout oeil, divisant depuis toujours le corps et l’esprit des artistes et des spectateurs. Par l’étude de l’odeur, l’art s’ouvre en une autre voie.Sandra Barré, critique d’art et commissaire d’exposition, rédige une thèse menée à la Sorbonne Paris Panthéon qui porte sur la plasticité de l’odeur et réfléchit aux questions de la représentation du genre par les odeurs. Elle a contribué à des ouvrages collectifs de recherche dont Les Dispositifs olfactifs au musée (Nez- Le contrepoint, 2019) sous la direction de Mathilde Castel ou Olfactory Art And The Political In An Age Of Resistance (Routledge, 2021) sous la direction de Debra Parr et Gwenn-Aël Lynn.

L' Oeil et le Mur

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L' Originaire dans le Vivant

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L’originalité est simple déguisement ou variante dans le mode de parler et non pas création d’une chose nouvelletandis que l’originarité introduit bel et bien une transfiguration dans le réel en découvrant dans la chosedont il est question une possibilité nouvelle qui la change et en même temps ajoute à la complexité de l’ensembledes relations qu’elle noue avec le monde. se tournant vers l’herméneutique associée à l’hermétiquepour pallier les insuffisances de l’approche structuraliste du langage et les considérations mécanicistes desrapports entre les êtres, toutes les recherches de l’auteur, tant en poésie qu’en philosophie du langage, considèrentles relations qui se nouent entre les êtres et les choses pour en saisir le sens au sein d’une structurequi est toujours en devenir ou en déclin.

L'Espace vertical

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Le point de départ de cette étude est empirique. Quiconque s'intéresse de près à la sculpture du XXe siècle l'aura remarqué : le type de la colonne - voire celui de l'obélisque - est récurrent dans les productions en trois dimensions de cette période. Les raisons en sont multiples. Elles tiennent à l'un des attributs fondamentaux de la sculpture, sa verticalité, soit le triomphe de la forme érigée contre la gravitation, contre l'horizontalité associée par anthropomorphisme à la perte de vitalité tout autant qu'à une égalisation des valeurs, l'idée même de valeur provenant de la représentation de ce qui s'élève. Analyser et mettre en perspective des oeuvres dont le modèle est celui de la colonne ou de l'obélisque permet alors d'examiner à nouveaux frais certains mouvements modernistes, de s'interroger sur la crise de la notion de monument (mais aussi sur de nouvelles formes de monumentalité), de scruter des questions aussi diverses que celles de l'efficacité spatiale de la sculpture, de son rapport avec l'architecture, de sa dématérialisation, etc.

La Cite Administrative de l'Etat

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La Democratie en Questions

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La Derniere Photographie

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LA LECON DES CHOSES

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Quels rapports entre une île déserte, un télégraphe, un spectre, une foule, une autopsie, une amazone nue,une machine à remonter le temps et des aiguilles d’horloge en guise de jambes ? Ces choses sont parmi lesleçons que la littérature enseigne et de ces choses sur lesquelles la littérature donne de meilleures leçons queles encyclopédies. il est question de Daniel Defoe, Alexandre Dumas et Jules Verne, Zola et Léon Bloy,Marcel Thiry et Robert Desnos et, pour finir, Georges Simenon. Leurs leçons portent sur l’habileté de l’espèce,les techniques de transmission, la sociologie des pratiques culturelles, l’expérience du temps vécu ou bien encoreles déraillements que les machines, outils servant d’organes, introduisent dans le réel.

La Manipulation des Images

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La Mémoire Courte

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La Métaphore transpercée

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Il y a dans la parole analysante une forme d’inertie et de polarisation qui se répète et que l’expérience d’une psychanalyse rend incandescente. Il est alors légitime de se demander s’il est possible d’y introduire du nouveau. La référence que Lacan fait à Francis Ponge éclaire ce que serait un nouvel usage des mots, un usage qui permettrait de rejoindre de temps en temps ce qu’il y a de réel, d’insensé et d’ininterprétable dans toute parole. Ponge, dans un texte qui s’intitule « Hélion », aborde cette question en faisant entrer son lecteur dans l’atelier du peintre Jean Hélion. Tout est fait dans ce texte pour suggérer une œuvre dont le mode d’engendrement passe par une mise en cause permanente de la figuration. Ponge ne décrit pas les tableaux d’Hélion, il les écrit. Il fait passer dans la langue l’indécidable qui les habite. Il introduit dans le sens que nous leur donnons un « je-ne-sais-pas-quoi » qui le transperce.

La Mort avant l'heure

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Ce livre rassemble trois textes écrits à la mémoire d’une disparue et d’une morte. Un journal, une pièce de théâtre et le parcours d’une courte exposition. L’imaginaire du monde des morts agite l’esprit du monde des vivants, les fantômes du réel deviennent des images de boucles temporelles qui s’entrelacent en l’absence de toute autre finalité que celle du temps qui ne passe pas. Le journal ante-mortem est écrit par un schizophrène si conscient de l’être qu’il ressemble à l’histoire d’une fracture de l’inconscient. L’interrogation perpétuelle sur la mort découvre sans cesse des traces d’origine comme si la mort avait déjà eu lieu. La pièce de théâtre est composée à partir de lettres adressées à une amante défunte, jetées à la rivière ou portées sur sa tombe par une amie. Le récit de l’exposition raconte comment les relations amoureuses intimes se projettent sur le territoire en fabriquant les liens entre le temps qui fait semblant de passer et l’espace qui se circonscrit en lieux de mémoire. Ces textes sont bouleversants, magnifiques à bien des égards car ce témoignage d’outre-tombe est surtout prétexte à dévoiler des pans entiers de la vie vécue qui refont surface comme un bréviaire.

La Nature Photographique d'Andy Goldsworthy

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La Reine Eupraxie

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La Sainte-Victoire de trois-quarts

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La Sexuation sans le genre

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Ce livre réunit des articles et des travaux adressés au départ à des psychanalystes ; il reprend l'élaboration que fait Lacan du rapport entre les sexes et l'articulation de la jouissance et des semblants autour de cette question. L'importance accordée aujourd'hui aux gender studies et les débats qui traversent les sociétés contemporaines ont amené l'auteure à confronter la recherche de Lacan aux critiques que Judith Butler lui adresse nommément - critiques que l'apport théorique de Lacan déplace de façon décisive. Doit-on dire que la psychanalyse soutient la domination ancestrale « hétéronormée » qui instaurerait un ordre « prétendument symbolique » en réitérant des modèles appartenant à des stéréotypes ? Au-delà des identités socialement revendiquées, la « non-différence des sexes dans l'inconscient », leur « bipartition à chaque instant fuyante » font objection à cette charge contre la psychanalyse lacanienne. Nous nous proposons ici d'éclairer la mise en forme d'un certain déni contemporain de l'inconscient.

La Ville Comme Bien Commun

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La Zigzagure

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Le Black Mountain College

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Le Bracelet

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Le Chansonnier

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Le Devenir Cochon de Wim Delvoye

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LE DIT POÉTIQUE D'UN ANGE EN EXIL

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Cet ouvrage s’inspire de l’acte d’écriture de Rimbaud qui, à la fin du XIXe siècle, prit la plume pour dire ce que de l’adolescence il pensait être banal. Toutes ces choses de l’adolescence, le poète, de sa position d’exception qui fut la sienne, su mieux qu’aucun autre en saisir le moment qu’il qualifia de révolte logique tout en témoignant que cela l’avait conduit dans une position d’exil, d’abord de son enfance puis de sa langue maternelle, l’amenant à y ressentir ses souffrances modernes, puis à quitter cette langue occidentale qui l’ennuyait pour trouver le repos dans sa pensée. Ce lieu de l’exil de l’enfance, il le nomma printemps – cet éveil du printemps revisité par Lacan. Voilà pourquoi Rimbaud incarne le poète adolescent mais aussi l’adolescence de la langue. Ainsi Rimbaud a-t-il précédé le psychanalyste en venant éclairer si bien l’adolescence pour nous qui cherchons le fil paradoxal de cette révolte logique. Philippe Lacadée est médecin psychiatre, psychanalyste, membre de l’école de la cause freudienne, de l’association mondiale de psychanalyse et de la New Lacanienne School. Il est l’auteur de très nombreux ouvrages consacrés à l’enfance et à l’adolescence, à la psychanalyse et à l’école, mais aussi à Robert Walser, François Augiéras et à présent Arthur Rimbaud.

LE FUGUEUR PRECOCE

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Mai 68. À Bruxelles. Witold fugue. Il a neuf mois et une obsession, échapper à sa mère pour sauver sa peau. Witold a compris avant de naître qu'il est la folie de sa mère, une femme désaxée, une veuve noire, une mante religieuse. Il est comme un bagnard qui en a pris pour vingt ans. Witold, se souvient de ce qu'on oublie. Il ne connaîtra jamais l'amnésie infantile, ce moment béni où s'effacent les souvenirs de la petite enfance. Aux aguets, jour et nuit, l'étiquette « fugueur précoce » lui colle à la peau. Witold rêve d'horizons lointains.Alfredo Diaz Perez est né en Espagne et vit à Bruxelles. Écrivain, il est scénariste et réalisateur de films, formé au cinéma par le cinéaste Luc Dardenne, et de fictions radiophoniques. Après un premier roman, Le Désert à Madrid (Paris, Eden Editions, 2004), Le Sexe du paradis, recueil de nouvelles, paraît en même temps que Le Fugueur précoce à La Lettre volée.

Le Jeune de la Vallee

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Le Laveur de vitres

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Le ménage comme obsession ou comme disciplinepour cette artiste plasticienne minimaliste amoureusedes mots justes, à leur juste place, entre tension etattention, engagement et abandon.

Le Moins du monde

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Publiée avec le soutien du cnL, une suite poétique qui témoigne d’une exigence de rigueur tout à fait exceptionnelle dans la poésie actuelle.L’expérience poétique se livre ici sous la multiplicité de moments sensibles que vient recouvrir l’unité du rythme, attentive aux mots et à leurs relations, cherchant à révéler avec force ce qui relève d’un accord profond au coeur de ce que son auteur tente d’évoquer : « ce si vivant présent … dans ce bruit psaumé du réel, quelque chose qu’un présent ressasse à l’infini » : « tout ce qui se succède avec bonheur / Le jour et la nuit l’infime et l’infini le démembré et l’innombrable / Le dénombré lointain le proche », pour reprendre ses propres mots. Au centre de ces suites poétiques se découvrent les instants les plus délicats, les plus fragiles, mais aussi les plus vifs de la relation à l’autre, relation différée, s’abolissant, se perpétuant, en quelque sorte, puisque touchée par l’exercice de l’imagination mobilisant la mémoire. tout se joue ici dans la relation entre ces réalités diverses et vécues, alors que la recherche verbale s’attache aux états de conscience, et à l’indissociabilité entre le soi et le monde, l’impossibilité de les disjoindre.

Le Monde Tandis Que

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Le Parti-pris des lieux

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Le Rire de Democrite

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Le Sec et le Vif

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Cet essai interroge le devenir-œuvre d’arbres, qui, morts ou vivants, dessinent une catégorie sculpturale dans laquelle le bois n’est plus envisagé comme un matériau auquel donner forme. Tout ensemble être-là naturel et chargé de références culturelles, l’arbre-sculpture s’inscrit dans une archéologie et une histoire spécifiques. Exhibé tel quel ou presque dans le white cube, il semble déplacé, bousculant l’idée même d’exposition. Planté, et devenu sculpture vivante, il porte à reconsidérer les pratiques in situ. Le Sec et le Vif s’attache à saisir les enjeux communs à ces réalisations aussi bien que la diversité des démarches et sensibilités au monde que celles-ci révèlent, s’agissant notamment d’écologie. Puissamment anthropologique, la figure de l’arbre permet d’éclairer l’histoire de l’art récent – de Giuseppe Penone et Robert Smithson à Mark Dion et Roman Ondak.

LE SEXE DU PARADIS

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Dieu est-il bipolaire? Se demande ce chercheur en génétique sur le point de devenir sans-abri. À quoi rêvent les malfrats ? Jean-Paul aurait pu remporter la médaille d'or aux jeux olympiques à la place de Carl Lewis, il a préféré la loi du milieu. Idries a évité le pire jusqu'à sa rencontre avec Gérard, un écrivain que son éditeur vient de lâcher. La disparition de Julian Hill, il y a vingt ans, continue à susciter des controverses. un crime impossible à résoudre? Derrière l'apparition sur facebook d'une photographie inconnue d'un acteur célèbre, se cachent des secrets qui pourraient changer l'histoire du cinéma. Que dire de ce jeune homme qui ignore l'identité d'un homme qui semble connu des foules? Six histoires urbaines sur l'identité, les faux-semblants et les apparences, six short novellas, six vrais ou faux thrillers, qui pourraient se passer à New York et à Los Angeles. Ou à Bruxelles, pour la plupart.Alfredo Diaz Perez est né en Espagne et vit à Bruxelles. Écrivain, il est scénariste et réalisateur de films, formé au cinéma par le cinéaste Luc Dardenne, et de fictions radiophoniques. Après un premier roman, Le Désert à Madrid (Paris, Eden editions, 2004), Le Sexe du paradis paraît en même temps que Le Fugueur précoce à La Lettre volée.

Les Animaux d'Aristote

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Les Captives

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Les Choses,Modes d'Emploi

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Les Oies Sauvages Riaient et Dieu S'Endormit Tot

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Les Photos jamais prises

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Ici, ailleurs, partout, nulle part : les photos jamais prises est un texte hybride, entre le journal, la fiction et l’essai, qui porte sur la mémoire et le voyage. Le point de départ est un court récit de l'artiste allemand Jochen Gerz, autour duquel se tisse un réseau de lieux physiques et de références littéraires et cinématographiques qui composent une carte imaginaire, et fragmentaire, de psychogéographie urbaine. Le résultat est un livre de photographies sans images, qui adopte la forme du carnet de voyages.

Les Plages de Thule

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LES SCÉNARIOS DE CHARLES SPAAK

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Cette étude approfondie de l’écriture des scénarios de Charles Spaak est l’une des rares études dédiées à un scénariste de langue française. Elle dresse le portrait d’un scénariste belge méconnu qui est pourtant l’auteur de scénarios célèbres écrits pour des réalisateurs de renommée internationale comme Le Grand Jeu et La Kermesse héroïque pour Feyder, La Grande Illusion pour Renoir, Le Ciel est à vous pour Grémillon, Nous sommes tous des assassins pour Cayatte ou Les Tricheurs pour Carné. Le lecteur découvrira pas à pas l’écrivain qui initia les grandes tendances du cinéma français, du muet à la Nouvelle vague. Avec Jacques Prévert, Charles Spaak est un des plus importants scénaristes du cinéma français des années 1930 et 1940. Précurseur du réalisme poétique avec Feyder et très impliqué dans les problèmes de son temps qui déboucheraient sur la Deuxième Guerre mondiale, on lui doit aussi le prototype de l’homme du peuple au grand cœur capable de se défendre contre les importuns, qui, mis en scène par Duvivier et personnifié par Jean Gabin, deviendrait le héros incontesté du genre.

Les Sept Livres

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Les Visages d'Orlan

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Lethe

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Living Colors

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Lots Communs

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Maquis / Expo le Plateau Sept-Nov 2002

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Marc Blanchet. Le Pays

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S'il ne s'en tenait qu'au titre, le lecteur se tromperait sans doute d'entrée. Il ne s'agit ni d'une évocation consensuelle ni d'un chant évoquant le pays d'origine. Cette suite poétique cherche moins à mettre de l'ordre qu'à saisir le désordre de la vie telle qu'elle peut se vivre à notre époque. En arrière-plan de cette analyse des jeux et des enjeux du monde, la dimension autobiographique dissimule une ironie lucide et sans complaisance. Plus encore, ce qui devrait retenir au plus haut point le lecteur est l'exigence de devoir s'arrêter longuement sur chaque poème, aussi bref soit-il, enfin d'en explorer les diverses coutures, car l'art de Marc Blanchet est bien de révéler un monde que l'on ne peut décliner en quelques formules : « Temps nouveaux, écrit-il. La faim n'a plus de quoi mordre. / Quelle leçon pour la moindre révolte ! / Bouche close / Abandonnez-vous à cette vérité : / la colère ne nourrit plus son homme. » Marc Blanchet est né en 1968 à Bourges. Écrivain, essayiste, photographe et dramaturge, il est également chroniqueur, rédacteur, intervenant littéraire et musical de même qu'enseignant. Il vit actuellement à Tours et a publié plus d'une vingtaine d'ouvrages. La Lettre volée a publié de lui des « proses fantastiques » : L'Éducation des monstres (2009), Méditations et autres brièvetés (2013) ainsi que Valses et enterrements (2018) mais aussi un essai : Souffle de Beckett (2018).

Marcheuses au bord du gouffre

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Marguerite Yourcenar

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Marie-Jo Lafontaine

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L'une des plus importantes artistes de notre temps, Marie-Jo Lafontaine, rencontre, dans Tout ange est terrible, Véronique Bergen, écrivaine de même renom : toutes deux portées comme le vent par un certain sens de la tragédie qu'elles expérimentent du point de vue formel, politique, et, toujours, dans le bouleversement émotif du sensible. Livre d'art, récit philosophique et conte érudit, cette monographie offre un parcours moins chronologique que conceptuel dans l'œuvre de Marie-Jo Lafontaine dont il souligne, d'abord, le décloisonnement inouï des pratiques inauguré par l'artiste. Le rapport texte-image inédit du livre en met en exergue la liberté. Car, pour Véronique Bergen, une recherche sur les ultimes contrées du visible demeure le projet de l'artiste, et, elle en décline l'importance dans le registre de la perception, de l'espace, de la couleur et de la fulgurance, extatique, des monochromes dont la philosophe donne une synthèse magistrale de l'histoire esthétique. Au fil d'inventions poétiques stellaires, l'écrivaine décrit sa fascination pour « le regard » de Marie-Jo Lafontaine. Marie-Jo Lafontaine est une artiste contemporaine belge de notoriété internationale, née en 1950 à Anvers et vivant aujourd'hui à Bruxelles. Elle est connue pour ses installations multimédia, sculptures vidéo, installations photographiques et monochromes, créations sonores, environnements urbains. Son œuvre est d'une grande intensité plastique, esthétique et dramaturgique. Lauréate d'inombrables prix et distinctions internationales, elle a enseigné très longtemps dans plusieurs hautes écoles d'art en Allemagne et ses créations ont notamment été exposées à la Documenta de Kassel, au Musée du Jeu de Paume de Paris, à la Tate Gallery de Londres ou au LACMA de Los Angeles.Véronique Bergen est philosophe, romancière et poète. Auteur d'essais philosophiques, de romans qui donnent voix aux oubliés, aux exclus, de recueils de poèmes, de monographies sur des photographes, des peintres, elle collabore à diverses revues.Alexandre Castant est professeur des Écoles nationales supérieures d'art, essayiste et critique d'art

Marthe Wery

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Meditations et Autres Brievetes

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Meme les Fantomes

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Mocha

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Mocha construit, au fur et à mesure de ses fragments poétiques, un récit. Le « vous », qui est le personnage auquel le texte s’adresse, dérive, seul sur l’océan. entre le réel et l’imaginaire, en proie aux éléments, à la faim, à la solitude, le personnage perd l’usage de la langue et s’animalise. Ce livre est une véritable descente le long des zones océaniques, et une remonté jusqu’à l’île de Mocha, faisant ainsi entrer ce texte en résonnance avec Moby Dick de Melville, et en particulier, avec la mythologie Mapuche,et les peuples d’Araucanie et de Patagonie. Écrite dans une langue nette, claire, limpide, cette suite atteint des profondeurs poétiques auxquelles nous sommes peu habitués.Franck Doyen (1970), écrivain, poète et coordonnateur du Festival d’écritures poétiques contemporaines, Poema (rattachées à la région Grand-est en France). il s’est occupé pendant dix ans de la revue de poésies contemporaines 22(M)dP. Il collabore actuellement à la maison d’édition Faï fioc à Montpellier. Il a déjà publié Lettres à la Première Bosse (Propos/2 éditions, 2007) ; EC / rire au moment où (L’atelier de l’agneau, réédition 2012) ; B.I.O.bio - un désastre autobiographique (Propos/2éditions, 2010) ; Inventaire de début du jour (L’atelier de l’agneau, 2011) ; VOUS dans la montagne (Le Dernier télégramme, 2012) ; Littoral (L’atelier de l’agneau, 2013) ; Champs de lutte (Æncrages & co, 2014) ; collines, ratures (La Lettre volée, 2016).

Neiges

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NI SE NOMMER

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Depuis Art Poems, Stéphane Lambert nourrit sa poésie de sa fréquentation des œuvres d’art, convaincu que s’y jouent à échelle réduite les grands enjeux de l’être. Sensible à la temporalité parallèle à laquelle donne accès la création, il rapproche la genèse et la forme de l’écriture poétique de celles de l’image peinte, sans les substituer l’une à l’autre. À partir de ses émotions esthétiques, il éprouve et traduit la profondeur du regard en faisant résonner le bouleversement provoqué par la confrontation à la polysémie des œuvres – leur portée indéterminée. Dans ce nouveau recueil, il élargit le spectre de la création à des questionnements cosmogoniques qui, à leur tour, se fondent dans la plasticité du geste artistique. « Du bout des lèvres, Stéphane Lambert tire […] de ses expériences esthétiques, des idées sur le temps ; sur les cycles ; sur les territoires totalement neufs ou inédits, où débarque l’esprit. Du bout des lèvres, ses poèmes disent combien nos corps, nos esprits, sont littéralement mobilisés, ébranlés, à force de contempler les ruines, les restes de fresques antiques, par exemple, les matières quasi minérales laissées par des traits, des traces de couleurs. Du bout des lèvres, Stéphane Lambert nous incite à y aller voir de plus près. De tenter nous aussi l’expérience, en somme. D’aller voir ce qu’on peut, nous autres, humains humaines, corsetés dans nos corps, en tirer. Ce n’est pas rien. C’est superbement ambitieux. Superbement littéraire », dit Vincent Tholomé à propos d’Art Poems.

No ou le pactole

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Texte lauréat d'ARTCENA, cette évocation d'une femme sans abri et de sa condition marque les esprits.«Les bras de Noémie c'est plein d'étoiles filantes. Quand tu regardes à l'intérieur tu vois qu'il y en a qui datent et d'autres qui viennent de mourir. Mais elle s'en fout Noémie, elle veut juste qu'on lui relève sa manche parce qu'elle veut pas mettre plein de liquide dessus quand elle se désinfecte les bouts de verre du pastis. Après elle rigole parce que ça pique l'alcool nonante.»Noémie, elle ne vit pas dans la rue, elle l'habite. Ce texte lui est dédié. On apprend à la connaître à travers ses déambulations, ses états d'âme et ses envies de casser. Pour rester en vie, Noémie se mesure toujours à l'excès. Cette histoire la suit au présent, et tente de redonner à la survie une nouvelle forme de solarité."

NOUS

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Les photographies publiées dans cet ouvrage ont été réalisées par Charles Paulicevich dans le cadre d’une mission commanditée par la Centrale générale de la Fédération Générale du Travail de Belgique. Entre septembre 2021 et octobre 2022, il est parti à la rencontre de travailleuses et travailleurs belges au sein d’une trentaine d’entreprises, avec l’ambition de proposer une représentation actualisée du monde ouvrier. Ce livre de photographie, complété par de nombreux témoignages de délégués syndicaux issus de différents secteurs d’activités, des métallos aux titres-services, dresse un portrait collectif du monde du travail dans les usines et sur les chantiers, tel qu’on ne le voit et le montre jamais.Cela raconte l’histoire de corps en action montrés ici avec le respect et la dignité qu’ils méritent et les conditions de travail de tous ceux qui concourrent, parfois de façon invisible, à notre confort et à notre sécurité. Ces corps sont fiers de ce qu’ils apportent à la collectivité avec toutes leurs compétences et leur détermination.

Nous, Les oeuvres d’Art. Angel Vergara

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Monographie la plus récente et la plus complète consacré à cet artiste belge d’origine espagnole héritier d’ensor, de Broodthaers et de Beuys, connu pour ses performances et installations qui contestent les limites du genre et de l’esthétique dite relationnelle.Nous, les oeuvres d'art…, avant d'être le titre emblématique de cette monographie presque exhaustive consacrée à plus d'un quart de siècle de création et d’actions artistiques d’angel vergara (1956), incarne l’esprit de son oeuvre dont l’ambition semble conjuguer le paradigme duchampien selon lequel tout peut accéder au statut d’oeuvre d’art et l’injonction de Joseph Beuys qui invite chacun à devenir artiste, soit cette proposition paradoxale : tout le monde peut être une oeuvre d'art. c’est que l’artiste entend repousser jusque dans ses derniers retranchements la distinction factice et idéologique propre au marché de l’art entre la scène et le public, entre l’art et la vie, en proposant notamment des cafés implantés dans des lieux à vocation culturelle qui ne soient pas de simples simulacres de commerces mais de véritables lieux de convivialité et de spiritualité où s’opèrent simultanément différentes formes d’échanges. c'est en effet ce principe que l’on retrouve à l’oeuvre dans ses différents actions et interventions artistiques dans l’espace public, parfois à l’échelle de toute une agglomération comme à revin, et plus généralement dans ses « actes et discours » sous la forme d’alter ego tels que straatman, le vlaamse Black, voire le roi des Belges ou celui de l’art, feu Jan hoet. Que l’on ne se méprenne pas, il ne s’agit pas pour angel vergara de figurer des personnages, aussi archétypaux soient-ils, et encore moins de célébrer les oeuvres d’art cristallisées et réifiées dans leur aura et leur lustre institutionnel — angel vergara n’est pas pour rien l’héritier du pyromane Marcel Broodthaers même lorsqu’il entre dans Bruxelles juché sur un camion de pompiers – mais d’activer des dispositifs qui entendent inscrire une éthique de l’échange au coeur même de l’esthétique comme moyen et jamais comme fin.Cette somme rassemble les propos de Laurent Busine et de Juan nieves, vieux complices de l’artiste, et ceux de Laurent Courtens et de Sarah Gilsoul qui livrent les multiples clés de lecture possible de cette oeuvre protéiforme et pourtant résolument cohérente. Outre ces analyses serrées que l’artiste a tenu à exemplifier à l’aide de très nombreux documents d’époque et des entretiens fournis, on trouvera ici des oeuvres collaboratives emblématiques réalisées avec Benoît Egène et Corinne Bertrand et un avant-propos de Daniel vander Gucht.

Nouveau monde

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Les artistes descendants des générations qui ont vécu les processus de décolonisation, comme de nombreux citoyens non-occidentaux vivant en Occident, soulignent la nécessité d’une réécriture des histoires croisées de l’Afrique et de l’Europe. Nombreux sont ces artistes qui interrogent les canons et les non-dits de cette mémoire, les objets hérités de vies et de territoires antérieurs, l'hégémonie de la modernité européenne et les récits des collections muséales qui évoquent les fantômes de l'entreprise coloniale. Du cinéma à la musique, des arts visuels au théâtre, de la danse à la photographie, ces artistes revisitent les archives familiales et redéfinissent la culture européenne héritée de la tradition gréco-romaine autant que celle de la Mitteleuropa. À travers leurs œuvres, Amalia Escriva, Margarida Cardoso, Teatro Griot, Francisco Vidal, Louise Narbo, Délio Jasse, Dino d'Santiago, Nuno Nunes-Ferreira, John K. Cobra, Katia Kameli, Aimé Mpane et Ana Mendes sont les protagonistes d'une vision transnationale des arts, jouant un rôle incontournable dans le cosmopolitisme européen du XXIe siècle.

Numeristique (+Dvd)

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O, l'œuf

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Adaptation graphique des poèmes-morphogrammes fidèle au manuscrit original inédit d'Yves Namur, poète belge renommé et multiprimé, sur papier machine à écrire et marguerites de 1984.0, l'œuf, un livre composé autour des seules lettres du mot « œuf », chaque page se voulant un diptyque : dans la partie supérieure, un tableau ponctué de lettres et d'une ligne horizontale représentant un plan d'eau, et dans la partie inférieure, une partition ou les supports acoustiques dudit tableau. Comme l'écrit Francis Édeline, spécialiste des poésies visuelles et concrètes, qui en a analysé les dimensions formelles et rhétoriques, « ces morphogrammes sont au service d'un projet axiologique centré sur le symbolisme de l'œuf. C'est la vie, c'est l'existence humaine, c'est le monde entier qui sont entraînés dans un perpétuel mouvement cyclique d'engendrement et de reconnaissance. Avec la complicité de notre système d'écriture. »Yves Namur (1952) est l'auteur d'une quarantaine de recueils dont La Tristesse du figuier (Lettres vives, 2012) ou Dis-moi quelque chose (Arfuyen, 2021). Ses livres ont reçu de nombreux prix parmi lesquels celui de la Communauté française de Belgique, le Tristan Tzara, le Guillevic ou le Mallarmé. Il est le Secrétaire perpétuel de l'Académie royale de langue et de littérature françaises de Belgique. Francis Edeline est poète, écrivain et traducteur mais aussi sémiologue apparenté au Groupe µ.

Orion, de Nuit

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OS CUILLÈRE

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« Voici un nouvel os dans la littérature, écrit Tristan Sautier à propos de ce premier recueil de poésie de Laurence Skivée. Il ne surgit pas pour l’esthétique. Un os, c’est pas spécialement décoratif, et rien n’est gratuit ici. Os qui ne nourrirait pas un chien, mais qui doit servir. Et il travaille, cet os ! Il est là pour râcler le réel, l’appréhender, le connaître. Enfance de l’art ou art de l’enfance, l’os creuse à travers les images afin de reconquérir une part d’être perdue ou effacée. Os chercheur d’un moi égaré. L’os mène celle qui l’écrit et s’écrit à travers lui vers un surplus d’être. Rien n’est gratuit ici, je le répète. L’os procurera un plus d’être à son auteure et, qui sait, peut-être aussi aux lecteurs. Telle est ma certitude. »Et comme le précise encore Laurence Skivée à propos de son écriture : « J’écris parce qu’il m’arrive quelque chose, parce que ma vie bouge, parce que les autres me font bouger. Écrire un poème, c’est reprendre sa respiration contre ce qui nous l’a enlevée. Ensuite, c’est du travail. Enfin et au mieux, c’est retrouver l’autre. La poésie est un exercice de lucidité. Écrire est une posture, un acte politique, un don. J’utilise l’écriture comme une arme. Je taille, coupe et tranche dans la chair de ma propre vie. Les mots ont une âme. »

Ou Nul Ne Veut Se Tenir

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Palestine

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Parler l'Amour

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PASOLINI POÈTE ET ROMANCIER

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Dès ses premiers poèmes, l’essentiel de l’œuvre de Pier Paolo Pasolini s’articule autour de la figure de Narcisse. C’est travers l’évocation de ce mythe qu’il assouvit un impérieux besoin de confession publique. Mais Narcisse livre une lutte perdue d’avance contre le passage du temps. Pasolini mène ce combat en faisant un usage immodéré de l’analogie pour essayer de concilier instant et durée. Bientôt ce jeu acrobatique se révèle intenable. Il remet alors en cause l’idée même de représentation qui avait été initialement la sienneà travers deux œuvres majeures : La Meilleure Jeunesse (1975) et Pétrole (posthume, 1992), mais également dans un court-métrage comme Que nous disent les nuages ?(1968). Il invente alors des formes nouvelles comme malgré lui et contre ce en quoi il avait longtemps cru : un univers fondé sur l’éternel retour.Philippe Di Meo est écrivain, critique et traducteur. On lui doit notamment des traductions françaises couronnées de plusieurs prix des œuvres de Giorgio Manganelli, Andrea Zanzotto, Carlo Emilio Gadda, Bartolo Cattafi, Pier Paolo Pasolini, Giorgio Caproni, Giuseppe Bonaviri, Federigo Tozzi, Edgardo Franzosini, etc. Il a en outre écrit denombreux essais sur la littérature française et italienne, la peinture et le cinéma et collabore à de nombreux sites et revues littéraires.

Paula Kane

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Petite Pilule Pour la Folie

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Pola 1 Annuel des Etudiants 2002

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Pola 2 Annuel des Etudiants 2003-2004

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Pornographie du contemporain

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Pour Lire Wallace Stevens

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POURQUOI LA PERFORMANCE

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ce manuel ne se contente pas de réflexions pratiques. c’est un guide pédagogique, pour la pratique, la réflexionet la vie. Pour tania Alice, la pédagogie est une expérience transformative, pour l’élève ou l’étudiantmais aussi pour le professeur, une expérience axée sur le changement. La pédagogie est une pratique collaborative,c’est ensemble qu’on se lance dans l’aventure. nombre d’ouvrages récents consacrés à la performancese réfugient derrière une autoréférentialité complexe et une théorie nébuleuse. ce n’est pas le cas dece livre. Pour tania Alice, l’art est toujours une rencontre, peu importe entre qui, un échange d’affects, à millelieues d’une discussion entre initiés. Par ses interventions, elle tente d’extraire ces affects des structures depouvoir régnantes pour aboutir à de nouvelles formes de subjectivité.

Profond Silence

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QUAND L'ECONOMIE NOUS EST CONTEE

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Étienne de Callataÿ et Luc Leruth ont convaincu quelques autres éminents collègues économistes de relever le pari de mettre leur discipline à l’épreuve de la littérature, et par la même occasion d’expliquer et de discuter bon nombre de notions et de concepts propres à la pensée économique la plus exigeante à travers un choix d’œuvres de la littérature mondiale. Parmi ces conteurs sachant compter on relèvera les noms de Denis de Crombrugghe, Isabelle de Laminne, André de Palma, Victor Ginsburgh, Georges Hübner, Florence Jaumotte, Danielle Meuwly, Pierre Nicolas, Pierre Pestieau, Jean-Philippe Platteau, Patrick van Cayseele, Herman van Rompuy, Luc Wathieu et Serge Wibaut. Le lecteur de fiction sera parfois économiste et la résonance pourra alors porter sur une question professionnelle. C’est le propos de cet ouvrage. Chaque contributeur offre une lecture économique d’une œ uvre de fiction de son choix, s’amusant de l’antériorité ou de la subtilité avec laquelle certains aspects de théories récentes sont éclairés par les personnages. Ces économistes ont-ils voulu détecter dans ces écrits littéraires des apports dépassant l’intention des poètes et romanciers qui les ont rédigés ? C’est possible, et cela n’aurait rien de choquant. Il s’agit là de la liberté du lecteur, miroir de celle de l’auteur. Le seul respect dû à l’écrivain est de ne pas en faire son porte-voix. L’ œuvre romanesque doit stimuler et non dicter, offrir des pistes de réflexion et non enfermer dans un carcan ou dicter une conclusion. Étienne de Callataÿ ( Université de Namur, Université Catholique de Louvain et London School of Economics) a travaillé à la Banque Nationale de Belgique et au Fonds Monétaire International et est co-fondateur d’Orcadia AM, une société de gestion patrimoniale. Luc Leruth (Université Libre de Bruxelles) enseigne actuellement à l’Iset en Géorgie après avoir enseigné à l’Université d’Essex et à la Solvay Business School de l'Université Libre de Bruxelles. Il a travaillé au Fonds Monétaire International et est l’auteur de nombreuses publications scientifiques ainsi que de quatre romans (dont deux chez Gallimard et un en anglais chez Aleph).

Quelques figures

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« Ces 50 figures, ce sont des dessins que j’ai redécouverts par hasard dans une farde, en préparant une exposition chez O.V. Project. Elles datent de 1992-1994. Trente ans plus tard donc, je les ai revisitées et j’en ai fait des iPhone Paintings, grâce à l’application Adobe Sketch, sur mon smartphone. Quelques jours plus tard, Adobe m’annonçait avoir décidé de supprimer cette application. Ce sont les dernières iPhone Paintings que j’aurai réalisées avant la disparition de Sketch. » (J.F.0.)

Qui a Peur de l'Architecture ?

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Raconter

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Raymond Roussel,Contemplator Enim

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Redistribution des Pieces

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Regina maris

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« Refaire mille fois d’ouest en est le trajet La Panne-Knokke afin de vérifier qu’aucun tiroir des souvenirs n’a été oublié, que nul objet nul talisman n’a été égaré dans les dernières heures passées de cette chambre de l'hôtel Regina Maris aujourd'hui désaffecté. / Collectionner des pans d’histoire, des chars à voile à lire, des plages à écrire, reprendre quelques croquettes aux crevettes avant de fendre les flots, courir les rues, battre les polders. Croiser Ensor, Spilliaert, Delvaux, Magritte, Louis Artan mais aussi Roger De Vlaeminck, Willy Vandersteen, New Order et Echo and the Bunnymen au détour d’une digue. / La marée ramenant chaque jour sans cesse sur la plage, dans ses flux, reflux et ressacs, en un rêve récurent, des bibelots, un jouet, une sirène empaillée, une friture, un hôtel, un casino, une dune, un séjour à la Mer comme un voyage sur la Lune. / Parcourir ces soixante-sept kilomètres de nostalgie à la recherche de détails aperçus dans les cartes postales anciennes. C'est le voyage dans le temps et l'espace que propose l'auteur en ces poèmes en vers libres et aux assonances maritimes. » (F. L.)

Repenser la Cooperation Culturelle en Afrique

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Reprises de paroles

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Pour l’auteur de ces textes la poésie témoigne doublement d’une expérience du monde et, simultanément, de celle de la langue. Celle-ci retrouve et reprend parole, à partir de l’Antigone de Sophocle, une œuvre majeure qui reste, pour beaucoup, un moment fort de ce que nous sommes, de même que de ce que nous sommes devenus. Aussi, sa reprise maintient l’ardeur de son origine, de son avènement, du fait qu’elle repose sur des fondements fragiles, nomades ou vacillants, et tout autant, inachevables, inachevés. Sa fraîcheur demeure latente dès lors qu’il s’agit de faire surgir, de retrouver ce qui semble s’y cacher, s’y dissimuler. Cette reprise cherche à s’approcher au plus près de nous-même afin de nous tenir dans l’intervalle d’une relation immédiate qui emporte la matière des mots au-delà de la facticité de toute littéralité, comme pour accorder à notre lieu et à notre condition, dans l’instant de leur réception, une place primordiale. Ces textes sont des blocs de noir et de gris qui s’avancent et varient comme autant de sismographes. Pierre-Yves Soucy, né à Mont-Laurier (Québec), poète, essayiste et traducteur,a enseigné dans plusieurs universités et fut attaché de recherche à la Bibliothèque Royale (a.m.l.) à Bruxelles. Rédacteur en chef de la revue Le Courrier publiée par le Centre International d’Études Poétiques de 1990 à 2000, il a occupé la Chaire Roland-Barthes à l’Université nationale de Mexico (UNAM) de 1998 à 2001. Codirecteur des éditions La Lettre volée, directeur des éditions Le Cormier, il a fondé et dirige la revue L’Étrangère.

REVUE DE SOCIOLOGIE 2021-2022

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Ce numéro double de la Revue de l’Institut de sociologie contient un hommage à Claude Javeau (1940-2021), intellectuel et professeur de sociologie à l’Université libre de Bruxelles. Prenant plus que sa part à la vie intellectuelle de son temps (on lui doit notamment la notion de « belgitude »), comme expert et à l’occasion chroniqueur à La Libre Belgique, il est l’auteur d’une bonne vingtaine de manuels, de traités et d’essais sociologiques qui lui valurent d’être invité dans de très nombreuses universités internationales. Ce volume contient également un dossier consacré à la question migratoire et à la nécessaire notion d’hospitalité.Sommaire : Daniel Vander Gucht : La cérémonie des adieux - Hommage à Claude Javeau sous la direction d’Anne Van Haecht : Anne Van Haecht : Claude est parti ; Jean-Marie Brohm : Pour Claude Javeau. Remémorations: Paris-Bruxelles-Montpellier:Michel Meyer,Les définitions de la société selon Weber et Durkheim s’accordent-elles? Vers une nouvelle synthèse Fabien Ollier : Du côté de la vie bien emplie. Claude Javeau en amicale connivence ; Olivier Ihl : La parole perdue... Sur la naissance de la théorie du suffrage ; Henri-Pierre Jeudy : Pour une autopsie de la trahison? Magali Uhl : Culture visuelle et regard féminin. La neutralité axiologique à l’épreuve du « gaze » en photographie et au cinéma Christophe Dargère : L’arrangement du décor. Perspectives institutionelles et situationnelles d’un concept ; Firouzeh Nahavandi : « Pays sous-developpés » et stigmate ; Luc Van Campenhoudt : Le malentendu sous l’angle de la sociologie de la vie quotidienne ; Louis Jacob : Quelques orientations en hommage à Claude Javeau ; Patrick Vassort : Claude Javeau : imagination et résistance ; Inégalités et déplacements forcés : l’hospitalité comme dialogue et comme reconfiguration sociale sous la direction de LouisJacob et Myriame Martineau : Louis Jacob et Myriame Martineau : Introduction ; Simon Latendresse : L’hospitalité à l’ère des migrations de masse, ou comment sortir (enfin) de la biopolitique? Une enquête dans deux refuges pour migrants à Mexico ; Pauline Neveu : L’«altérité hospitalière»: pour une prise en compte des différences inhérentes à la relation d’hospitalité ;Jean-Louis Genard : Enjeux moraux et politiques de l’exigence d’hospitalité.

Robert Suermondt

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Robert,Va Te Coucher

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Rosalex

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Route des Hommes

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RUSES À L'OEUVRE

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Parce que dans un monde injuste, régi par des luttes d’intérêt, on a parfois besoin de jouer des tours, cet essai pose la question : que peut l’art ? Mais plutôt que de regarder les œuvres du point de vue de l’efficience, il s’agit d’observer leur inventivité, de saisir la complexité de leurs modes opératoires. Les ruses – qui font croire et agir tout en restant elles-mêmes dissimulées, qui enthousiasment par leur capacité à mener une cause perdue au triomphe – sont au cœur de ce livre, préfacé par le philosophe Pierre-Damien Huyghe. Par l’étude de « l’intelligence pratique » des procédés et logiques de cinq œuvres des artistes Peter Rösel, Made in Éric, Olive Martin et Patrick Bernier, Judith Deschamps, Joana Hadjithomas et Khalil Joreige, cet essai explore leurs résistances en s’appuyant sur des stratagèmes observés par ailleurs (camouflage militaire, système de l’art, actions politiques sur la justice, arnaques sur internet) et les théories qui leurs sont consacrées. Ces œuvres desquelles émanent des connaissances, savoirs-faire et astuces, invitent à regarder comment ces gestes artistiques peuvent nous aider à penser les conflits du réel et imaginer des modes d’agir rusés.

Salerni

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Sarcophagi. Radioactive Waste

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Une exposition rétrospective autant que prospective de l’artiste qui explore, réfléchit et oeuvre depuis près de 30 ans à l’échelle de la planète à l’émergence d’une véritable conscience du nucléaire et du traitement de ses déchets dans nos paysages et nos sols.Nous, les oeuvres d'art…, avant d'être le titre emblématique de cette monographie presque exhaustive conalors que l'on débat toujours pour savoir s'il convient ou non de fermer des centrales nucléaires, l'heure n'est plus à l'insouciance ni aux experts qui nous garantissent sans frais pour eux la surêté de leurs installations quand on sait, quelques soient les politiques énergétiques qui seront désormais privilégiées, la menace que représentent pour notre planète et les générations futures pendant des milliers d'années encore les déchets radioactifs que l'on destine à des galeries souterraines où ils seront enfouis. cécile Massart arpente ainsi les sites destinés à l'enfouissement de nos déchets radioactifs et dialogue depuis 1994 sans relâche avec les scientifiques et les responsables de ces opérations à travers le monde (notamment ceux de l'ONDRAF/NIRAS en Belgique) pour proposer des marqueurs durables et visibles pour ces sarcophages qui vont traverser le temps, mais aussi des laboratoires et des abris pour accuellir une pensée et une conscience encore balbutiantes de cette culture nucléaire qui est bien la nôtre, même si c'est à notre corps défendant et trop souvent à notre insu. Pour l'accompagner dans cette quête depuis de nombreuses années et quelques livres communs, le sémiologue et cinéaste aldo Guillaume turin qui nous livre ici ses réflexions les plus intempestives et engage un dialogue fécond avec l'artiste.De cécile Massart La Lettre volée a déjà publié Cover en 2009 et Archives du futur. Pour une culture nucléaire en 2018 et aussi plusieurs textes d'aldo Guillaume turin, dont un ouvrage sous sa plume : Mise en déroute Djos janssens ou le rire encombrant en 2014.

Sons en Mutation

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Souffle de Beckett

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Squelêtre

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Composé de trois suite, ce volume garde en mémoire aussi bien les lectures traversées que le monde mille fois rejoint. La volonté qui le soutient est bien le témoignage visant l’intensité du monde en ses limites saisies au présent comme anticipées. Ni poésie, ni prose, ni voix mais l’intégration de ces trois dimensions dans le mouvement de la parole. L’auteur se place sous une écoute la plus délicate, non sans exercer une ironie certaine qui assure à ces suites une densité étonnante en se jouant du bavardage avec l’intention non dissimulée de rendre à la réalité sa nudité. Et c’est le mélange des genres, ici, qui atteint le lecteur de plein fouet, mais qui ne compromet jamais l’unité de ces compositions. Le regard est limpide, il est sans concession, alors que tous les aspects, toutes les matières abordées, toutes les situations imprenables rapportées, se trouvent à indifférencier leur manière d’être. Trouver les mots pour dire, les inventer même afin de venir au plus près de ce qui est offert au regard, lorsque l’auteur approche l’œuvre de l’artiste-ami : « Écoute ! / Dépeint défeint / Là-bas / Un seul Animalêtre / en je, en joue, en l’air / L’oreille pointée du doigt / Et tout ce qui vient avec... / Les yeux zéros ou moins / Sur le devant de la scène ... / Regarde !»

Stéphane Lambert. Écriture première

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Dans la foulée d'un précédent ouvrage intitulé Art Poems publié en 2018 dans la même collection, ce recueil est composé de brèves suites consacrées à la création picturale, depuis l'art pariétal jusqu'à la création la plus contemporaine, que ce soit à travers les œuvres de Mark Tobey, de Lee Ufan, de Gerhard Richter ou encore d'Evi Keller. Sa poésie demeure parole d'ouverture et plus particulièrement encore lorsqu'il s'attarde à la création picturale appréhendée comme avènement d'un événement. Ici, Stéphane Lambert rejoint les thèmes les plus décisifs qui traversent son œuvre littéraire, que celle-ci épouse la forme du roman, de l'essai, et bien sûr, de la poésie. Pour l'auteur de ces textes, sentir et percevoir trouvent leur manifestation sensible à travers la recherche de nouvelles formes expressives, si ce n'est par la figuration, par la construction d'un espace pictural visant une représentation, pour ne pas dire une présentation. Tout au long de ces suites, l'auteur parvient sans difficulté à étonner son lecteur, à la fois par la rigueur dont il fait preuve, par la précision de ses observations, du fait que sa propre expérience intérieure rejoint celles qui se manifestent au cœur des créations picturales qui sont aussi d'autres expériences de la vie. Stéphane Lambert (né à Bruxelles en 1974) est licencié en langues et littératures romanes de l'Université de Bruxelles (ULB). Essayiste et poète, il a été éditeur littéraire, journaliste, réalisé plusieurs documentaires sonores pour la RTBF et a été primé à deux reprises par l'Académie royale de langue et de littérature française. En mai 2009, l'actrice Micheline Presle, avec laquelle il a publié un livre d'entretien (Di(s)gressions, Stock), a lu son texte L'Adieu au paysage consacré à Claude Monet dans la salle des Nymphéas de l'Orangerie puis au Grand Palais en 2010. En 2012, Dans le désordre de Claude Régy (Arles, Actes Sud), coécrit avec Stéphane Lambert, a obtenu le prix du Meilleur livre sur le théâtre décerné par le Syndicat de la critique théâtrale. Ila également publié à La Lettre volée : Le Jardin, le séisme. Dans les pas de François Muir (2013) et Art Poems (2017)

Steve Kaspar...Et la Moelle Fabrique

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Suites Peintes de Martin

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Sujets sensibles. Une esthétique des personnages de cinéma

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Faisant une place centrale à l’analyse de films, ce livre magistral donne à penser la figure du sujet sensible dans le cinéma de quelques-une plus grands réalisateurs.Le personnage de cinéma est communément défini par sa fonction dans l'économie du récit. Il a une certaine physionomie, il est un ensemble de paroles, de gestes et de comportements motivés par les desseins de la narration ; il a une « psychologie ». Mais certains films, certaines scènes, donnent corps au personnage en ce qu'il est aussi un sujet sensible, c'est-à-dire une figure humaine dont l'existence à l'image est d'abord celle d'un être en train d'éprouver le monde comme tissu de phénomènes sensibles, et dont les actions se déploient avant tout dans le champ sensoriel : écouter, contempler, marcher, toucher, sentir… Faisant une place centrale à l'analyse de films, ce livre souhaite penser cette figure du sujet (filmique) sensible. Il le fait à travers certaines de ses manifestations singulières, dans des films très différents (Kore-eda, Renoir, Hitchcock, Kitano, Dumont, Aoyama, Salvador, Tarkovski) qui révèlent pourtant sa densité expressive et sa capacité à nouer les enjeux des œuvres qui l'accueillent.Benjamin Thomas est Professeur en études cinématographiques à l'Université de Strasbourg. Il est notamment l'auteur de L'Attrait du vent (Yellow now, 2016), de Fantômas de Louis Feuillade (Vendémiaire, 2017) et de Faire corps avec le monde. De l'espace cinématographique comme milieu (Circé, 2019). Ses recherches portent sur l'esthétique et l'histoire des formes cinématographiques.

SUR ROBERT SMITHSON

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Cet essai propose la première traversée théorique de langue française de l'oeuvre de l'artiste américain Robert Smithson (1938-1973) depuis ses premières toiles figuratives jusqu'à ses oeuvres environnementales en passant par son travail de sculpture (non-sites). Figure majeure du Land Art, proche du minimalisme et de quelques artistes conceptuels, Smithson est surtout connu pour son oeuvre implantée sur le Grand Lac salé, la Spiral Jetty. Mais il est aussi un théoricien, un écrivain et un lecteur avisé de la littérature d'avant-garde (Beckett, Robe-Grillet), un connaisseur des sciences humaines des années 1960, auxquelles il emprunte plusieurs concepts, et un spécialiste de séries B et de Pop culture. Ces Variations dialectiques suivent le parcours multiforme de cet artiste multimédia avant l'heure et montrent comment les différents champs des arts et des sciences, de la philosophie et de l'ethnologie, de la fiction et du document s'interpellent et se recoupent chez lui dans une dialectique ouverte et relationnelle qui récuse l'autonomie de l'oeuvre moderniste « absolue », promue par les critiques Clément Greenberg et Michael Fried. Cet ouvrage est par ailleurs le fruit de recherches menées à Washington DC dans les Archives de l'artiste (Smithson et Nancy Holt Foundation). Il comporte des documents peu connus et des traductions inédites de textes de l'artiste.

SURGI DE LA SALVATION, ANDREA ZANZOTTO

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Fidèle à toutes les inscriptions de la poésie de son siècle, non seulement d’Italie mais d’Europe occidentale jusqu’à l’Inde, l’art poétique d’Andrea Zanzotto (largement traduit en français par Philippe Di Meo) ne se réduit pas à un échantillonnage, à une combinaison de genres et de styles antagonistes mais compose et joue le va-tout de la poésie par rapport à ses périodes fastes et même décadentes. Zanzotto a l’oreille musicienne initiant les formes nouvelles du poème, ouïe qui prend langue avec l’œil et la parole mobile des vivants rapportant les mémoires des morts, portant leurs langues, leurs mots et leurs paroles vives au cœur du présent.René Noël (né en 1959 à Givet dans les Ardennes), poète et critique vivant à Strasbourg, est l’auteur de deux recueils de poèmes : Bancs de Rayons (Toulon, La Termitière, 2010) ; D’étoiles (Toulon, La Nerthe, 2023) et d’un essai consacré à Vélimir Khlebnikov : Créations critiques (des mimésis). Khlebnikov (Toulon, La Nerthe, 2020). Ses poèmes et études critiques sur Alejandra Pizarnik, Paul Celan, Gerard Manley Hopkins et d’autres poètes contemporains sont publiés notamment dans les revues La Polygraphe, L’Étrangère, Cahier critique de poésie et sur le site Sitaudis.fr.

Temporary Zen

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Théorie des Bulles

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Conçu comme un album de bande dessinée classique, mais où les phylactères libérés de leur fonction et érigés au rang de personnages et de signes souverains s’en donneraient à cœur joie à revisiter toute l’histoire de l’art moderne, cette théorie des bulles de l’artiste plasticien Emilio López-Menchero emprunte aux techniques les plus radicales pour dynamiser les traits essentiels du langage de la bande dessinée. Ce faisant, le livre en accroît aussi le potentiel critique. La « théorie » du titre ne signifie en rien quelque souhait de rester en marge de la pratique. Elle vise au contraire une façon de mieux construire des armes pour rebondir dans les débats et enjeux de tous les jours. Telle quête conduit l’auteur vers l’essence de son médium – qui n’est nullement l’horizon ultime du travail créateur mais le tremplin que se donne Emilio López-Menchero pour intervenir dans le monde plus large de l’art et, plus largement encore, de l’action sociale. L’essence en question est ce que le philosophe belge Henri Van Lier a nommé le « multicadre », terme aussi simple que juste, à mille lieues des idées que l’on continue à se faire sur la bande dessinée,comme l’écrit Jan Baetens dans sa postface.

Toi,L'Egare

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TROIS POUR CENT SAUVAGES

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Comment peser l’incalculable ? Quelle est l’alliage d’un fait social ? Notre système nous impose de plus en plusde chiffres au sein de la langue et de nos approches ; que ce soit au travers de la santé, la météo, les cours enbourse, l’accumulation de sondages et de promotions. Il élargit notre sémantique, falsifie le réel par la créationde nouveaux mythes et de nouvelles nécessités de subsistance. Trois pour cent sauvages décortique une vie en seconcentrant sur les pourcentages. Il s’agit ici se de frayer une poésie en rapportant tout au calcul, jusqu’auxambivalences de la personnalité même : l’émotion, la raison et l’insouciance.

Ufo/Ojos

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L’occasion de peindre sur un vaste échantillon de toiles fabriquées artisanalement pour le monde entier à Waregem en Belgique a suscité une émulation entre les peintres Robert Suermondt et Emilio Lopez-Menchero qui ont composé des diptyques accrochés directement dans cette usine à l’allure de cathédrale industrielle, premier produisant des objets volants non identifiés et le second des yeux. Plus qu’un jeu instruit de techniques et d’histoires, « UF0/OJOS : CRASH TEST » cultive les chocs et les frictions contrapuntiques. Comme si, dans l’instant suspendu du crash, s’engendrait plus de sens et d’énergie que la somme des éléments initialement engagés : l’usine, les toiles, la peinture, les pinceaux et les mains.

Une Dynamique Culturelle Africaine

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UNE ÎLE BATTUE PAR LES VENTS

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Cet essai sur le cinéma de Roman Polanski explore l’enjeu formel et thématique de l’espace clos, en le décalant néanmoins du trop classique et trop univoque huis clos vers une dialectique affinée de l’intérieur et de l’extérieur. Par le biais de différentes figures de cette dialectique, c’est le statut même de l’image que le cinéma de Polanski permet de penser. Le choix est aussi fait ici de mobiliser les références à la peinture qui travaillent de l’intérieur le cinéma de Polanski et contribuent de manière décisive à son esthétique.

Une Image Differente dans Chaque Oeil / Broche

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Valses et enterrements

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Variations sur l'animal central

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Vermeer ou l'Action de Voir

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Vers Baikal

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Vertical

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VOICI

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Il y a vingt ans, dans le cadre de la manifestation « Bruxelles 2000 », Thierry de Duve a monté au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles une grande exposition intitulée Voici, 100 ans d’art contemporain comprenant plus de 200 œuvres remontant jusqu’à Manet et Rodin ainsi que trois installations commandées à des artistes contemporains (Michael Snow, Dan Graham et Sylvie Blocher). Manifeste des principes qui construisent sans solution de continuité l’art moderne et contemporain selon Thierry de Duve, le catalogue (épuisé) contenait un long essai de Thierry de Duve repris dans Voici - vingt ans après, accompagné d’une soixantaine de photos d’installation dues à Philippe De Gobert ainsi que d’une sélection de quelques articles marquants qui avaient salué et vilipendé l’exposition dans la presse artistique internationale, des conférences de Herman Parret et de Mieke Bal données autour de Voici dans un colloque organisé à Louvain à l’époque et les réponses faites par Thierry de Duve.

Votre écorce

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Longue suite composée de 91 poèmes, ce livre de poésie se présente sous la forme d’une adresse au poète et écrivain Claude Esteban, d’un dialogue avec l’auteur disparu. Il y a dans cette suite quelque chose d’une complicité magnifique entre l’auteure et celui auquel elle s’adresse, ce dont témoigne la plupart des poèmes, discrètement mais sûrement, dont celui-ci : « Tu te souviens / elle n’était pas / morte / tout à fait / ni / sa main / ni / le pourpre des / peintures ni / la langue où / je la veille». On y trouve une parole poétique d’une très grande maîtrise, et qui, dans l’adresse à l’autre, cherche à formuler ce que nous sommes, sans jamais préjuger de ce que nous serons. Les lieux sont rarement déterminés et pourtant témoignent des itinéraires, qui sont ceux de la vie.Comme souvent chez cette auteure, le moment réflexif, l’ordre de la pensée jamais refermée sur elle-même accompagne ces moments de surgissement de la parole poétique en cette distance par rapport à la banalité de la traversée des jours.

Voyages en Pentagonie 2029

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Walden:Un Film Experienciel de Jonas Mekas

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Walking Woman / la Femme qui Marche

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Walter Swennen / Pif

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Xavier Noiret-Thomas

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Yves Boudier. Silentiaire

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Le silence est la condition même de l'écoute. Il se presse à l'orée de la parole. Ce livre est une véritable révélation. Il soulève les interrogations fondamentales touchant nos manières d'attendre et d'entendre. Il tente une illustration, voire un dépassement, de la question du silence telle que Blanchot en particulier la pensa : « Être fidèle à la poésie, c'est concilier la volonté de parler et le silence […] Ce silence a sa source dans l'effacement auquel celui qui écrit est invité ». Toutefois, s'il n'y a aucune posture solipsiste dans Silentiaire, aucun poème ne s'autorisant la mise en scène d'un Je, pour autant le poète tient parole et, poème après poème, affirme la souveraineté de la poésie contre le néant. À l'image d'un reliquaire, inventaire, bestiaire ou légendaire… Silentiaire est une épellation thématique conduisant à la célébration finale du poème comme espace et matière, poème qui renvoie, da capo, à la mort initiale, défiée au fil des pages par chacune des déclinaisons qui constitue l'ensemble. Le parcours se boucle et s'offre ainsi à des « reprises », car suite poétique plus que simple liste, Silentiaire suppose une approche circulaire des poèmes, au-delà de la disposition linéaire propre à la forme livre. Sa prosodie prolonge celle des livres qui le précèdent et situe cet ensemble dans la volonté de suivre avec cohérence une démarche poétique authentique.Yves Boudier, est né en 1951 en Basse-Normandie et vit à Paris. Professeur de Lettres jusqu'en 2012 à l'Université de Cergy-Pontoise, il est le président de l'association C/I/R/C/E Marché de la Poésie depuis 2015. Administrateur de la Biennale Internationale des Poètes (2006-2017), il a été Président de la Maison des écrivains et de la littérature (M.E.L). Membre des comités de rédaction des revues Action Poétique (1978-2012) et Passage d'Encres (1996-2014), il a publié des notes critiques et des poèmes dans de nombreuses revues dont Fixxion, CCP, Po&sie, Le Préau des collines, Siècle 21, Rehauts, Midi, L'Intranquille, Petite, Il Particolare, Europe, Secousse, Zone sensible, la Revue des revues… et sur les sites Poezibao et Sitaudis. Il a aussi contribué à l'organisation des États généraux permanents de la poésie et à différents colloques sur l'écriture et la poétique (Collège International de Philosophie, M.E.L.).

Yves Zustrassen

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