A Fluxus Family Portrait Album

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Wolfgang Träger : album portrait d'une famille Fluxus : En 1962, le mouvement d'avant-garde Fluxus fait scandale et conquiert les associations artistiques et scènes de théâtre allemandes. Des artistes tels que Yoko Ono, Nam June Paik, John Cage ou Ben Patterson repensent alors entièrement la musique, l'art et la littérature et les associent souvent concrètement. La Rhénanie sera la première infectée par le virus Fluxus, avant la scène new-yorkaise. Dans les années 1970, ce sont l'art conceptuel et le land art qui s'imposent comme les nouvelles avant-gardes, mais sans pour autant sonner la fin des « events » Fluxus révolutionnaires, débordants d'imagination et de charme, qui ont encore lieu aujourd'hui. Les photos prises en Europe et aux USA montrent des performances et des portraits, les artistes au travail ou en privé. Le mouvement Fluxus n'a jamais cessé d'exister, il a toujours affirmé de manière envoûtante, charmante, amusante et rouée que l'art est en mesure d'aiguiser nos sens.

About Trees

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Alex Hanimann : Same But Different

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Avec » Same But Different «, Alex Hanimann organise un voyage dans le temps à travers sa production artistique. La couverture miroir déjà est une référence à la chanson cool, plus parlée que chantée, I AM YOUR MIRROR de Nico avec les Velvet Underground. Les images emblématiques sont un sujet important pour l'artiste, traité ici comme en boucle à travers des textes extrêmement instructifs et des images de trois expositions – 2019/20 au Kunstmuseum de St. Gall, à la Villa Merkel d'Esslingen et au FRAC Grand Large de Dunkerque. Les images matricielles de l'époque des années 1970 y sont présentes, de même que les ­nouvelles sculptures brillantes des cinq dernières années représentant des jeunes dans leurs tenues typiques d'aujourd'hui légèrement plus grands que nature. Le tout est coordonné par la vidéo d'un tour en vélo à travers le parc Victoria qui ­incarne le moment utopique et avec laquelle l'artiste unit les images de sa jeunesse et la représentation de la génération actuelle.

Allan Kaprow. Painting 1946-1957

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Allan Kaprow (1927-2006) doit surtout sa renommée mondiale à ses performances artistiques. Mais il ne se contente pas d'être à l'origine du concept d'happening - une forme d'art qu'il a marquée à la fin des années 1950 à New York, ses Environments eux aussi - d'immenses installations variables de pneus de voitures, tonneaux ou blocs de glace - sont considérés comme des jalons essentiels de l'histoire de l'art récente. Il a alors évolué en permanence au coeur des tensions entre l'intuition, la forme ouverte et le rapport au temps d'une part, la pratique réfléchie du théoricien et historien de l'art d'autre part. Le livre couvre jusqu'aux créations du milieu des années 1950, qu'il appelait « collages actions » et auxquelles il a intégré des matériaux du quotidien et des objets courants.

Always Different, Always The Same

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Pendant les années 1960, l'intérêt du monde de l'art pour les systèmes a manifestement grandi. Il a ensuite évolué parallèlement aux troubles sociaux et à la vision fondamentalement critique du syst ème par le mouvement de 1968. Les avancées technologiques en revanche ont été plutôt plus conséquentes du point de vue actuel. Le développement de la cybernétique, les réseaux de communication et les systèmes informatiques ont facilité la formation d'immenses réseaux et le traitement efficace des données, ils ont fait de l'échange d'informations un important facteur socio-économique. L'ouvrage examine l'art des années 1960 et 1970 en ce qui concerne la pensée systémique et le voit comme communication et critique du système. Ce sont surtout les oeuvres de l'art minimal et conceptuel qui ont traité les principes des systèmes de communication linguistique, et par-là même les différentiations et les répétitions. Ces oeuvres sont présentées en parallèle avec l'art contem- porain qui prend désormais en compte les questions systémiquement importantes concernant la nature des processus, le traitement des données, la distorsion de l'information et la compatibilité des systèmes. Pour ces artistes contemporains, les systèmes numériques et les logiciels sont autant des outils que des principes de pensée systémisée. Ils influencent et contrôlent leurs décisions formelles et relatives au contenu en créant de nouvelles oeuvres. Artistes : Carl Andre, Art & Language, John Baldessari, Walead Beshty, Stanley Brouwn, Peter Buggenhout, Angela Bulloch, Hanne Darboven, Matias Faldbakken, Corsin Fontana, Wade Guyton, Bethan Huws, Iman Issa, Donald Judd, On Kawara, Yves Klein, Sol LeWitt, Piero Manzoni, !Mediengruppe Bitnik, Robert Morris, Charlotte Prodger, Ad Reinhardt, Michael Riedel, Robert Ryman, Jan Schoonhoven, Frank Stella, Sturtevant, Rémy Zaugg

Andrea Winkler Edited By Kathrin Busch

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Des lieux du crime sont bouclés par la police, des protections sommaires ferment les lieux daccidents, des consoles barrent des accès et guident les visiteurs dans les musées autant de dispositifs courants destinés à nous empêcher de nous approcher de choses, dendroits ou dobjets précieux. Andrea Winkler met en scène des réapparitions distanciées de cet ordre et des pièces rapportées qui évoquent la sécurité dans un monde quotidien dont linstabilité saccroît pourtant furieusement. Elle transpose ces barrages avec une grande précision dans des complexes tridimensionnels et des collages à parcourir qui transforment aussi larchitecture environnante et le reste de lexposition en un scénario de précarité et de remise en question.

Andreas Schulze: On Stage

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ON STAGE, ainsi est intitulée l’exposition d’Andreas Schulze qui fait de la Kunsthalle de Nuremberg la scène de ses univers picturaux surréalistes. Sans cesse, le vaste monde chatoyant du loisir rencontre une banale esthétique du quotidien, les références artistiques historiques se heurtent aux ornements et bibelots les plus communs. Pare-choc contre pare-choc, les tableaux grand format de carrosseries en apparence sages se pressent vers la photo pour un panneau rabattable dont l’embouteillage emplit l’espace. Mais c’est en bateau qu’Andreas Schulze nous mène, ses images de mobilité, progrès, dynamisme et discipline paraissent presque enfantines. L’artiste a toujours eu un regard particulier sur les absurdités de notre quotidien. En 1989, il affirmait encore que l’avant-garde évolue entre deux extrêmes : l’intellectualisme et la banalité la plus grossière. De son côté, il aurait toujours recherché la moyenne bourgeoise. Il la cite depuis avec un haussement d’épaules amusé : tuyaux amorphes, objets boursouflés, ondes stylisées, points lumineux, surfaces embrumées et petits nuages de gaz d’échappement s’assemblent en paysages singuliers, tandis que les murs de briques, les tapis de velours, les lampadaires, les caoutchoucs et toutes sortes d’objets du quotidien sont la scène d’un familier qui semble d’un seul coup étrange et s’associe à l’humour et à l’insondable. Car beaucoup de ce qui paraît d’abord frivole ne saurait représenter la zone de confort visuel. Le concept pictural d’Andreas Schulze est à la fois banal et énigmatique, singulier, mais dans toute sa familiarité, il donne lieu à un malaise subliminal.

Anselm Reyle : Teenage Wasteland

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Anselm Reyle fait partie des artistes allemands au plus grand renom international de sa génération. La liste des lieux où il a exposé se lit comme le Who’s Who du monde artistique : de la Kunsthalle de Zurich, au Palazzo Grassi de Venise (Collection Pinault), des Deichtorhallen de Hambourg et à la Hamburger Bahnhof de Berlin. Ses coopérations sont tout aussi légendaires, comme celle avec Dior pour une série exclusive de sacs à main. Il stupéfie par ses mélanges de styles, de couleurs et de matières, ses travaux à la peinture automobile, en PVC et film miroir, à la peinture en bombe, avec des lampes DEL, en béton ou en argile. Les matériaux de départ qu’il trouve jouent toujours un rôle prédominant dans son oeuvre, qu’il s’agisse d’éléments repris à d’autres artistes ou d’objets du quotidien, d’architec­tures, ou encore de design. De même, la réflexion, l’appropriation, la reformulation déterminent en conséquence son mode opératoire. Les observateurs se prennent alors aussi dans le rythme surprenant des échantillonnages antagonistes formels et matériels dans lesquels se retrouve tout le répertoire de ­l’invention picturale abstraite moderne. Le projet de livre ­présentera les travaux muraux qui occupent l’espace nés à Heilbronn, montrera la dernière série d’oeuvres aux tableaux sur toile de sac et donnera un aperçu du travail antérieur ­d’Anselm Reyle.

Anselm Reyle, Stripe Paintings, 2003-2013

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Anton Henning, Midnight In Paris

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Arch of Hysteria

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Le « grand arc » ou « arc de cercle » et son caractère ambivalent entre perte de contrôle et maîtrise est un motif qui séduit et possède une longue tradition dans l’histoire de l’art et de la culture. On le trouve dans les représentations de danse et d’acrobatie, mais il peut aussi illustrer des maladies physiques ou psychologiques : le corps (féminin) tendu à l’extrême exprime le ravissement extatique, mais aussi un trouble psychotique, s’il est dansé, il incarne une maîtrise virtuose du corps et l’expressivité. Avec « Arc de l’hystérie », le musée d’art moderne de Salzbourg propose une exposition entièrement consacrée à ce motif à la force imagée évocatrice. Des oeuvres d’art des 100 dernières années et de contextes divers sont présentées, et avec elles la variété des possibilités d’expression est explorée, inhérente à la forme – jusqu’à sa modification en formes abstraites, et pourtant expressives et incontestables. Le livre et l’exposition dévoilent les racines historiques (artistiques) du motif et sa continuation actuelle dans la peinture, le dessin, la sculpture, la photographie, ainsi que l’art vidéo et performatif. Les artistes présents comprennent notamment Denis Darzacq, Max Ernst, Georg Herold, Gustav Klimt, Alfred Kubin, Auguste Rodin, mais aussi Alexandra Bircken, Louise Bourgeois, Ronit Porat, Barbis Ruder, Charlotte Rudolph, Valerie Schmidt ou VALIE EXPORT ; de nombreuses oeuvres ont également été créées spécialement pour l’exposition.

Arno Fischer: Eine Reise (Un voyage)

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Arno Fischer (1927–2011) occupe une place importante dans la photographie allemande du 20ème siècle. Pendant toute sa carrière, il a oeuvré aux genres les plus divers : des photos de mode dans les rues de villes d’Europe orientale aux habitants des pays de l’Est et leur quotidien. Ses voyages l’ont mené notamment en Guinée-Équatoriale, en Inde, en Union soviétique et aux USA, toujours avec sa caméra. Et lorsqu’il ne parcourait pas les rues en filmant, il était un membre actif de DIREKT, un groupe de photographes fondé en 1965. À Berlin-Est qui a contribué pour une part essentielle à la diversification de la culture visuelle est-allemande dans les années 1970 et 1980. Arno Fischer a toujours entretenu, avec sa femme la photographe Sibylle Bergemann, ses contacts avec la scène photographique internationale. Robert Frank, Henri Cartier-Bresson ou René Burri ont toujours aimé leur faire des ­visites-éclairs dans leur appartement du Schiffbauerdamm. Arno Fischer était aussi un enseignant passionné, il travaillait intensivement avec ses étudiants, d’abord à l’École supérieure des beaux-arts (Hochschule für Grafik und Buchkunst) de Leipzig, puis à l’école Ostkreuz de photographie de Berlin après la chute du Mur.

Asger Jorn : With Boundaries

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Asger Jorn : Sans limites Dans ses tableaux qui défient la couleur, l'écrivain et peintre danois Asger Jorn (1914-1973) fait naître des univers d'images dynamiques qui témoignent pour certains d'une légèreté pleine d'humour et joueuse et pour d'autres d'une mélancolie apocalyptique. En plus d'avoir infatigablement écrit et peint, il est aussi l'auteur d'une abondante oeuvre céramique. Son travail a toujours été marqué par le vif intérêt qu'il portait à la culture scandinave, mais il savait situer son oeuvre dans un langage imagé à la force inhabituelle, oscillant entre abstraction et figuration. Pendant toute sa carrière, Asger Jorn a entretenu des contacts avec de nombreux collègues artistes, il était membre fondateur du groupe CoBrA, et plus tard soutien convaincu de l'Internationale situationniste. L'important ouvrage qui accompagne l'exposition propose une sélection concentrée sur 60 oeuvres et privilégie la période entre la fin des années 1930 et les années 1970.

Austin Eddy: Immutable Traveler

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L’oeuvre picturale d’Austin Eddy formule des contradictions, elle s’appuie sur des traditions cubistes et cherche un équilibre entre figuration et abstraction, tandis que les éléments figurés se plissent en paysages nocturnes, que les bâtiments se transforment en portraits isolés d’espaces en apparence claustrophobes, que les nuages qui flottent ressemblent à des doigts enflés – et que tous incarnent aussi des portraits, des natures mortes et des paysages. Sur le plan formel autant que conceptuel, les travaux d’Austin Eddy renvoient au modernisme américain. Mais il reste par derrière quelque chose que l’artiste décrit comme suit : « Je pense que mes tableaux essaient toujours de trouver une voie entre réalité et abstraction. Je cherche à sonder les frontières, jusqu’à quel point l’échange entre les deux peut être étendu. Les tableaux puisent leurs racines dans des récits de la vie réelle, mais ils ne sont pas nécessairement associés à une représentation réelle du monde. Pour les rattacher à la terre, j’essaie d’utiliser le temps. La lumière joue un rôle décisif pour comprendre comment ces tableaux fonctionnent. Pas seulement l’heure de la journée, mais aussi la durée possible d’un évènement. La tentative de capturer un après-midi dans un moment ou l’agitation d’un vol dans le calme d’un tableau me passionne. Et comme je simplifie le langage dans les tableaux, je trouve important qu’ils soient comme ramenés dans le monde naturel par la couleur du temps. »

Autoportraits, De Rembrandt Au Selfie

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L'autoportrait constitue un thème transversal dans l'histoire de l'art européen. Depuis l'époque de la Renaissance, nombreux sont les artistes qui se sont volontairement mis en scène dans leurs propres créations, contribuant ainsi à construire leur image. S'appuyant sur une sélection d'oeuvres dans différents média, couvrant un champ chronologique de près de six siècles, de la Renaissance à l'époque contemporaine, ce catalogue s'attache à offrir une analyse de ces représentations des artistes par eux-mêmes. Des essais rédigés par James Hall, Pierre Vaisse et Wolfgang Ullrich apportent une mise en contexte de ce genre, qui plus que jamais rencontre une résonance particulière dans notre société contemporaine, au temps de Facebook et d'Instagram. Près de cent cinquante peintures, dessins, gravures, photographies, sculptures et vidéos sont ici réunis, provenant de trois grandes collections européennes : les National Galleries of Scotland, à Edimbourg, la Staatliche Kunsthalle de Karlsruhe et le musée des Beaux-Arts de Lyon, qui ont conçu ce projet d'exposition en partenariat

Ayse Erkmen: Eins Zwei Drei (Un Deux Trois)

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AyÅŸe Erkmen n'est pas montée par surprise sur la scène artistique mondiale, mais avec des actes pleins de violence conceptuelle. L'artiste, qui a reçu une formation de sculpteur classique au début des années 1970 à Istanbul où elle vit, ainsi qu'à Berlin, a fait sensation dans le monde entier, notamment avec un vol en hélicoptère autour de la cathédrale de Münster dans le cadre des SkulpturProjekte en 1997 – l'appareil traînait une sculpture ­endommagée pendant la Guerre – ou 20 ans plus tard avec l'Å“uvre « On Water », également créée pour les SkulpturProjekte, qui permettait aux visiteurs de marcher sur l'eau du port de Münster. ­L'opposition entre Occident et Orient n'est cependant guère pertinente artistiquement à ses yeux, puisqu'elle cherche « ce que le lieu et la situation exigent d'(elle) » et porte donc surtout attention aux qualités spécifiques du lieu dans ses actions, installations et interventions.

B Ot Bo Tbo T

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Andreas Karl Schulze ist Maler, doch seine Werke sind nicht Malerei im traditionellen Verständnis. Unmerklichaber ziehen sie Teile ihrer Essenz aus ihr. In ihnen erscheinen klare Farben in der Form kleiner, immer gleichgroßer Quadrate, die an den Wänden der Ausstellungsräume aufgebracht werden. Ihr Muster ist dabei unregelmäßig,intuitiv gesteuert und stützt sich auf die konkrete Anschauung innerhalb eines längeren Schaffensprozesses. So entsteht aus Ordnung Bewegung, und die Leere und Weite des Raumes wird zum Grund einer Neuschöp -fung. Bezüglich Wahrnehmung und Reduktion zeigt Andreas Karl Schulze sich als ein idealer Gesprächspartner für Josef Albers und dessen Huldigung an das Quadrat. Die Wandarbeiten werden flankiert von skulpturalen Arbeiten ? Farbmodule, die auf Sperrholztafeln aufgebracht sind und sich frei stehend im Raum befinden. Der Katalog dokumentiert die Ausstellung und führt mit einem Interview, das Heinz Liesbrock mit Andreas Karl Schulze geführt hat, ins Zentrum des Werks.

Barthélémy Toguo : Faith Can Move Mountains

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Barthélémy Toguo (*1967) pose dans sa pratique artistique des questions d’une actualité brûlante sur l’identité et l’appartenance à la société en prenant pour thème la migration, la fuite, l’expulsion et toutes les restrictions issues des frontières territoriales et des politiques souverainistes. Avec en toile de fond sa double nationalité franco-camerounaise, il adopte une attitude explicitement anti-eurocentrique. Son attention se tourne vers les causes des rejets écologiques et leurs conséquences pour la société. Les mots-clés dans ce contexte sont notamment : pénurie d’eau potable et industrielle, dérapages de l’agriculture, effets du changement climatique, corruption, guerre, absence de perspectives de développement écono­mique, etc. il associe l’humain et la nature dans ses travaux, qu’il s’agisse de peinture, dessin, sculpture, performances ou installation : « ce qui me guide, c’est une esthétique au développement ininterrompu, mais aussi un sens de l’éthique qui fait une différence et structure mon approche toute entière. » Le livre présente des oeuvres spécialement créées pour l’expo­sition d’Esslingen, des remakes et des installations adaptées – livre et exposition proposent également un bref aperçu rétrospectif de l’oeuvre de l’artiste.

Bastian Hoffmann : Radical Negation

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Guidée par un langage formel dadaïste, cinétique ou conceptuel, l’oeuvre de l’artiste de Cologne Bastian Hoffmann (*1983) joue un jeu ambivalent avec le quotidien, entre murs animés d’une vie et d’une dynamique propres et flaques dont la nature prétendument incidente est en fait soumise à un plan cohérent. La dissolution des rapports d’exploi- tation connus du quotidien est omniprésente dans son travail, chacune des oeuvres s’éloignant des positions d’attente fixées pour laisser s’imposer une source d’inspiration artistique à tendance partiellement joueuse et humoristique. Bastian Hoffmann remet en question le matérialisme général des objets qu’il met en scène, mais il montre aussi, et bien plus, que cette matérialité est construite, tout comme l’est une contextualisation en apparence normale des objets, par la manipulation de ces mêmes objets et le rapport à eux. Ou encore, selon les mots de l’artiste : « j’utilise la liberté d’occulter dans le processus créatif la raison d’être et la productivité d’un fait ou de contourner les compromis. Les pierres, les voitures et les flaques ont ainsi la possibilité de devenir objets de l’ana- lyse et de la réflexion, et plus encore, de toute aspiration à la productivité, à l’efficacité et à la rentabilité. Les tra- vaux définitifs sont les produits de cette recherche expéri- mentale des formes de possibilité inconnues d’un objet ou d’une pensée. » Il est notamment en train d’écraser, à la main et avec les moyens les plus simples, une Porsche Cayenne pour la transformer en pigment qui donnera naissance à une peinture utilisable, qui elle-même formera le fond de tableaux grand format.

Benjamin Katz : Découvertes

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Benjamin Katz, né en 1939 de parents juifs allemands à Anvers, doit sa célébrité à ses portraits pénétrants d’artistes, tels Georg Baselitz, Jörg Immendorff, Josef Beuys, James Lee Byars, Sigmar Polke ou Gerhard Richter. Pas une exposition de ces grands de la peinture allemande – auxquels Benjamin Katz est parfois lié depuis des années – qui ne se passe de ses portraits subtilement raffinés. Mais ses archives d’une carrière photographique de plus de 60 ans aux plus d’un demi-million de négatifs recèlent encore bien des surprises : notamment, outre des séries de photos conceptuelles, des observations du quotidien – paysages, traces du déclin industriel, détails architecturaux, trouvailles de poésie ordinaire ou encore moments d’absurde. Les clichés regorgent d’histoires non-dites, font appel à des associations hétéroclites, laissent en permanence transparaître l’esprit complexe de l’artiste. On ne peut que suivre avec admiration les résultats de cette création.

Benjamin Katz: Fleurs

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Dans la vie d'un bouquet de fleurs, il y a parfois un photographe. Et dans la vie d'un photographe, il y a parfois des fleurs. C'est ce qui est arrivé à Benjamin Katz et peut-être que ça ne devait arriver qu'à lui. Il a fait des portraits d'artistes toute sa vie. Des milliers de portraits, pas des milliers d'artistes mais quand même quelques dizaines. Inutile de rappeler tous leurs noms. Plus nombreux en tout cas qu'on ne pourrait le penser. Il les découvrait avant tout le monde. Après toutes ces années à être là, après toutes ces oeuvres qu'il a fait voir, qu'il a été parfois le premier à voir, le premier à avoir, le premier à faire voir, maintenant, il sort de chez lui, disons le matin, quand c'est le jour d'acheter un bouquet de fleurs au marché. Ce bouquet du jour, facile à trouver, il le monte chez lui dans ses étages, l'installe dans un vase, le fait poser dans son univers à la même place, sur le four de la cuisinière et il prend une photo.

Bertram Hasenauer

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Au coeur de l’oeuvre de Bertram Hasenauer se trouve le portrait, ou le personnage, même si, placé devant des fonds monochromes blancs ou sombres, il ne constitue pas en premier lieu une représentation (naturaliste), mais tente de transmettre l’idée du portrait en tant que tel. Bertram Hasenauer nous offre ainsi une vue extrêmement différenciée des différents personnages jeunes, qui souligne ce qui reste, les dépouillant de toute spontanéité et de tout dynamisme, de sorte qu’ils paraissent androgynes et semblent flotter dans l’espace. La critique d’art recourt, au vu de l’éloignement de la réalité en apparence presque métaphysique dans lequel les personnages semblent poussés, au concept de réalisme magique que l’artiste aurait élargi autour d’une spirale de l’énigmatique. Bertram Hasenauer base son travail sur des images tirées de journaux et de magazines. Il applique ses couleurs comme un film très fin sur une sous-couche délicatement structurée. L’impression de mystère de ce qui, selon l’artiste, « semble être un portrait, s’avère être l’idée d’un personnage éventuellement peint ; ce qui semble être l’image d’un personnage humain, disparaît immédiatement dans les sphères vagues du souvenir d’un personnage. »

Big Orchestra

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GRAND ORCHESTRE L'art contemporain possède un son qui lui est propre. Des instruments de musique, qui sont en même temps des sculptures, représentent une évolution récente encore relativement peu connue de l'art contemporain. Cette publication qui accompagne une exposition collective internationale présente toutes les oeuvres d'art qui remplissent aussi les fonctions d'instruments de musique. Le jeu avec les instruments-sculptures est au coeur de la présentation en mutation permanente qui transformera temporairement la Schirn en salle de concert dans laquelle les oeuvres seront mises en activité et en musique. Le point de départ est une conception élargie de l'art et de la musique, telle qu'on la connaît du mouvement Fluxus depuis les années 1960 : des happenings ou des actions diverses ont alors été conçus comme des « concerts », structurés à l'image de compositions, associant différents médias et matériaux.

Bill Viola

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Dans le cadre de la commémoration de la Réforme en 2017, les Deichtorhallen de Hambourg présentent une exposition de grande envergure de l'artiste médiatique américain Bill Viola (*1951 à New York) avec 13 des installations vidéo qu'il a créées depuis 1992. Son travail tourne autour des thèmes centraux de l'existence humaine - naissance, émotion, spiritualité, amour et mort. L'artiste s'intéresse surtout aux traditions mystiques en général, du christianisme au bouddhisme zen et à l'islam. L'esthétique des images s'y appuie parfois fortement en ultra slow motion à l'iconographie du Moyen-Âge ou de la Renaissance - ces tableaux uniques en leur genre transmettent avec une puissance prodigieuse couplée à une exigence extrême de forme l'expérience du sublime et du spirituel avec les moyens que propose le langage des images du 21e siècle globalisé.

Bill Viola In Dialogue – Selected Writings and Lecutres

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Le Musée d’art moderne de Salzbourg consacre à l’artiste américain créateur de vidéos et d’installations Bill Viola une grande exposition de l’ensemble de son oeuvre - qui s’étend désormais sur plus de cinquante ans. Bill Viola passe dans le monde entier pour un pionnier de l’art vidéo et médiatique. Le livre qui accompagne l’exposition, « Bill Viola en dialogue. Choix de textes et de conférences », contient, en plus des écrits centraux de Bill Viola lui-même (parmi lesquels : Le Porc-épic et la voiture, 1981 ; Vue sans représentation, 1982 ; le Son d’une ligne de balayage, 1984 ; Le Corps endormi, 1992 ; Présence et absence, 2007), des textes originaux de John Cage, Peter Campus, Hollis Frampton, David Tudor et Peter Sellars. Il peut donc être très utile pour comprendre l’oeuvre de Bill Viola. Car ses travaux, dont certains, immersifs, occupent tout l’espace, séduisent visuellement mais sont aussi extrêmement rationnels et profondément intuitifs. Bill Viola consacre toute son attention aux interactions spécifiques qui se produisent entre ses images et les spectateurs. À ses yeux, son oeuvre ne se déploie pas sur le seul écran vidéo, mais aussi et surtout dans les têtes de ceux qui y ont assisté.

Biomorphe ! Hans Arp In A Dialogue With Current Artist Positions

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Birgit Werres

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Birgit Werres peut faire de la magie. Elle parvient à transformer un simple fil de fer courbe en une pièce entière, ou à assembler un écheveau de sangles formant un ensemble dynamique et complexe de formes, couleurs et textures en un filet de coton. Ludiques et rigoureux, ses travaux ­déploient une dynamique dans l’espace, que l’abondance de mouvements du baroque pourrait aussi bien décrire qu’une décision minimaliste de renoncer à tout superflu qui se fie aux possibilités du matériau. L’artiste parcourt depuis les années 1990 les rues, les chantiers, les friches industrielles, les usines et les installations de production en quête de matériaux pour ses sculptures et objets muraux. Ces lieux étaient encore autrefois un paradis pour se ­fournir en matériaux. C’est un recyclage d’un tout autre genre qu’elle pratique : les métaux, plastiques, conteneurs, fils de fer et « choses » indéfinissables trouvent tous leur place dans son travail à l’atelier.

Birgit Werres : samples for pieces - maybe

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L'oeuvre de Birgit Werres (*1962) est dominée par les objets industriels préfabriqués, qui entrent dans des combinaisons hétérogènes lorsque l'artiste y ajoute des éléments qu'elle a fabriqués elle-même. Birgit Werres trouve ses matériaux dans les aires de stockage et les sites de production de l'industrie dont elle est une invitée permanente. Elle y découvre des objets qui éveillent son intérêt esthétique. Un rôle exceptionnel est alors souvent dévolu à la coloration propre à valeur de signal des matériaux utilisés. Pour ses sculptures et installations non conventionnelles, elle se réfère et fait volontiers appel à des collages de Robert Smithson, Barry Le Va, Richard Artschwager à Richard Serra.

Black Album White Cube

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Que se passe-t-il lorsque des musiciens reprennent des idées de la scène artistique ? Et quelles peintures, sculptures et vidéos voit-on naître lorsque des artistes plasticiens se permettent d’être influencés par la musique ? Tel est le fil rouge de livre « Black Album / White Cube – Un voyage à travers l’art et la musique » dont le commissaire est Max Dax, ancien rédacteur en chef du ­magazine Spex. Le livre traite de classiques modernes, parmi lesquels la couverture conçue par Peter Saville de l’album « Unknown Pleasures » de Joy Division, la peinture « Autobahn » d’Emil Schult pour Kraftwerk ou l’installation vidéo apocalyptique APEX d’Arthur Jafa qui re-écrit l’histoire de la pop, et jusqu’au rythme des pulsations d’une piste de techno de Detroit par Robert Hood. Les influences réciproques entre la musique et l’art sautent aux yeux lorsqu’Albert Oehlen évoque Scooter et les Euromasters de Rotterdam dans ses peintures.

Body Check

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BODY CHECK présente deux grandes personnalités artistiques de la fin du 20ème siècle qui, à l'ère de l'abstraction picturale et des débuts du « politiquement correct », ont fait avancer le travail artistique avec le corps, et surtout son propre corps, au centre de leur peinture. Dans BODY CHECK, des images de corps de deux décennies des deux artistes d'exception sont placées en vis-à-vis. L'exposition, qui ne peut être vue qu'à Bolzano, et le livre ne se contentent pas de jeter un regard entièrement neuf sur le travail des deux artistes, mais dévoilent des visions des rôles dévolus à chaque sexe ancrées dans l'art international de la fin du 20ème siècle.

Boris Becker. Bunker 1984-1989

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À la fois livre d'artistes et archive, cette publication introduit un sujet important et émouvant de l'histoire allemande. On y voit les types les plus divers de bunkers en hauteur, construits notamment entre 1940 et 1944, pendant la Seconde Guerre mondiale, et vus entre 1984 et 1989 par l'artiste et photographe Boris Becker. Lorsqu'il débute son projet documentaire, la Guerre froide est presque terminée et les constructions en béton sont peu à peu libérées de l'exigence de protection civile. Plus encore qu'avant, elles font l'effet de corps étrangers et de monstres inquiétants dans le paysage urbain. Leur fonction semble alors controversée et aucun esprit rationnel et sensé ne veut plus rien avoir à faire avec l'idéologie meurtrière dont ils évoquent le souvenir et qui les a fait sortir de terre. Boris Becker a photographié près de 700 bunkers dans plus de 40 villes d'Allemagne de l'Ouest. Ce recueil donne un aperçu exemplaire du sujet élaboré dans le cercle de l'école de Becher.

Californication

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De loin, les motifs de l'artiste germano-polonaise Magdalena Kita qu'elle imprime sur des draps de bain rappellent les travaux obsessionnels de Dorothy Iannone. Magdalena Kita va cependant plus loin avec ses motifs hauts en couleurs autant qu'érotiques. Dans sa première publication présentée ici « Californication», elle rassemble un nombre considérable de draps de bains différents avec lesquels elle poursuit le programme imagé naïf et voluptueux d'un fémi -nisme libertaire, ainsi qu'une documentation sur les nombreuses performances publiques et spots télévisés qu'elle a produits elle-même.

Candice Breitz: Labour

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Au centre du travail artistique de Candice Breitz figure la réflexion sur l'influence qu'exercent la famille, la société ou des communautés formées sur la base de certaines appartenances telles que race, sexe, nationalité ou religion et sur l'importance des médias qui donnent naissance à de nouveaux groupes et alliances. Le Kunstmuseum de Bonn consacre une exposition solo complète à l'artiste d'origine sud-africaine qui vit à Berlin Candice Breitz (*1972 à Johannesburg) avec des installations vidéo et des photographies des 25 dernières années. Les problématiques féministes en sont au coeur. La présentation à Bonn va de travaux anciens comme Ghost Series (1994), une série de photos prises au moment de la transformation politique de l'Afrique du Sud qui reflètent la violence persistante du régime sous l'apartheid. Quant à la dernière oeuvre qui donne son nom à l'exposition, Labour (fr. : travail, main d'oeuvre, contractions de l'accouchement), Breitz l'a réalisée en filmant des naissances.

Carl Ostendarp

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Ken Johnson écrivait en 2014 dans le New York Times à propos des travaux de Carl Ostendarp qu'ils font l'effet d'un rot dans une église pendant la messe. Cette constatation admirative est due à l'habileté « oxymoronologique » de l'artiste à concilier l'inconciliable : onomatopées sonores de la bande dessinée et champ coloré cool ou peinture hard-edge. L'arrière-plan de la peinture véritablement divertissante de Carl Ostendarp est son intérêt pour le graphisme, qu'il partage avec de nombreux artistes de sa génération. Carl Ostendarp s'apprête aujourd'hui à sa première exposition individuelle de grande envergure au Kunstverein de Heilbronn, en Allemagne - après les expositions en cabinet de 2011 au musée Ludwig de Cologne et de 2007 au MMK de Francfort/M.

Caroline von Grone : Live Übertragung

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« Lorsque je parcours le musée, je reconnais tout de suite les tableaux qui ont été réalisés d’après un modèle, et ceux dont ce n’est pas le cas ! » – Caroline von Grone a un oeil perçant et infaillible pour les contextes et les portraits. En 1991, elle a suivi les cours de maître de Klaus Rinke à la Kunstakademie de Düsseldorf et, ce qui est totalement atypique pour l’époque, elle s’est lancée dans le portrait, celui de modèles qu’elle abordait, par exemple, dans le métro ou de personnes qui le lui commandaient. L’une de ses forces est de « ne pas inventer » ses observations. Cela suppose une acuité visuelle qui procure un immense plaisir aux observateurs. En effet, ses tableaux dévoilent ainsi parfois aussi l’image dans l’image, sous la forme notamment de murs carrelés aux motifs abstraits, de sols dallés et de l’intérieur d’espaces publics comme des cabines téléphoniques ou distributeurs automatiques de billets de train. Elle a aussi peint à de multiples reprises des maisons, notamment celles de lotissements du Nord de l’Allemagne avant leur démolition. Ce sont ces situations finales qui l’intéressent – à l’antithèse de la photographie, par exemple celles des Becher. Sa pratique a toujours inclus celle de la peinture en public, sans laquelle elle serait incapable de « capter la présence de nature morte dans un tableau si j’essayais de le peindre d’après une photo ».

Cecily Brown : The Spell

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Daniel Kehlmann, le plus grand auteur allemand à succès des années 2000 avec son roman « Les Arpenteurs du monde » (2006), écrit dans cet élégant petit livre à propos des derniers tableaux de Cecily Brown : « On peut aussi le dire plus sobrement : l’art de Cecily Brown montre à quel point l’opposition apparente entre objet et abstraction est superficielle et inintéressante. Car le constructivisme a raison sur un point : nous assemblons nous-mêmes, selon nos règles personnelles pas spécialement fiables, à partir d’un fouillis d’impressions un modèle mobile et fragile. En effet, nous ne nous contentons pas d’observer notre entourage, nous nous déplaçons à ­travers, ce qui fait s’effondrer en permanence notre monde extérieur, avant de s’ordonner de nouveau et d’une manière toujours différente, et seul le travail permanent de notre ­conscience nous donne l’apparence de la constance. Cecily Brown ne distancie pas le monde, elle le peint tel qu’il est réellement, un jeu de couleur et d’ombre. »

Ceremonially Infused

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Cher Ami... Votre Marcel Proust. Marcel Proust Et Sa Correspondance

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Christa Dichgans : Nature pas morte

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Jouets de plastique entassés dans la chambre d'enfants, Batman, montagnes de saucisse - tels sont les motifs qui caractérisent les peintures de Christa Dichgans (1940*). L'artiste, qui doit sa notoriété à ses premières ?uvres des années 1960, a récemment attiré l'attention dans différentes expositions collectives et compte incontestablement parmi les principales protagonistes du pop-art. Depuis cinquante ans, elle maltraite le rapport entre homme et objet avec en toile de fond un questionnement de la consommation de masse : au lieu de qualité, des affectations immatérielles de plus en plus nombreuses sont passées au premier plan, orientées vers la portée symbolique des objets et la connaissance de la marque qu'ont les consommateurs. Aujourd'hui, les motifs de Christa Dichgans rappellent les tableaux de vanités qui renvoient à la demi-vie raccourcie d'une culture accélérée.

Christa Dichgans: Robert

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Christa Dichgans a vécu dans un monde d’hommes, mariée une première fois à Karl Horst Hödicke, suivi en 1972 par le célèbre galeriste Rudolf Springer. Elle était l’amie de Markus Lüpertz et d’A. R. Penck et elle a assisté Georg Baselitz dans les années 1980 lorsqu’il était professeur à l’université des arts de Berlin. Les princes des peintres allemands (deutsche Malerfürsten), ainsi qu’on les appellera plus tard, qui se verront promus individualistes parmi les plus remarquables au cours de leur carrière artistique et qui enseigneront l’expression figurée à la jeune génération des Jeunes fauves, ont eux aussi été des interlocuteurs incontournables pour Christa Dichgans. Elle a décrit sa position comme suit : « Dans les années soixante, aucun homme ne voyait en moi une menace. Ils trouvaient que j’étais jolie, je leur donnais la chair de poule, ils ne prenaient pas mon art très au sérieux. » La formule imagée qu’elle met au point dès la première moitié des années 1960 au coeur de ses oeuvres précoces n’a pourtant rien à envier aux représentants du réalisme capitaliste – Sigmar Polke, Gerhard Richter, Konrad Lueg et Manfred Kuttner.

Christian Retschlag : prix Sprengel 2023

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Avec Christian Ratschlag, son lauréat 2023, le PRIX SPRENGEL poursuit sans dévier dans la nouvelle direction engagée en 2021. Lancé par Bernhard et Margrit Sprengel en 1979, la responsabilité en a été transférée à la fondation de la caisse d’épargne de Basse-Saxe Niedersächsische Sparkassenstiftung en 1991 et il est géré et attribué conjointement par la Niedersächsische Sparkassenstiftung et le ministère de la science et de la culture (MWK) de Basse-Saxe depuis 2021. Le changement d’orientation est lié à une forte augmentation de la dotation financière, mais aussi et surtout à la bourse de voyage en Europe qui est désormais associée au prix, avec une exposition au musée Sprengel de Hanovre et la publication d’un catalogue. L’intention derrière l’attribution, justifiée par la longue et riche histoire des échanges culturels entre les peuples, de la bourse de voyage qui fait partie intégrante du concept de prix et d’exposition est l’ancrage de la Basse-Saxe dans l’Europe et de son idée spécifique d’un ordre social libéral-démocratique.

Christopher Muller : easy tools

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Christopher Muller, titulaire d’une chaire de photographie artistique à l’université Folkwang depuis 2009, est depuis le milieu/ la fin des années 1990 l’un des représentants les plus singuliers de la scène photographique rhénane. Après avoir remporté des prix artistiques, notamment celui du Kunstfonds de Bonn en 1995 ou de la fondation Krupp von Bohlen und Halbach en 2004, l’artiste qui a grandi à Londres, formé au Camberwell College of Arts & Craft, à la Slade School of Fine Art de Londres et pour finir à la Kunstakademie de Düsseldorf, y a trouvé sa place. Son approche toujours originale l’y a aidé, qui le différencie de ses collègues. Issu de la nature morte, ses photographies d’objets évoquant des séries ont aussi fait sensation dans les années 1990. Ses collages photographiques récents et les aquarelles dont la place dans son oeuvre grandit à vue d’oeil ont pour sujet le rapport des choses les unes aux autres, en même temps que notre vue sur elles. Les tableaux mettent en évidence la trame complexe de sentiments, préférences et aversions dans laquelle les observateurs sont enchevêtrés et qui sont également déterminés par leurs attentes et leurs actes au quotidien.

Counter Culture

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Pour le 25ème anniversaire de la Collection Falckenberg, les Deichtorhallen Hamburg/Collection Falckenberg présentent une exposition d'envergure centrée sur les installations et les sculptures de la collection. Une centaines d'œuvres pourront y être vues de plus de 60 artistes à la renommée internationale, dont certaines ont déjà fait l'objet de prêts au Centre Pompidou, au PS1, au Walker Art Center, à la Tate Modern, au MoMA de New York, au MOCA de Los Angeles ou aux biennales de Venise et de Shanghai. Pour la première fois, ces œuvres seront réunies dans une grande rétrospective à la collection Falckenberg de Hamburg-Harburg. Certaines n'ont encore jamais été exposées dans les Phoenix Hallen de Harburg. Enfin, les installations de Jonathan Meese, Thomas Hirschhorn et John Bock, qui occupent en permanence les salles de la collection, font elles aussi partie intégrante de l'exposition.

Cuny Janssen : Whatever Works

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Il y a vingt ans, j’ai commencé à photographier des enfants dans le monde entier. Mon premier voyage m’a menée dans le Sud de l’Inde. J’ai d’abord vécu dans un centre pour femmes tenu par l’église dans la ville de Chennai. Pendant six mois, j’y ai fait des photos et réalisé des entretiens avec ses habitantes et les membres des familles qui m’avaient accueillie. Je n’étais pas la seule à me poser de nombreuses questions, elles en avaient elles aussi. Outre celle des enfants, il s’agissait toujours d’amour. « C’est vrai qu’il n’y a pas de mariages arrangés dans votre pays ? » m’ont ainsi demandé bon nombre d’entre elles avec surprise, car j’ai surtout parlé à des femmes jeunes qui, comme moi, n’étaient pas encore mariées. Et lorsqu’à mon tour je leur ai demandé ce qu’elles pensaient d’épouser un inconnu, elles ont souvent répondu : « Je suis prête, qu’il vienne. Lorsque le verre est vide, nous le remplissons, lorsqu’il est sale, nous le nettoyons. »

Dag Erik Elgin. Mirror Falling from the Wall

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Dans sa série « Originals », Dag Erik Elgin se consacre depuis 1986, en tant que peintre de la re-création, à son propre canon, certes subjectif, mais pas pour autant inhabituel, de la peinture moderne. Il reproduit dans ses travaux les oeuvres sélectionnées, toutes issues du modernisme ou du modernisme classique, sans viser l'authenticité maximale à la manière copiste d'un faussaire. Les toiles ainsi créées représentent un cas limite entre appropriation complète et réplique d'étude, en elles Dag Erik Elgin revit en tant que peintre le processus de création des véritables oeuvres originales, telle une reconstitution, en même tems qu'il génère à partir d'elles une réflexion intellectuelle sur les concepts si sensibles d'original et de falsification, de peinture de sa main et de peinture copiée de sa main.

Dagmar Varady : Expanded Studio

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Après la Deuxième Guerre mondiale, le cube blanc/ White Cube a obtenu un statut de convention esthétique. L’atelier de Dagmar Varady que présente magistralement ce livre donne par contraste l’impression de se trouver à la fois dans un lieu de production d’art et dans un « espace d’exposition ». Les travaux de l’artiste ne doivent pas y être considérés comme des oeuvres terminées ou des tableaux, ils sont « en mouvement permanent », ainsi qu’elle le souligne. Un système ordonné (de connaissances) personnel naîtrait ainsi en studio dans le contexte artistique, tels des « principes du chaos », avec aussi l’intervention du hasard commandé (sérendipité) qu’on retrouve facilement dans les structures, les plis et les tracés de sa série de tableaux « Bleu brillant ». Avec toutes les ruptures, divergences, intuitions, exceptions et ambiguïtés qui apparaissent dans son art, Dagmar Varady a emprunté la « voie de la non-intentionnalité » (Ernst Bloch) – une absence d’intention qui encourage le processuel dans l’art, mais qui serait elle aussi impossible sans un lieu de production pérenne, l’Atelier. C’est ainsi que les motifs y serpentent de tableau en tableau selon un processus de production indéfini, dialoguent les uns avec les autres et se transforment en variations protéiformes toujours nouvelles. En ce sens, l’atelier de Dagmar Varady n’est pas un simple espace de travail mais, selon le terme de l’artiste elle-même, le « nombril qui la relie au monde » et en tant que tel un laboratoire dans lequel des processus intrinsèques contribuent pour une part essentielle à déterminer la posture artistique et la programmatique.

Dana Schutz : The Gardener

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LE JARDINIER : Dana Schutz a peint une nouvelle série de tableaux en 2021, exposée à la fin de l’année à la CFA de Berlin sous le titre « The Gardener » (« Le Jardinier »). Après le cahier aujourd’hui épuisé « Waiting for the Barbarians » (« En attendant les barbares ») dans lequel figurait le tableau objet de violentes attaques « Open Casket » (« Cercueil ouvert »), qui avait donné lieu à de fortes protestations de militants en 2017 pendant la biennale du Whitney, l’artiste présente aujourd’hui un nouveau style de peinture. Elle exagère l’expressivité de ses toiles au moyen de contours faits d’un épais trait noir. Si la nature au contenu destructeur de ses tableaux de 2016 effrayait sous une forme qu’on pouvait presque qualifier de stérile du fait de la palette de couleurs curieusement joyeuse et presque « solaire » qu’elle utilisait pour des situations et des sujets funestes, les nouvelles toiles, de même qu’une série de sculptures, paraissent dures et menaçantes. Pour reprendre les mots de Dana Žaja dans le texte qui les accompagne et qui mérite d’être lu : « Dans l’univers pictural de Schutz, les activités les plus profanes reposent sur un élément sombre, du fait notamment que toute forme de travail semble constituer un acte de révolte contre notre lamentable monde. Adaptation et résistance s’y donnent la main. »

Dark Matter

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Thomas Ruff (*1958) et James Welling (*1951) comptent parmi les artistes photographes les plus connus aujourd’hui. Leurs oeuvres explorent les conditions de la perception visuelle, et ce également en ce qui concerne l’emploi que nous faisons de l’appareillage photographique et la manière dont les photographies conditionnent notre vision du monde. L’exposition « Dunkle Materie/Dark Matter. Thomas Ruff & James Welling » (« Matière noire ») et le catalogue du même nom qui l’accompagne sont centrés sur des travaux qui arrachent véritablement de nouvelles possibilités à l’image photographique et élargissent notre capacité imaginative. Notre perception de notre environnement est subjective, nous le voyons et le ressentons sur le fond de ce que nous saisissons et comprenons des traditions visuelles et écrites. Près de quatre-vingt pour cent de la matière qui compose l’univers est fait de quelque chose que nous ne connaissons pas : la matière noire. En va-t-il de même avec la photographie ? L’image photographique cache-t-elle plus qu’elle ne montre ?

David Czupryn : He She It

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David Czupryn (* 1983) a fait ses études à Düsseldorf. C'est un maître du trompe l'oeil, cet art séculaire de l'illusion auquel son travail permet un retour inattendu. Au pinceau et à la peinture, il crée des imitations de surfaces, niant pour ainsi dire par provocation signature et geste. Les tableaux - David Czupryn travaille avec des contraste harmoniques forts et applique des couleurs translucides - apparaissent parfaitement homogènes, ils ne sont pas photo réalistes mais donnent l'illusion du tridimensionnel. En plus des membres étendus, des symétries brisées, des objets chutant, flottant, reliés, croisés, ouverts et transparents attirent l'attention - pour ainsi dire des images dans l'image, mais aussi des éléments rapportés qui se jouent les uns des autres. On ne sera pas surpris d'apprendre que le peintre apprécie les Surréalistes, mais signale aussi une certaine préférence pour Alfred Kubin.

David Renggli: Work, Life, Balance

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WORK, LIFE, BALANCE, cette monographie de l'œuvre de David Renggli est consacrée à son travail artistique de 2006 à aujourd'hui — sans prétendre à l'exhaustivité d'un catalogue, mais en respectant l'hétérogénéité qui marque l'œuvre de l'artiste et musicien suisse. Elle en offre un aperçu large et des impressions déterminantes des apparitions de l'artiste en dandy malicieux. S'agit-il seulement d'odes à l'hédonisme ? Pas le moins du monde ! David Renggli éveille dans son œuvre les clichés du désir et les représentations de la passion les plus divers avant de les confronter tout en finesse avec leurs débordements. Il ironise avec force clignements d'yeux sur les idéaux et le culte de la beauté, sans reculer devant les obstacles de l'auto-optimisation et du narcissisme. En tant que néo-dadaïste, David Renggli s'adonne toujours entièrement au jeu libre de l'art — et de la musique — : « mon instrument préféré ? Le tambour à timbre. »

Detlef Orlopp : partout nos traits éclatent

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Detlef Orlopp (*1937) a débuté en 1955 son apprentissage de photographe et aujourd’hui, 70 ans plus tard, l’artiste a derrière lui une oeuvre éclatante. Jusque 1973, il a aussi été professeur à l’école d’arts appliqués (Werkkunstschule) de Krefeld. En 2015, le musée Folkwang d’Essen lui achète une part importante de ses archives. Entièrement voué à la photographie analogique en noir et blanc, l’artiste « peint » avec la lumière, la structure, la ligne et l’ombrage dans le champ thématique des paysages et des portraits. Il choisit des détails de la surface de la terre dont il dissimule l’origine matérielle et réduit l’immensité à la perspective en profondeur de la surface. La comparaison insuffisante de grandeurs donne naissance à un ordre nouveau de l’image que le degré d’abstraction affranchit au niveau des formes. Les détails de paysages de Detlef Orlopp ne sont ancrés ni dans le temps ni dans l’espace, ce sont des abstractions reconverties en éléments imagés structurels. Ils ancrent l’artiste dans l’art moderne du 20e siècle. Le tachisme de Wol, la structure « all-over » des drippings de Jackson Pollock, la gestuelle d’un Hans Hartung dont il a notamment vu le travail à Documenta 2 ont prescrit la ligne et la structure de ses images photographiques qui font souvent l’effet de traits de pinceau. Le cahier grand format « Partout nos traits éclatent » (Überall splittern unsere Gesichtszüge) paru à l’occasion de l’exposition montre pour la première fois des travaux de la série des glaciers.

Dix and the present

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Avec ce catalogue, les Deichtorhallen de Hambourg présentent une grande exposition sur Otto Dix et son influence sur l’art jusqu’à aujourd’hui, qui aura lieu à l’automne 2023. L’exposition compte deux parties, dont la première est consacrée à l’oeuvre supposée apolitique de Dix à l’époque nazie et met en évidence les retombées artistiques de la censure politique, de la conformité, de l’opposition et de l’iconographie politique. En effet, le travail d’Otto Dix sous le national-socialisme n’a jusqu’à présent joué qu’un rôle secondaire dans les expositions et la recherche. Aussi, pour appréhender les paysages, portraits et sujets chrétiens de Dix dans le contexte de son époque, l’ouvrage place le peintre, son oeuvre et son parcours dans le cadre artistique et politique de la République de Weimar, du national-socialisme et de l’immédiat après-guerre. La deuxième partie de l’exposition et du livre est centrée sur la réception d’Otto Dix en ce qui concerne les sujets, l’iconographie politique, la style, la technique et le genre. Il s’agit, d’une part, de montrer les changements culturels et sociaux qui se font jour dans la réception de son oeuvre et, d’autre part, l’immense fascination qu’elle exerce sur une quarantaine d’artistes contemporains parmi les plus connus au monde, entre appropriation et réinterprétation, provocation et stimulation. Les artistes sélectionnés comptent notamment Yael Bartana, Monica Bonvicini, Marc Brandenburg, John Currin, Alice Neel, Nicolas Party, Cindy Sherman, Katharina Sieverding ou Kara Walker.

Dóra Maurer: See like this and see differently (Vois comme ça et vois différemment)

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Dóra Maurer (*1937, vit à Budapest) passe pour l’une des ­représentantes les plus éminentes de la néo-avant-garde. En tant que telle, elle fait partie des artistes qui ont cheminé sur des voies progressives en-deçà de la politique culturelle ­étatique en Hongrie depuis les années 1960. Ses travaux, ­composés de graphismes, photographies, films, actionnisme et peinture, révèlent des approches conceptuelles claires dont les aspects centraux sont cependant la perception, le mouvement, le décalage et la transformation. L’abstraction, notamment celle des premières années de la République fédérale d’Allemagne, peut ­aujourd’hui être considérée comme un « assainissement » politique, alors qu’elle incarnait une « société ouverte ». Les collections des musées allemands sont nombreuses à s’orienter en conséquence, celles de la Kunsthalle de Bielefeld aussi. Mais dans les anciens pays de l’Est comme la Hongrie, l’abstraction avait une connotation « oppositionnelle ». Avec ses oeuvres non-figuratives, opposées aux consignes officielles du réalisme socialiste, Dóra Maurer occupe une position à part, encore étayée par ses contacts et voyages à l’Ouest, que sa double nationalité hongroise et autrichienne lui permet déjà avant 1989. Ses expérimentations avec la photographie et le film dans les années 1970, comme ses travaux abstraits géométriques basés sur le décalage processuel, affichent un parallélisme en apparence formel avec l’art de l’après-guerre en Europe occidentale et aux USA. Ils sont pourtant indéniablement liés à l’expérience de la vie sous un régime communiste sans ­laquelle ils seraient inimaginables.

Duchamp As Curator

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Duchamp conservateur. Marcel Duchamp a fait de la pratique de l'exposition une composante importante de son oeuvre. Gestes et concepts de conservation qui ont déterminé la mise en scène de ses travaux et lui ont permis de s'éloigner des lois canoniques du type d'artiste ; thèmes, contributions et projets de conception pour des revues d'art ; activité de conseiller, membre de jurys et conservateur metteur en scène d'expositions dans le contexte du modernisme américain, du dada et du surréalisme ; influence décisive sur d'importantes collections privées de son époque. Il a été l'un des premiers « artistes conservateurs ».

Eberhard Havekost : U SAY LOVE

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À première vue, la discontinuité détermine le travail d'Eberhard Havekost. Avec leur sens du réalisme, certaines de ses dernières peintures des années 2017-2019 sont pour ainsi dire parfaites. Le kangourou du titre fixe le spectateur, il a l'air aveuglé par la lumière vive. Son corps est comme pétrifié, l'attitude celle qui préfigure la rigidité cadavérique. D'autres images sont abstraites, associent les traits de pinceau dynamiques et gestiques à la peinture raclée. Sur d'autres encore des couleurs telles qu'un orange éclatant, jaune citron ou rouge écarlate coulent les unes dans les autres, suggérant un nuage de fumée. Le processus pictural devient chimique lorsqu'Eberhard Havekost retire couche après couche de peinture à la térébenthine, la liquéfie donc de nouveau afin qu'elle donne l'impression de se dissoudre. L'image cependant reste plane, n'est pas qu'imagination, mais reste objet, souple et peut donc être chargée de significations différentes.

Elbphilharmonie Revisited

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« L'Elbphilharmonie revisitée »: Avec l'ouverture de l'Elbphilharmonie par les architectes Herzog & de Meuron, les Deichtor - hallen de Hambourg s'aventurent en terre inconnue : pour le projet d'exposition et de livre « L'Elbphilarmonie revisitée », des artistes de renom international ont été invités que leur rapport étroit à l'architecture semblait prédestiner à réaliser un travail artistique correspondant pendant les plusieurs mois qu'a duré la phase de test du bâtiment avant l'ouverture. Cette occasion unique a initié une large gamme de travaux, allant de la photographie aux installations à grande échelle et à la sculpture ou au film.

Emil Nolde - Cousin of the depth - avec la correspondance de Klee - Nolde

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Emil Nolde - cousin des profondeurs Le livre, dont le titre reprend une qualification due à Klee de son ami artiste Nolde est publié à l'occasion de l'exposition au Centre Paul Klee et comprend la correspondance publiée ici pour la première fois des couples Nolde et Klee. La rencontre avec l'étranger a toujours paru stimuler le travail artistique d'Emil Nolde. Dans son oeuvre, on trouve de nombreuses références au grotesque, au fantastique et à l'exotisme, une fascination qu'il partageait avec Paul Klee. Le livre présente d'une part des oeuvres de Nolde qui n'avaient suscité jusqu'à présent qu'un intérêt marginal du monde artistique, mais auxquelles l'artiste accordait une grande importance et qui méritent donc toute notre attention, publie et commente d'autre part pour la première fois la correspondance des familles Nolde et Klee. Cette étude de la communication écrite entre les deux artistes amis comble une lacune de la recherche et fait apparaît des aspects d'inspiration réciproque.

Erik Schmidt : Retraite

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À la question du rôle que joue le paradis dans son travail, Erik Schmidt répond à Adriano Sack qui l’interviewe : « la tentative de mettre en scène la vie comme un paradis est pour moi une stimulation importante. Partout où je vais, je ressens cette fascination totale, même face à une simple plage avec des palmiers. » Les oeuvres d’Erik Schmidt parviennent à intégrer les processus symboliques au sein de systèmes sociaux différents. La plongée dans des contextes étrangers est un aspect important de ses peintures, vidéos, photographies et dessins. Au coeur du paysage urbain surpeuplé de Tokyo, dans les campements du mouvement américain Occupy, avec les vignerons et cultivateurs d’olives de Cisjordanie, dans les cercles aristocratiques de chasseurs de sa Rhénanie du Nord-Westphalie natale ou sous les cimes de vigoureux palmiers – Schmidt observe et adopte à chaque fois délibérément la position de l’outsider. Cette distanciation lui donne de voir les processus dynamiques de groupes, mais lui permet aussi de déchiffrer les clichés, stéréotypes, codes, rituels, normes, motifs et conventions les plus divers. Et à la fin, les palmiers occupent une vaste série de travaux : « ils sont carrés avec la noix de coco au milieu ». Avec leur structure en relief, ces photos repeintes récentes révèlent la dynamique et le geste de l’artiste, son désir de peinture en chair, mais aussi, justement, l’arrière-plan profane d’une fête des couleurs tropicale trop belle pour être vraie, puisqu’elle n’est, on le sait, qu’un paradis artificiel.

Eva Berendes : Thoughts and Feelings

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Eva Berendes travaille avec la peinture dont elle fait un moyen d’élargir le champ de sa production. Elle l’étend notamment aux sculptures et dans l’espace public. Avec cette méthode artistique, elle interroge les moyens de la production d’images, mais elle sait aussi mener habilement leurs bases dans un dialogue entre architecture, infrastructure urbaine ou objets du quotidien. Pour cela, elle se sert, comme ici dans ce livre d’artiste, d’étoffes diverses, peintes et non-travaillées, qu’elle coupe, relie les unes aux autres en les recousant grossièrement ou en les drapant et les superposant pour les fixer avec des épingles à têtes. Ces rapprochements opérés par Eva Berendes ont déjà pu être vus à Bonn sous forme d’objets devant le Kunstmuseum lorsqu’elle a reçu le prix d’art de la ville de Bonn en 2021 et a mis en scène ses travaux dans l’espace intérieur et extérieur, notamment un fragment d’architecture ou des parties de façades. Ils ont quelque chose de fluide, alors même qu’ils sont faits de matériaux solides – mais ces derniers peuvent subir des transformations multiples et variées, jusqu’à la disparition de leur raison d’être et de ce qui leur donne forme, et alors les objets s’envolent !

Fiona Tan: With the other hand

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Cela fait plus de vingt ans que Fiona Tan occupe une place importante dans l'art contemporain, ses œuvres filmées et photographiées sont désormais indissociables de nombreuses grandes biennales et expositions internationales. Ses travaux sur le terrain âprement disputé de la représentation explorent la fonction de l'histoire et du temps, ainsi que la place qui y est dévolue à l'être humain. Sa fascination pour le caractère variable de l'identité et la nature trompeuse de ses modes de représentation y est profondément ancrée. Fiona Tan joue avec les fonctions de l'image, de la perception et du souvenir au-delà des frontières du temps et de l'espace. Les deux livres paraissent à l'occasion de la première rétrospective complète à mi carrière de l'artiste. Le catalogue de l'exposition commente des œuvres choisies des vingt dernières années, que le musée d'art moderne de Salzbourg et la Kunsthalle Krems présentent chacune en l'associant à une nouvelle œuvre.

Fiona Tan: With the other hand

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Cela fait plus de vingt ans que Fiona Tan occupe une place importante dans l'art contemporain, ses œuvres filmées et photographiées sont désormais indissociables de nombreuses grandes biennales et expositions internationales. Ses travaux sur le terrain âprement disputé de la représentation explorent la fonction de l'histoire et du temps, ainsi que la place qui y est dévolue à l'être humain. Sa fascination pour le caractère variable de l'identité et la nature trompeuse de ses modes de représentation y est profondément ancrée. Fiona Tan joue avec les fonctions de l'image, de la perception et du souvenir au-delà des frontières du temps et de l'espace. Les deux volumes de cette publication paraissent à l'occasion de la première rétrospective complète à mi carrière de l'artiste. Le recueil contient une sélection des textes les plus importants de conservateurs*trices, de critiques d'art et d'auteurs de renom du monde entier, ainsi que des textes de l'artiste elle-même.

Florian Slotwas : STUTTGART SICHTE

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Peu d'artistes savent aborder avec autant de subtilité le sujet des collections d'art que Florian Slotawa (*1972 à Rosenheim) qui a exposé notamment au P.S.1 MoMA de New York (2009)ou à la Hamburger Bahnhof de Berlin (2014). Depuis 30 ans, l'artiste qui vit à Berlin suit des stratégies performatives avec son travail de sculpture. Les Deichtorhallen de Hambourg présentent son oeuvre d'art totale sculptée STUTTGART SICHTEN, ou REVUE DE STUTTGART. Florian Slotawa y réalise avec des sculptures en guise de matériel artistique, notamment d'Auguste Rodin, Aristide Maillol, Alexander Archipenko, Julio Gonzales, Henry Moore, Richard Serra ou Walter de Maria ? pour n'en citer que quelques-uns ? une mise en scène totale et une vue d'ensemble mémorable de l'évolution de la sculpture. Le volume qui paraît à cette occasion est un aperçu parfaitement réussi de cette expérience remarquable mis au point conjointement avec l'artiste.

Florin Kompatscher : Tint

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Les lignes et formations qui paraissent tracées spontanément et au hasard dans les tableaux de Florin Kompatscher rappellent parfois des constellations aériennes de cases de bandes dessi- nées qui se répondent. Il a récemment poussé le procédé à l’extrême et a développé le lien de ses travaux entre eux en une construction perceptible dans l’espace car praticable dans le monde des signes – du panneau et de la peinture murale aux lignes sculpturales.

Flurin Bisig: Unformed Desire (Désir informe)

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L’approche artistique de Flurin Bisig est celle de quelqu’un qui cherche. Avec une ouverture impressionnante, il fait face à l’aventure qui débute avec un crayon sur du papier, se manifeste ensuite dans des bricolages avec des matériaux d’atelier et prend aussi forme dans le bois, la tôle, et même le marbre. En même temps, des moments sculpturaux pleins d’intérêt s’ouvrent aux regards baladeurs des observateurs attentifs au voisinage de l’artiste. Ils font écho à son travail, tout en lui donnant de nouvelles impulsions. La coexistence de ces activités mène chez Flurin Bisig beaucoup plus loin que la simple différenciation des possibilités de la sculpture. Dès le départ, il n’a pas vu son travail sous un angle moderniste comme la poursuite de l’écriture d’un discours artistique, mais comme une réaction et une concentration d’un milieu de vie – ce qui explique qu’il préfère mettre ses oeuvres sur le même pied qu’un album rock historique, un passage de texte philosophique ou un poème. Peut-être le travail de Flurin Bisig est-il plus facile à aborder de l’extérieur que de l’intérieur ? Les formes résultent de la situation, du vécu, et ne sont pas dérivées de légitimités immanentes à l’art. C’est ce qui explique à quel point l’oeuvre existante paraît disparate dans la forme, les maté­riaux et la réalisation. Le lien intérieur surgit de l’attitude de Flurin Bisig envers le monde, et non d’une volonté artistique inaliénable. Ses sculptures sont sa forme d’expression, qui se nourrit de ­sources multiples, peut prendre différentes formes et confère une marge de manoeuvre aux expériences personnelles – celles des observateurs aussi. Le chemin qui mène à ces oeuvres est tout sauf une ligne droite.

Fly Me to the Moon

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La Kunsthaus de Zurich présente, avec Cathérine Hug au commissariat, une grande exposition à l'occasion du 50ème anniversaire des premiers pas de l'homme sur la lune en 1969. L'alunissage de la capsule américaine Apollo 11 a modifié le rapport de l'homme à l'univers et à son environnement. Le premier regard extérieur sur le globe terrestre a été rapidement suivi d'une prise de conscience nouvelle pour la fragilité de notre planète et les menaces existentielles que représentent les interventions humaines. Ce discours, plus actuel que jamais, n'est cependant pas le seul axe thématique de l'exposition et du catalogue richement illustré, qui, bien plus, s'intéressent au mystère qui a fasciné toutes les cultures du monde depuis le 19ème siècle et continue de le faire. Le tour d'horizon historique du regard des artistes sur la lune comprend des sujets et des aspects tels que « cartographie céleste et surface de la lune », « maladies lunatiques » ou « colonisation de la lune ».

Fotofinish

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La photographie a commencé à s'établir dans l'art au début des années 1990, elle était cependant encore loin d'atteindre le rang d'un genre artistique en soi. Elle fait aujourd'hui partie des formes d'expression les plus variées. Mais arrivée au zénith de son ascension, la question se pose de combien de temps elle trouvera encore une application dans l'art en tant que procédé (autonome). Ce volume richement illustré ordonne le rapport de la photographie aux autres genres d'art par rapport auxquels il la resitue. Car le temps est venu, au-delà du caractère purement documentaire de la photographie, d'ouvrir grand la fenêtre et de prendre de nouveau en compte ses possibilités pour se concentrer dessus.

Francesco Neri: Trophy And Treasure

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Né en 1982 à Faenza, dans le Nord de l'Italie, Francesco Neri ouvre ici un album familial personnel, une malle au trésor emplie d'images qui reflètent autant la vie-même, ses moments silencieux et particuliers, sinon magiques, le passage d'une génération à l'autre, que les questions du photographes à son média. Lorsqu'il a emménagé en 2008 dans l'appartement de ses grands-parents décédés, il y a rencontré des espaces et des objets connus qu'il a saisis dans des photographies d'intérieurs et des natures mortes. Ils semblaient récapituler ce qui est passé, le cours du temps, pour le transformer tout en apparaissant fascinés par la question de comment la perception personnelle propre s'est développée ou évolue sans cesse. Le grand-père déjà exerçait la profession de médecin et, comme c'est l'usage dans la région, s'adonnait à la chasse pendant son temps libre - tout comme le père de l'artiste. La médecine et la chasse ont exercé une influence sur le photographe de Francesdo Neri.

Frank Gerritz : Temporary Ground

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Frank Gerritz, né en 1964 à Hambourg, est un artiste dont la pensée se déplace littéralement dans l’espace. En partant du sol, son œuvre gagne le mur d’où elle revient pour s’emparer de l’espace. Le sculpteur recouvre notamment des plaques d’aluminium d’une couche de paintstick (craie à l’huile) si épaisse que leurs surfaces, tout en paraissant, d’une part, closes, laissent, d’autre part, la structure de la peinture apparente. Tous les noirs ne sont ainsi pas aussi noirs, là où les surfaces d’aluminium anodisé reflètent l’espace, un miroitement apparaît dans les parties les plus sombres des surfaces, un reste de lumière qui change selon la position et l’éclairage. Les surfaces travaillées – à la mine de graphite ou au paintstick sur des panneaux MDF ou de l’aluminium – développent une matérialité marquée par des reflets émoussés, et donnent ainsi une dimension spatiale aux surfaces des supports bidimensionnels.

Franz Grabmayr

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Robert Fleck, Caro Wiesauer Franz Grabmayr : feu - danse -matériel L'oeuvre de Franz Grabmayr (1927-2015) - comparable à celui de FrankAuerbach ou d'Yves Klein - fait partie des plus grands, rarement estimé à sajuste valeur, entre expressionisme abstrait, peinture abstraite del'après-guerre et postmoderne. Dans les années 1980, Grabmayr est aussi devenule modèle des Nouveaux fauves. Cet ouvrage donne un excellent aperçu, communiquedurablement son importance et contient des déclarations de collègues peintrescomme Siegfried Anzinger ou Herbert Brandl, de gens de musées comme UlrichLoock, Peter Pakesch, Klaus Albrecht Schröder ou Wieland Schmied. Il metclairement en évidence les raisons qui ont pour ainsi dire fait avancer FranzGrabmayr au rang d'icône de la peinture vénéré tel un objet de culte et comments'est fait sentir son influence sur le travail de collègues plus jeunes.

From Becher to Blume

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Ne pas posséder une oeuvre unique... Les époux Ute et Eberhard Garnatz de Cologne démontrent brillamment avec leur collection à quel point une collection particulière d’art peut être inspirante et actuelle. Des décennies durant, ils ont rassemblé des oeuvres qui célèbrent autant la peinture que la photographie. L’ensemble compte aussi des sculptures. La collection Garnatz est un témoignage d’enthousiasme et de sens de la qualité. Sans oublier la proximité avec les artistes qui leur a toujours paru importante. Ils ne veulent pas posséder une oeuvre unique, ils préfèrent bien plus suivre l’évolution artistique, à travers des échanges qui durent parfois des années. Cette publication est centrée sur la composante photographique de la collection Garnatz et fait dialoguer non sans tension un coix de prises de position avec d’autres tirées de la collection SK Stiftung Kultur. L’approche conceptuelle documentaire, représentée notamment par Bernd et Hilla Becher, y invite tout particulièrement.

Fuzzy Dark Spot

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Le livre FUZZY DARK SPOT (obscur coin flou) qui accompagne l'exposition à la collection Falckenberg Hambourg analyse à travers 56 positions comment la vidéo en tant que média artistique permet d'interpréter les embarras et manipulations sociétales et médiatiques. Il renvoie pour cela à la télévision, aux mouvements informatifs de l'anti-espace public des années 1970, à l'emploi de la vidéo comme mode de surveillance et aux méthodes de narration artistique en tant que miroir psychosocial ou instrument d'auto-optimisation à l'ère numérique. La grande influence des images vidéo sur la mémoire et la conscience collectives au 20ème et au 21ème siècle fait ici du doute envers l'image, du malaise face au familier et de la méfiance par rapport aux prétentions à la vérité autant de motifs importants de réflexion artistique. L'exposition, dont l'artiste vidéo originaire de Hambourg Wolfgang Oelze est le commissaire, jette un regard très large sur les travaux d'artistes hambourgeois.

Gabriela Oberkofler : Api étoilé

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« Api étoilé » est un projet artistique sur les anciennes plantes utiles, tombées dans l’oubli ou perdues, sur de nouvelles formes de vivre ensemble et sur l’importance d’une grande biodiversité.

Georg Baselitz

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Georg Baselitz s'est intéressé à la gravure dès le début de son parcours artistique. Bénéficiaire d'une bourse à la Villa Romana de Florence, il commence dès 1965 à collectionner le maniériste italien Le Parmesan. Ses premières gravures remontent à 1963/64, celles sur bois à 1966, suivies en 1977 par les linogravures - des travaux publiés par Fred Jahnà Johannes Gachnang dans un répertoire de ses oeuvres en deux volumes majoritairement en noir et blanc (1963-1974 et 1974-1982). Comme dans sa peinture et sa sculpture, ses gravures traitent de complexes thématiques tels que héros, bergers, aigles, arbres et bien d'autres.

Georg Baselitz : Peintre Graveur IV

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« Le partisan qui peint », ainsi Cornelius Titel nomme-t-il Georg Baselitz, dans une critique qui vient de paraître (3.11.2021) dans Die Welt, de la grande rétrospective qui démarre au Centre Pompidou. Pour Heiner Müller, dans une conversation (1991) avec Alexander Kluge, le « Partisan, dans une structure moderne, et donc technocratiquement définie, était un peu comme un chien sur l’autoroute ». Et c’est dans cette marginalité que Titel voit l’artiste Georg Baselitz évoluer au fil des décennies jusqu’à devenir un monolithe, le seul étranger que l’Académie des Beaux-Arts a désormais adopté parmi les siens. L’épée qui lui a été remise au cours de la cérémonie solennelle doit symboliser son immortalité. Elle n’aurait plus eu besoin de le faire. Nous annonçons ici, avec les éditeurs Rainer Michael Mason et Detelf Gretenkort, la paru- tion du vol. IV de l’oeuvre graphique (1989–1992) pour le printemps 2022 ; il contient les oeuvres n° 718 à 1010. Comme nous l’avions déjà exposé à la sortie du vol. III, il est hors de question que l’oeuvre graphique de Georg Baselitz soit simplement placée à côté de ses créations picturales et sculptées. En effet l’artiste n’a pas seulement marqué ce média depuis des décennies par la diversité de ses approches techniques et solutions, sa virtuosité sans égale l’a fait avancer au premier rang de l’art moderne de l’après-guerre.

Georg Baselitz: Akademie Rousseau

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Un tableau singulier est accroché dans la salle Picasso du Kunstmuseum de Bâle, un portrait en pied de Guillaume Apollinaire et de sa muse Marie Laurencin. Henri Rousseau a peint ce superbe tableau. Je l’avais depuis toujours en mémoire comme un portrait de Rousseau lui-même avec Madame Rousseau. Si Marie Laurencin était la muse d‘Apollinaire, Clémence Rousseau était la muse de Rousseau. Franz Marc, lui, a peint un portrait de Rousseau pour le Cavalier bleu. Et Picasso lui aussi possédait un autoportrait d’Henri. Il existe une photo privée, prise par André Gomés, sur laquelle on voit Picasso, dans sa main droite il tient l’autoportrait de Rousseau et dans sa main gauche le portrait de la femme de ce dernier. Picasso, constructeur d’objets nouveaux et insolites ou de tableaux audacieux, aimait Rousseau, le peintre des choses à la grâce figée.

Georg Herold

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Georg Herold a vraiment connu de nombreux moments de succès et d'éclat, des distinctions et des présentations. C'est pourquoi il peut être rétrospectivement fier d'une carrière impressionnante et organiser sans trembler une rétrospective au Kunstmuseum de Bonn. Il est désormais considéré internationalement comme l'une des personnalités artistiques les plus marquantes de ces 30 dernières années, notamment aussi parce que son oeuvre incarne une joie débordante de l'expérimentation. Qu'il utilise des matériaux simples, que son oeuvre regorge de moments d'ironie, qu'il remet en question avec son travail les formes traditionnelles de la représentation imagée, et en particulier de la sculpture en tant que telle, tout cela est vrai, mais cela ne devrait pas faire perdre de vue une évolution unique qui a franchi un bond essentiel.

Gerhard Richter ? Unique Pieces In Series

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Gerhard Richter - « Pièces unique en série »: cette formulation semble à première vue une contradiction en soi. Car comment quelque chose censé n'exister qu'à un seul exemplaire peut-il être répété ? Or, certains des travaux éditoriaux de Gerhard Richter incarnent ce principe particulier du caractère unique en série. Dans ses éditions de peinture, travaux photographiques, gravures, dessins et multiples, il a créé la possibilité de varier l'apparence d'exemplaires uniques avec un mode de production identique. Le tirage d'une édition se compose donc de variantes uniques dont la différenciation est intentionnelle. Aucun autre artiste n'a sans doute fait de manière aussi diversifiée et fascinante de ce concept créateur une méthode fondamentale de son art.

Gerhard Winkler : Fishs and Cephalopods

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C’est avec presque la même simplicité que l’histoire de ce livre est racontée et que les motifs réalistes sont présentés. Le moment qui décidera de l’avenir de Gerhard Winkler remonte à une trentaine d’années. En se promenant dans le marché couvert de Lisbonne, l’artiste se trouve absolument incapable de se détacher de la vue et de la beauté des poissons qui y sont offerts : sardines, merlus, aiguilles de mer, thons et seiches, et encore bien d’autres espèces, toutes présentes en abondance, parfois couchées sur un lit de glace, parfois alignées par variété sur des supports métalliques. L’esthétique de l’étalage doit attirer les clients – et y parviendra avec lui. Winkler utilise de préférence une pellicule noir et blanc dont les négatifs développés forment la base des tirages sur papier baryté qu’il réalise lui-même avec des peintures translucides aux protéines pour rendre aux animaux l’apparence de la réalité.

Given : Reuterswärd Fahlström Duchamp

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DONNÉS – Öyvind Fahlström et Carl Fredrik Reuterswärd – dont l’oeuvre est éminemment représentée dans la collection du musée Sprengel de Hanovre grâce à une généreuse donation de l’artiste – appartenaient à un cercle de la scène artistique suédoise des années 1950 et 1960 qui partageait autant l’enthou- siasme pour l’oeuvre de Marcel Duchamp que le rejet farouche de l’expressionnisme abstrait. L’exposition, mais surtout le livre DONNÉS / GIVEN, confronte aujourd’hui les travaux de ces trois artistes si différents. Ce qui permet à de nombreuses lignes de communication d’apparaître entre leurs oeuvres, de sorte que ce qu’ils ont en commun ressort de plus en plus au vu des concepts et des jeux, de leurs jeux de mots et de leur ironie. La sculpture « Non violence » est l’une des plus connues de Carl Frederik Reuterswärd : le revolver au canon noué placé devant le quartier général de l’ONU à New York et devenu le symbole de la mission en apparence presque impossible de cette institution – préserver la paix mondiale. Avec cette oeuvre installée à 16 autres lieux dans le monde, Carl Frederik Reuterswärd avait alors réagi à l’assassinat de John Lennon.

Good Space

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« Good Space » est un essai à l'occasion d'une exposition qui provoque de manière à la fois intense et ludique notre expérience sensuelle, centré sur l'expression des communautés dans la perspective de l'art contemporain. La diversité sociale s'accomplit dans l'échange, la cohésion de communautés est à la fois la cause de jugements de valeur supra-individuels et d'ébauches identitaires, ainsi que de normes et de règles concrètes. Mais dans ce lien s'inscrit toujours aussi ce qui délimite et ce qui exclut, d'où le caractère explosif ' y compris sur le plan politique ' de la question de ce qui détermine le « nous ». L'essai se veut un plaidoyer en faveur d'un vivre ensemble initié par la curiosité, le respect et l'estime, qui tente en permanence de définir les besoins et de négocier les différences. Comment donner vie à ces espaces et comment fonctionnent les communautés doivent être examinées, car le climat politique n'a pas fondamentalement changé avec le débat sur la migration.

Gregor Hildebrancht: PAWN

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Gregor Hildebrandt (*1974) a d'abord vu chez un ami un cliché de Will Steacy, un photographe américain auteur d'une série sur les instituts de prêt sur gage (pawnshops) aux États-Unis. Les collages, panneaux peints, travaux photographiques et installations de Gregor Hildebrandt ont toujours suscité l'étonnement, on peut même dire qu'ils ont fait sensation, en raison notamment de son matériau de prédilection, des supports de données analogiques, soit des bandes magnétiques audio et vidéo et des disques, ainsi que leurs boîtiers et pochettes.

Gregor Schneider

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Ne jamais pouvoir échapper aux espaces parce qu’ils portent le poids de la société et des tabous, parce qu’ils déploient, en plus de leur effet physique, un effet psychologique, telle est l’exacte description de la position artistique de Gregor Schneider. Né en 1969 à Rheydt, il se fait soudainement connaître du grand public en 2001 avec « Totes Haus u r » (« Maison morte u r ») lorsque l’oeuvre remporte le lion d’or à la Biennale de Venise. Il reçoit ensuite, après Roman Signer, Franz Erhard Walther, Thomas Schütte, Richard Decon et Ayșe Erkmen, le prix Ernst Franz Vogelmann de sculpture en 2023. L’artiste qui enseigne depuis 2016 à l’académie des beaux-arts de Düsseldorf « regarde derrière la façade des choses et redéfinit en passant les concepts de sculpture et d’installation », selon le jury du prix. Il est vrai que son agenda personnel donne à tous ses travaux le point de départ aussi inquiétant que déconcertant qui fait véritablement des visiteurs et visiteuses des acteurs et actrices agissants.

Günther Förg : Untitled 1976-2008

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Günther Förg (19522013) est un grand rénovateur de la peinture entre le modernisme et le présent, entre l'Europe et l'Amérique, parmi le minimalisme abstrait laconique et une expressivit é délicatement gestuelle. Le Kunstverein de Reutlingen présente une sélection de peintures de la collection de Brunhilde et Günther Friedrichs qui couvre les années 1976 à 2008 : 100 peintures, ainsi que les oeuvres sur papier de plus de trente ans seront présentées au public pour la première fois dans une impressionnante revue des entreprises à la fois risquées et sensuelles de la peinture de Günther Förg.

Hans Erni

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L'oeuvre de l'artiste lucernois Hans Erni, mort en 2015 à l'âge de 106 ans, impressionne d'abord par l'immense variété des matériaux : peinture en petit format et monumentale, dessin et gravure, céramique et relief, affiches et book art. À cette richesse correspond, d'autre part, la diversité stylistique : des débuts réalistes d'inspiration cubiste des années 1930 aux compositions purement abstraites et à la synthèse virtuose des deux formes d'expression dans les années 1940 : l'apport impressionnant d'Erni au surréalisme prépare le terrain, avec sa combinaison de fond informel et de représentation figurative magistrale, pour les travaux des décennies suivantes. Son intérêt toujours vif pour les questions sociales, politiques et écologiques, son engagement pour la paix, la justice sociale et la protection de l'environnement se retrouvent dans ses travaux visuels et graphiques, de même que sa curiosité des cultures étrangères qu'il exprime très tôt dans ses tableaux et ses livres.

Heart Of Glass Paintings And Drawings 1967-2012

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Henning Strassburger: Die Unschuldigen (Les Innocents)

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La peinture illusionniste n'a plus besoin aujourd'hui d'illusionnisme imagé car elle est elle-même devenue objet. Henning Strassburger explore, à l'ère des médias sociaux, de nouvelles façons de voir, de nouvelles problématiques concernant l'habitus et de nouvelles normes linguistiques formelles. Henning Strassburger utilise les fantaisies adolescentes incarnées par les stars du net en tant que surfaces de projection de motifs abstraits : le baiser de deux pop-stars féminines sous les projecteurs autant que la star adolescente qui se découvre rappeur macho pur et dur.

Henning Strassburger: Mai 2023

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Henning Strassburger s’est voué à la figuration. La publication « Die Unschuldigen » (« Les Innocents ») (2020) le suggérait déjà, il a poursuivi avec conséquence sur cette voie. Il déclare à ce sujet dans l’interview avec Dana Åoeaja : « j’ai atteint l’année dernière le statut de papier peint, et c’est avec satisfaction que je l’affirme. Mission accomplie. Mais je n’avais qu’une envie vraiment très limitée de continuer et d’en faire la marque de fabrique de mon art et une source sûre de revenus. J’ai des collègues qui savent mieux y faire et développent toute une entreprise. Mais je voulais repartir à l’aventure. J’ai mis encore une fois tout ce que je savais dans le dernier tableau abstrait jusqu’à présent, puis j’ai refermé le couvercle. Je n’ai vraiment aucune envie de peindre chaque jour le même tableau. » Il peut désormais travailler jusqu’à épuisement à un sujet, par exemple les piscines. Les derniers tableaux auraient cependant une note mélancolique, fait remarquer Dana Åoeaja. « L’IMAGE ! » répond l’artiste, « on pourrait y voir un manque de complexité, mais c’est cette insuffisance qui fait en vérité toute l’image. »

Herbert Hinteregger: Untitled (Flow)

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Au début, il y avait sans aucun doute le rêve d'enfant de Herbert Hinteregger (*1970) de pouvoir découper un morceau du Lac noir, le Schwarzsee marécageux du Tyrol où il est né - et il suffit de regarder les surfaces de ses tableaux à l'encre de stylo à bille pour se rendre compte qu'il a trouvé le média parfait pour ses surfaces métalliques luisantes, opaques et d'un bleu sombre à la profondeur insondable. En effet, l'encre des stylos à bille est extrêmement pigmentée et d'une consistance très visqueuse, de sorte que les traces de pinceau sont invisibles tandis qu'un flou pictural reste qui évoque constamment une impression d'écoulement. L'encre est obtenue au cours d'un processus long et obsédant d'égouttement d'innombrables mines de stylos à bille, puis appliquée sur des supports de différents matériaux, notamment de la toile de jean, du tulle, du brocart ou du lin. Cette première monographie sonde toutes les stratégies conceptuelles du 21e siècle.

Herbert X. Maier : Complementary

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Dans ses derniers tableaux, Herbert X. Maier (le X. est l’initiale de son deuxième prénom, Xavér) trouve de très surprenantes associations de travaux abstraits, dans certains cas même plus anciens, en couches épaisse et de motifs réalistes qu’il accroche en diptyques. Le contraste entre peinture abstraite et réaliste ne saurait être plus crûment mis en scène, et pourtant Herbert X. Maier reste fidèle à lui-même avec ce procédé.

Historical Records

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Plus généralement, Dani Gal remet en question la manière dont l'histoire, ou plutôt son enregistrement, est construit, conditionné, présenté et consommé, sans se limiter ce faisant au disque vinyle en tant qu'objet esthétique, mais en tenant compte de l'ensemble des informations qui y sont associées. L'ensemble soulève des questions quant aux évènements historiques et à leur présentation médiatique, que Dani Gal s'empresse cependant de placer à une distance ironique en brouillant l'univers sémantique analogique du langage parlé avec les nuées de sons numériques électroniques qu'il produit. L'ouvrage que nous publions ne constitue pas uniquement une documentation de ses recherches m éticuleuses dans le labyrinthe des archives de médias, à la base de son travail, il tisse - au sens propre du terme - les sources et la culture pop afin de façonner comme un ready-made photographique.

Hoël Duret : Low

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La pratique artistique de Hoël Duret associe des ­histoires imaginaires à des faits réels et développe, en s’appuyant sur la science-fiction, le cinéma post-apoca­lyptique ou les utopies de l’époque moderne, un langage pictural à l’aide duquel il traite des rapports entre nature et technologie sur fond de numérisation progressive. Son installation dans l’entrée de la Villa Merkel montre l’expression d’une jungle enserrée dans un réseau de câbles. Il donne l’impression d’enchevêtrer l’organisme technologico-végétal envahissant dans un échange d’informations – comme si l’homme ne pouvait s’empêcher de tout contrôler en permanence, jusqu’à la croissance des plantes. Hoël Duret pilote son écosystème artificiel à l’aide d’un algorithme basé sur des données climatiques publiées en ligne. Le tout confère à l’installation un accompagnement sonore lugubre, au caractère apocalyptique latent, tout en lui imprimant une profonde nostalgie de l’Arcadie.

Hommage à Georg Baselitz

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« Je ne suis pas du tout raisonnable » Pour son 80ème anniversaire, Siegfried Gohr célèbre, avec son « Hommage à Georg Baselitz » soigneusement et analytiquement formulé autour de l'?uvre et du parcours du créateur, qui paraît à l'occasion d'une fascinante exposition à la Contemporary Fine Arts de Berlin, un grand artiste allemand. Outre ses prestations significatives pour l'histoire de l'art, il lui confirme une grande pertinence actuelle, surtout au vu des travaux de sa phase remix. Il nous montre concrètement ce faisant dans son texte plein d'élégance la marginalité choisie de Baselitz et ses inventions d'images toujours nouvelles et souvent parfaitement révolutionnaires.

Humming Tumbling

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BOURDONNER CULBUTER Si la peinture postmoderne saccompagne depuis toujours de la discussion autour de sa fin, elle renvoie aussi toujours à sa qualité principale : celle de pouvoir tisser un réseau sans fin de représentations grâce à son caractère discursif. Cest le peintre Thomas Lawson qui a forgé lexpression la plus pertinente à cet effet il y a 35 ans : « Last Exit: Painting ». Cela sapplique aussi aux travaux de Katrin Plav?

Hyper !

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Qu'arrive-t-il lorsque des musiciens s'orientent selon des idées et stratégies venues du monde de l'art ? Et quels tableaux voit-on apparaître lorsque des peintres sont influencés par la musique ? S'intéresser à la vie des autres, suivre l'inconnu, le copier, l'introduire dans son propre travail et l'utiliser ? en bref, croiser les correspondances entre les univers de la musique et des arts plastiques, c'est ce que font l'exposition organisée par le rédacteur en chef d'Ex-Spex Max Dax et HYPER ! Ce réunit des classiques comme la pochette du chef d'oeuvre du NEW ORDER de Peter Saville qui a ouvert la voie (1983) ou les images narratives-minimalistes d'Emil Schult qui ont servi de modèle à la célèbre pochette « Autobahn » de Kraftwerk (1974), ou l'installation 3D « Night Life » de Cyprien Gaillard (2015) et des travaux photo de Andreas Gursky ou Wolfgang Tillmans. Le livre doit sa cohésion narrative à un grand nombre d'interviews à l'arrière-plan, réalisées par Max Dax depuis 30 ans.

I Hate Paul Klee

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I Watch That Worlds Pass By

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In the Heart of Another Country

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« Au coeur d’un autre pays » explore le concept de patrie en tant que sentiment de nostalgie et d’appartenance chez des artistes appartenant à différents groupes de diasporas. L’exposition comme le livre sont consacrés à la question de la manière dont le mouvement physique – la mobilité au-delà des frontières nationales – a formé les conditions-cadres de la création artistique contemporaine internationale. Sur les chemins de leurs migrations, les artistes ont traversé le Sud et l’Ouest de l’Asie, l’Afrique et les Caraïbes. La plupart d’entre eux vit aujourd’hui dispersée dans le monde entier et très loin des lieux auxquels ils se sentaient à l’origine appartenir. Avec 150 oeuvres d’art de la collection internationale de la Sharjah Art Foundation, « Au coeur d’un autre pays » présente le travail de plus de 60 artistes de tous les mouvements artistiques. Bon nombre de ces oeuvres n’avaient encore jamais, ou rarement, été exposées hors de leur contexte d’origine. Elles vont d’installations fraîchement restaurées à de nouvelles acquisi­tions récentes, avec en commun le fil narratif de l’apparte­nance. « Au coeur d’un autre pays » incarne l’objectif de la Sharjah Art Foundation de montrer dans sa collection l’art qui postule des alliances est-est et sud-sud et les réunit à un carrefour pour y créer la base féconde d’une histoire de l’art polyphonique et inclusive.

Isabel Nuño de Buen : Prix Sprengel 2021

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Isabel Nuño de Buen (née en 1985 à Mexico) a reçu le PRIX SPRENGEL 2021. Il est décerné par la fondation de la Caisse d’épargne de Basse-Saxe et le Land de Basse-Saxe à des artistes plasticiens de Basse-Saxe afin de donner de nouvelles impulsions à l’échange culturel en Europe. Il est associé à un catalogue et une exposition au musée Sprengel de Hanovre et se compose en partie d’une bourse pour voyager six mois dans d’autres pays d’Europe.

Jak: Soul Blindness - Fall Into Indescribable Scenes

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AVEUGLEMENT DE L'ÂME - chute dans des scènes indescriptibles : Dans le hall de la Villa Merkel, une sculpture faite d'un vieux tronc d'arbre de sept mètres environ s'élève en hauteur, porté par une surface de r ésine époxy posée de guingois, d'un vert criard et réfléchissant

Jann Vann Der Ploeg Selected Works 2009-2016

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Der in Amsterdam lebende Künstler Jan van der Ploeg (*1959) ist in den 1990er Jahren mit seiner Wand malereizu internationaler Bedeutung gelangt. Seine abstrak ten Raumbilder stehen ihrem Geist nach in der Tradition derklassischen Moderne, etwa den Vorläufern aus den 1920er Jahren des De Stijl's, wobei er eine Verbindung von Bild,Wand, Raum und Architektur im Medium von Farbe und Form sucht. Insoweit er seine Arbeiten temporär mit städtischen, öffentlichen oder privaten Räumen koppelt, beschäftigt sich Jan van der Ploeg zunächst eingehendmit der vorgegebenen räumlichen Struktur, lotet Proportionen und Blickachsen aus, checkt die Funktionen vorhandener Architektur- und Designelemente und fragt generell nach den Nutzungsbedingungen von Räumenund Plätzen. Kunsthistorisch verweisen seine abstrakten Motive und die modulare Malerei auf Minimal bzw. Conceptual Art: die beru'hmten Mobiles Alexander Calders, die als »blps« betitelten malerischen InterventionenRichard Artschwagers oder die seriellen Wandmalereien Sol LeWitts.

Jeanno Gaussi : Geflecht

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Gaussi, la toile de la fuite et de la présence Sur le fond de sa propre expérience de la migration, Jeanno Gaussi (née en 1973 à Kaboul) se penche sur les questions de l'identité culturelle à travers divers médias et sous des perspectives multiples. Elle est internationalement connue depuis son travail à la documenta 13 de Kassel et Kaboul. « L'oeuvre de Jeanno Gaussi », explique Dogramaci dans sa contribution au catalogue, « se nourrit fondamentalement de voyages, séjours à des endroits qu'elle connaît de visites précédentes ou qu'elle approche (de nouveau) par des recherches, des explorations et un travail en cours et in situ. Le familier et l'étranger sont regroupés dans une constellation formatrice d'espace. » Le livre présente les installations, les associe à des oeuvres apparentées de l'artiste et éclaire en en détail les coulisses de leur création.

Jenny Michel : Antenna Diaries

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Combien de temps les découvertes scientifiques restent-elles des découvertes ? À quelle vitesse les utopies atterrissent-elles dans les poubelles de l'histoire ? Jenny Michel utilise des représentations scientifiques techniques, des cartes et des dictionnaires trouvés dans le fonds du passé et les associe à des matériaux qui suscitent la question de la valeur, de la durée et du caractère éphémère des choses. Elle décompose son matériel dans le cadre d'une esthétique très personnelle de type palimpseste, le découpe, le colle, l'agrafe et en fait des collages, le pend au plafond ou le tend aux murs et l'accroche dans la pièce. Jenny Michel a donné au livre le titre ANTENNA DIARIES, car elle veut appeler l'art en tant que « média de l'interaction », « symbole de notre conscience » - envoi - réception - transformation. Dans l'espace d'écho de l'artiste, nous nous trouvons donc aussi renvoyés à nous-mêmes - pensivement.

Jeunes Artistes Polonais – Prix Dorothea von Stetten 2022

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Avec la Pologne, c’est à une scène artistique d’une incroyable diversité, d’une vitalité extrême et d’une immense réflectivité que le prix d’art Dorothea von Stetten 2022 rend hommage. Dans le contexte social d’un catholicisme encore très rigide (98 % de la population polonaise se dit catholique croyante) face à un néo-libéralisme urbain, beaucoup des projets artis­tiques souvent marqués par la performance et l’installation tournent de préférence autour des questions de l’identité, de la nationalité et de la religion. La jeune scène d’aujourd’hui se distingue en cela, autant des représentants de « l’art critique » des années 1990, comme Paweł Althamer ou Artur Zmijewski, que de la génération de peintres post-communistes comme Wilhelm ­Sasnal ou Rafał Bujnowski qui ont placé les banalités de la vie quotidienne au centre de leurs rcherches après 2000. Le choix des points de vue représentés dans l’exposition reflète de manière impressionnante l’ampleur, l’intensité et la profondeur critique avec lesquelles la jeune génération d’artistes polonais aborde ses champs thématiques. Zuzana Golińska (*1990) notamment, dont les arrangements de sculptures suggestifs interrogent sur la position du corps dans le monde, ou Diana Lelonek (*1988) dont les installations foisonnantes critiquent l’idée d’une croissance sans fin et de notre attitude irresponsable envers les ressources naturelles. Daniel Rycharski (*1986) de son côté travaille, avec son oeuvre très marquée par les éléments actionnistes, au dépassement des antagonismes au sein de la culture polonaise et prend ainsi clairement position contre l’exigence normative de l’orientation hétérosexuelle.

Jonathan Lasker: From Drawings and White Form Paintings

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L'Å“uvre de Jonathan Lasker est volontiers taxée d'étrangeté, alors que c'est l'une des plus influentes de l'art abstrait contemporain. À la fin des années 1970 et au début des années 1980, alors que tout se met en branle, que l'expressionnisme abstrait, le minimalisme et le color field painting perdent leur formalisme, il parvient comme personne à transposer des thèmes tels que référentialité, figuration, matérialité authen­tique et corporalité, voire des moments du décoratif et pictural. Les peintures solidement travaillées et les objets réalisés avec soin des années 1960 étaient alors formellement bons pour le rebut, on assiste à un retour de styles et de matériaux qui s'ouvrent aux artistes comme autant de sources histo­riques et artistiques. Pour résumer, l'abstrac­tion telle que Jonathan Lasker la voyait et savait la mettre en application était arrivée au post-moderne.

Josef Zekoff : Paradise

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L’absence de visage des personnages dans les tableaux de Josef Zekoff est l’une de leurs caractéristiques les plus distinctives. Qu’il s’agisse de labyrinthes symboliques – il peint aussi des ornements et des cartes géographiques – ou de bonshommes allumettes schématiques, l’intervalle que ces images occupent incite à l’autoréflexion, ce qui exige néanmoins un certain courage de la part des observateurs. Ou alors, comme l’écrit Florian Waldvogel dans son texte introductif : « les personnages de ses tableaux cherchent-ils la rencontre avec quelque chose qui va au-delà du monde des objets et des grandeurs fixes ? S’agit-il, comme l’écrit Martin Heidegger dans « Qu’est-ce que la métaphysique ? », d’une rencontre avec le « rien » dans la « peur » ? La confrontation avec le « rien » ou le « néant » dans les tableaux de Zekoff renvoie-t-elle à notre crainte face à l’absence originelle de sens du monde, au fait que c’est l’être qui donne du sens aux choses ? » La nature de monde du monde résiderait, selon Heidegger, dans ce vide et les personnages de Zekoff n’éprouveraient, contrairement aux observateurs, aucune crainte face au néant. Mais comme dans la tragédie jacobine, la peur exige la conscience de la perte afin de pouvoir survivre. Pour Marcel Proust, conclut Florian Waldvogel, les véritables paradis seraient ceux qui ont été perdus.

Julien Lethbridge

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L'abstraction gestuelle qui recouvre entièrement une surface est une peinture américaine par excellence. L'affirmation pourrait induire une certaine gêne, ou même un état d'alerte, à notre époque, sans doute la plus chauviniste depuis des décennies dans l'histoire de notre nation - sauf que l'artiste dont je vais parler est né à Ceylan et a grandi en Grande-Bretagne. Il n'en est pas moins new-yorkais depuis 1972, ce qui fait de la biographie de Julian Lethbridge une histoire d'immigration typiquement américaine - et donc celle d'une immigration réussie. Dans l'ensemble et à long terme, les tableaux de JULIAN LETHBRIDGE sont des machines perpétuellement en mouvement dont le dynamisme bourdonnant dénonce que la peinture all over de type américain constitue une parenthèse encore loin d'être refermée dans l'histoire de l'art moderne - un travail qui attend en permanence d'être effectué.

Katharina Hinsberg. Sequence : Drawings 1-117

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L'art de KATHARINA HINSBERG (*1967) est centré sur une prise en compte à plusieurs niveaux du genre dessin, ses contextes historiques, techniques et spatiaux. Plusieurs procédés en sont caractéristiques, parmi lesquels la coupe dans les supports d'images ou le découpage de lignes dessinées. Avec son livre d'artiste elle présente pour la première fois une série de dessins en couleur permutables composés de 117 crayons de couleurs sur une trame. À chaque nouvelle feuille, une couleur s'ajoute, grandit, rétrécit ou disparaît de nouveau, les hachures de couleur serrées sont alors étroitement liées au mouvement de la main. La trame fixe se compose de 23 cases horizontales et 30 lignes verticales, chaque case de 5 x 5 mm. Katharina Hinsberg commence sa séquence avec le noir et la termine en blanc.

Katharina Sieverding : Photographs Projections Installations 2021-1966

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Les Deichtorhalen de Hambourg avaient prévu de lancer le 5 décembre 2020 sur quatre étages de la collection Falckenberg la plus grande exposition solo jamais présentée de Katharina Sieverding. Près de 120 oeuvres retracent toutes les phases par lesquelles est passée l’artiste. Katharina Sieverding compte depuis plus de cinquante ans parmi les pionnières de la photographie, elle a pris conscience très tôt des multiples possibilités d’expression de ce média et n’a cessé de les élargie sur le plan conceptuel et formel. Elle s’est fait connaître par son emploi systématique de l’autoportrait, qu’elle transforme de multiples manières dans ses films et photographies depuis les années 1960. Depuis les années 1970, elle travaille avec des montages grand format qu’elle a montrés pour la première fois à « documenta 6 » (1977).

Katja Davar

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Katja Davar examine, avec « Electric Spinning Gaze » et par les procédés du pliage et du dépliage, de l'ouverture et de la fermeture d'ailes, le processus de la métamorphose sur scène comme dans la nature, afin de mettre en évidence le rapport entre les deux (culture et nature). Son point de départ est la Danse serpentine de la danseuse, chorégraphe et créatrice américaine Loïe Fuller (1862-1928) qui a mis au point, peu avant la naissance du cinéma, des chorégraphies abstraites faisant appel à d'amples costumes en soie ondoyante, des lumières colorées et des projections de lanterne magique. Dans le projet de Katja Davar, l'étoffe de soie, filmée avec une caméra haute vitesse, devient la surface de projection dynamique sur laquelle, mêlant motricité naturelle du développement et illusion numérique, les études artistiques de la lumière et de la couleur se reflètent avec la poésie lyrique de l'époque.

Katrin Plavcak : On the Couch

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Les peintures de Katrin Plavcak font référence à l'histoire de l'art autant qu'à la culture populaire, notamment lorsqu'elle utilise des fragments de bandes dessinées. Les thèmes en sont transform és par son regard critique, son ingénuité et son immense force créative en commentaires de notre présent politico-social et culturel totalement indépendants artistiquement et dérangeants d'actualité. Le surréalisme, la science-fiction et le vérisme nouent une alliance troublante et génèrent ce que l'artiste appelle « stupéfaction » (amazement) et « divertissement personnel » (personal entertainment). Et puis il y a ce divan dans le studio viennois de Katrin Plavcak éloigné de quatre kilomètres de l'ancien emplacement du célèbre divan de Freud

Klaus-Martin Treder : YES - WHAT

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Klaus-Martin Treder (*1961) a nommé une série de ses toiles à l'acrylique « Perte d'orientation et esthétique ». Son oeuvre est par ailleurs structurée en trois formats clairement différenciables, de sorte que la perte d'orientation peut ici être vue plus comme le motif des travaux et moins comme la base opérationnelle de leur création. L'ensemble abonde en références techniques et discursives à l'artiste lui-même ou à d'autres. En associant librement les différentes étapes de production, il réunit dans ses montages des pellicules de couleur, de fines cascades de gouttes ou des guirlandes maladroites de fonds colorés appliqués en taches ou déversés sur la toile. La problématique de l'effet et de la signification des tableaux est par ailleurs renforcée par les éléments appliqués à la surface de la toil. Dans cette matérialisation conceptuelle de la peinture - pour ainsi dire ready made -, la peinture est ici réinterprétée dans sa nature ontologique en tant qu'institution artistique.

La sculpture suisse depuis 1945

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L’exposition et le catalogue donnent pour la première fois un aperçu complet de la diversité de la création sculpturale en Suisse depuis 1945. Avec 230 oeuvres de 150 artistes des quatre coins du pays, la liste est riche. Elle s’ouvre avec les postures dominantes de l’immédiat après-guerre, notamment Jean Arp, Max Bill, Alberto Giacometti ou Germaine Richier, mais les «traditionalistes » comme Karl Geiser ou Remo Rossi sont également présents, car ils avaient alors un rôle encore déterminant sur la scène artistique suisse. La différenciation s’opère ensuite entre les multiples tendances de l’art des années 1960. En même temps que le fort développement de la sculpture sur fer, c’est l’époque où les nouvelles avant-gardes montent en puissance, tel le « Nouveau réalisme », surtout marqué par Jean Tinguely, Niki de Saint Phalle et Daniel Spoerri.

Land_Scope

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Le catalogue de l'exposition est consacré à la représentation du paysage dans la photographie d'art postmoderne et contemporaine. Depuis la fin du 18ème siècle en effet, l'art romantique a marqué notre vision de la nature idyllique et auguste. Des peintres comme Philipp Otto Runge, mais surtout Caspar David Friedrich, se sont poussés au centre de l'attention en Allemagne. Une manière de voir telle que la forge aussi la photographie d'art contemporaine, qui s'attache de plus en plus aux changements des paysages naturels et cultivés et aux conséquences de l'industrialisation - y compris celle de l'agriculture - et du mitage. Cette revue de soixantaine d'artistes présente différents types de paysages tels que idéaux ou désertés, territoires politiques ou agricoles.

Le monde d’Aïcha

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Aïcha en a vu de toutes les couleurs, arrivée en France après avoir été adoptée enfant, elle y a grandi dans des circonstances difficiles. Elle vit aujourd’hui à Majorque et s’est jetée dans l’aventure de la peinture. Avec conviction, logique et immédiateté. Ses tableaux sont sans fard — ils sont, par rapport à la vie de l’artiste, marqués par une profonde authenticité et invitent à y plonger. Car c’est grandeur nature que les personnages se rencontrent dans les peintures grand format les plus récentes. Ils déploient des dimensions de dialogue d’égal à égal ! Aïcha se peint son histoire du plus profond d’elle-même. Dans son monde imagé, elle revient à son enfance et à sa jeunesse, arrange les choses du quotidien et orchestre les petites histoires. Et pourtant on perçoit toujours comme une menace à l’arrière-plan, une ambiance sombre. La construction des tableaux semble d’une école classique, l’interaction des objets semble conçue avec une parfaite maîtrise sur le plan formel, les motifs se communiquent directement à l’observateur. Aïcha pourrait être une représentante exceptionnelle de l’art brut, elle peint pourtant ici et maintenant, la violence de son langage imagé ne mérite pas d’autre qualificatif que celui de sensationnelle.

Leiko Ikemura : Momstars

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Avec son univers pictural expressif et combattif, l’artiste Leiko Ikemura née en 1951 à Tsu, au Japon, a d’abord fait sensation dans les années 1980 autour des Nouveaux fauves. Elle est aujourd’hui célèbre dans le monde entier pour ses jeunes filles qui flottent dans des mondes intermédiaires et ses paysages cosmiques aux créatures hybrides fabuleuses qu’on a pu voir notamment au Kunstmuseum de Bâle ou au National Art Center de Tokyo. Au Japon, elle est célébrée comme une artiste à laquelle la plongée systématique dans l’art occidental a plus que tout permis de prendre de plus en plus conscience de sa culture d’origine et qui a trouvé la voie d’une synthèse des deux cultures unique en son genre. À la CFA Contemporary Fine Arts de Berlin, elle occupe aujourd’hui deux étages de la galerie et y présente des oeuvres de toutes ses périodes, jusqu’aux sculptures les plus récentes. Leiko Ikemura a d’abord étudié la littérature à Osaka et en Espagne avant d’entrer en 1973 au département de peinture de l’Escuela Superior de Bellas Artes à Séville. Elle a ensuite vécu à Zurich, puis à Cologne à partir des années 1980 et à Berlin depuis la chute du Mur, où elle est titulaire d’une chaire de professeur de peinture à l’université des beaux-arts depuis 1991. Anaël Pigeat écrit que l’artiste habite encore, comme le chat en elle, là où l’histoire est vécue dans la rue, dans le revêtement des murs et le comportement des passants. Dans une ville élastique en transition permanente dont la géographie actuelle n’a plus rien à voir avec celle de l’époque où elle y est arrivée. Une ville où la politique se déroule dans la rue, comme son travail : d’une forme à l’autre.

Life Forms

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L'interface entre l'art et les sciences de la vie Quels aspects prend la vie artificielle ' De quelle manière l'homme intervient-il dans les processus de croissance au moyen de la biologie de synthèse ' Quelle forme cela donne-t-il au rapport entre nature et culture ' Et quelle importance prend l'art à l'ère de l'anthropocène ' Ces questions sont pour Andreas Greiner (*1979) au coeur de son travail dans lequel il interroge le lien entre nature/technologie/culture/art sous un angle éthique, autant que socio-culturel et écologique critique. Ce volume fait dialoguer ses oeuvres avec des scientifiques et des experts de différentes disciplines telles que physique, informatique, biologie, musique et architecture. Les interfaces qui apparaissent en appellent aux problématiques intégrales qui occupent l'artiste, plus urgentes que jamais après les bonds de géant observés dans le domaine médical et biologique, notamment ceux accomplis en matière de génie génétique.

Louisa Clement : becoming lost

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Louisa Clement s’intéresse dans son travail à la question de la présence humaine dans l’artificiel ou, le cas échéant, à la présence de l’artificiel dans l’humain. Elle a d’abord fait sensation avec son oeuvre « Représentantes » (Repräsentantinnen) (2021) où elle fait intervenir 10 clones robotisés qui, en plus d’une ressemblance parfaite avec elle, disposaient par le biais de la technologie d’un accès à toutes les informations et données personnelles la concernant. L’IA leur permettait d’imiter l’artiste et de la reproduire le plus fidèlement possible jusqu’à en devenir les revenants, pourtant dotés chacun d’une vie propre. Louisa Clement a aussitôt été élue à l’unanimité pour le prix d’art de la ville de Bonn 2023 : « Malgré sa jeunesse, l’artiste Louisa Clement a déjà créé une oeuvre à la force et la cohérence exceptionnelles... et a convaincu [le jury avec son] projet [inédit] qui se situe à la jonction de l’art et de la science, tout en traitant des sujets d’actualité brûlants tels que le rapport entre l’homme et l’intelligence artificielle, l’individu et l’algorithme, l’expérience et le flux de données. » Pour l’exposition au Kunstmuseum de Bonn (22.2–16.6.2024), elle développera et perfectionnera son travail actuel intitulé « Compression » (2023), une capsule métallique de 2 cm de haut qui contient un ADN synthétique généré à partir des jeux de données tirées de l’oeuvre complet de l’artiste jusqu’à aujourd’hui et doit le conserver pendant 1000 ans.

Made In Germany Iii

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Cet été 2017 « Production. Made in Germany trois » jette un regard sur la diversité de la scène artistique allemande aux multiples facettes dans les trois institutions que sont la Kestner Gesellschaft, le Kunstverein de Hanovre et le Sprengel Museum de Hanovre. La troisième édition de Made in Germany est centrée sur les conditions de production de l'art en Allemagne et la question de l'influence des structures géographiques, politiques et institutionnelles, ainsi que des nouvelles technologies, pour l'émergence des conditions essentielles à la production artistique. Trois aspects centraux ont cependant été placés au premier plan de l'exposition et du livre : 1. L'espace en tant que lieu de production, site et environnement

Maki Na Kamura : B-DU DU

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Marcel Duchamp. The Curatorial Work

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Les mots et les images en sont légendaires : les déguisements et innombrables auto-mises en scène photographiques, ses commentaires ironiques, sarcastiques, humoristiques sur l'art, le marché de l'art, la critique d'art et l'histoire de l'art. On connaît moins en revanche le Marcel Duchamp qui savait s'engager avec empathie et développer une stratégie consciente pour les artistes de son milieu culturel contemporain : le commissaire d'expositions des années 1910 à sa mort en 1968, le juré et conseiller de collections, musées et galeries d'art moderne parmi les plus éminents. L'ouvrage parcourt environ soixante-dix expositions, complétées par les derniers résultats de recherche, et illustre la coopération étroite avec des personnalités importantes de l'époque : de Louise et Walter Conrad Arensberg, Katherine S. Dreier, Francis Picabia, Sidney et Harriet Janis à André Breton, Julien Levy ou Peggy Guggenheim.

Marcel Duchamp. The Women. Les Femmes. Die Frauen

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En 1942, la collectionneuse et galeriste de légende Peggy Guggenheim ouvre sa galerie The Art of this Century à New York. Dès 1943, elle y présente, avec Marcel Duchamp comme commissaire et le conseil d´artistes de l´époque, une exposition exclusivement centrée sur les représentantes de l´avant-garde. Au vu du nombre de visiteurs et de la diversité artistique, c´est alors une nouveauté dans l´histoire de l´art. L´exposition réunit des représentantes du surréalisme et des peintres abstraites, des femmes artistes d´influence dadaïste et de jeunes créatrices inconnues à l´époque. Cette nouvelle publication ouvre une perspective inédite sur l´« artiste du siècle » Marcel Duchamp. À travers des essais d´historiens de l´art et des portraits biographiques de plus d´une centaine de femmes, des débuts du modernisme aux années 1960, qui ont marqué la vie et l´oeuvre de Duchamp, elle recense les principales initiatives et coopérations qui ont accompagné et inspiré ses projets artistiques.

Marcel Odenbach : Es brennt

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Le catalogue, petit mais remarquable, qui paraît à l’occasion de l’exposition actuelle à la Kunsthalle de Nuremberg sort donc à point nommé pour illustrer les raisons de l’attribution du prix : depuis des années, l’artiste originaire de Cologne se montre moins intéressé par l’effet qu’il produit que par son environnement et ses contemporains, tandis qu’il traite dans ses dessins, collages, vidéos et installations des questions identitaires dans le contexte des genres, classes et sexes. Odenbach façonne des oeuvres dont la forme expérimentale et le fond théorique prennent pour sujet les rapports historiques du colonialisme et de la mondialisation autant que la force du normatif et du représentatif. Depuis le milieu des années 1970, il développe son langage visuel à travers des montages et des assemblages d’enregistrements cinématographiques ou télévisuels tirés d’archives ou de photographies et de séquences qu’il produit lui-même.

Marcus Weber : Krazy Dog Moon Kat

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Ce livre présente pour la première fois une vaste sélection de peintures de Marcus Weber (*1965) qui vit à Berlin. Il est compos ée d'images narratives ironiques, de portraits de groupes et paysages urbains allusifs aux reformulations grotesques des ordres sociaux, ainsi que de personnalités individuelles caricaturées et exag érées. On y trouve des éclairs de sophistication picturale qui font que certaines oeuvres peuvent être lues comme des caprices, désolées et romantiques en même temps. L'un dans l'autre, c'est un mélange grotesque qui est ici créé, moquant toute hiérarchie, basé autant sur la transition productive vers l'univers des bandes dessinées de Georg Herriman que sur l'histoire de l'art. Weber est un peintre de genre dans la meilleure tradition qui peint des images de la société. Il en fait une réaction subtile et à plusieurs degrés de la situation politique et sociale actuelle

Markus Proscek : Possession

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Markus Proschek (*1981), né en Autriche et qui vit aujourd'hui à Berlin, semble invariablement percevoir l'esthétique nazie subliminale et l'architecture totalitaire comme autant de défis artistiques. La statue de bronze de la « Nageuse » (2006), peinte à l'huile, en est un exemple. Elle renvoie d'une certaine manière à la tradition picturale de Psyché ou Narcisse, mais oscille esthétiquement en tant que beauté à la Breker entre la grandiloquence nazie et la froideur du Bauhaus. Les oeuvres extrêmement subtiles de Proschek cherchent à suivre la trace de cet équilibre ambivalent entre récupération idéologique et oeuvres d'art ouvertes à la manipulation interprétative. Le répertoire canonique se trouve ainsi parodiquement confronté à l'éventualité d'un désaveu lorsqu'il est présenté avec une touche d'insubordination. Jacques Derrida a déjà souligné que la culture et l'art ne constituaient pas une devise stable au sens où la signification est uniquement issue de la relation entre les choses, qui rend en même temps obsolète l'idée qu'il existe réellement quelque chose, comme une signification originale véridique.

Martin Boyce

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Martin Wöhrl : From Nose to Tail

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« Du nez à la queue » – le titre est une expression culinaire qui désigne la préparation la plus complète possible d'un animal, du filet aux abats et jusqu'à la queue. L'artiste a fait ce choix pour indiquer qu'il accorde la même importance à tous les matériaux qui composent ses sculptures et qu'il réutilise dans des combinaisons toujours nouvelles les restes de sa production. Martin Wöhrl construit ses sculp­tures en associant pour les faire dialoguer des éléments d'architectures existantes, sacrées ou profanes – par exemple du linoléum et du laiton. Cela donne parfois l'effet d'images oniriques concoctées avec soin. Depuis peu cependant, en accord avec sa conviction fondamentale d'une approche minimaliste du matériau, il a commencé à témoigner d'une prédilection pour le bois, le béton et le plâtre, empilant des cubes de béton, plaçant des cadres au mur ou disposant des tubes dans l'espace.

Mary Heilmann : Seeing Things, Visions, Waves And Roads

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Marylin Minter : Glamour Et Mauvaise !

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Matti Braun

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The Alien - En voyant les batiks et peintures sur soie de Matti Braun dans la salle d'exposition, ainsi que la manière dont il présente à leurs côtés des saris historiques dans ce même cadre, on commence à comprendre ce que veulent dire ceux qui expliquent que l'artiste explore des effets inattendus, souvent peu connus, de dynamiques interculturelles et donne à voir des modèles de migration artistique et de mépris culturel. De ses sublimes peintures sur soie, qui touchent au minimalisme comme au pop art, aux étoffes historiques du vêtement traditionnel, une jupe drapée portée d'Inde au Népal qui offre à ceux et celles qui s'en habillent, outre des versions de fête, des possibilités super-pratiques au quotidien dans les régions subtropicales, et qui se négocie aujourd'hui dans les ventes aux enchères, tout comme il est accroché, monté en tableau et encadré dans les musées d'Asie et d'Europe.

Michel Sauer : erzählen (raconter)

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« Les choses et les images racontent chacune sous une forme propre. D’abord dans un langage de vision qui touche la raison et les sens pour s’y ramifier. Un lien apparaît qui englobe ce que l’observation invente. Alors que le présent et le souvenir reflètent l’inexplicable en apparence, une représentation de la perception individuelle apparaît. Sans cesse, un récit continue de grossir, nourri de petites particularités visuelles et d’observations excessives. » C’est ce qu’écrit Michel Sauer lui-même à propos de son travail. L’artiste, né en 1949, a étudié à Karlsruhe auprès de Horst Antes et d’Emil Schumacher, il a reçu le prix Junger Westen en 1972, a obtenu une bourse de la Villa Massimo en 1980, a reçu le prix Villa Romana en 1994 et a ensuite enseigné de 1994 à 2014 à l’université de Siegen. Le présent ouvrage offre un aperçu de sa création des années 1970 à 2022. C’est, d’après l’éditrice Eva Schmidt, le travail plastique qui y intéresse avant tout l’artiste. Michel Sauer aurait toujours considéré ce dernier comme une perception abstrayante d’une combinaison d’improvisation et de travail artisanal avec les matériaux bois, zinc, cuivre et laiton. Ce qui aurait stimulé sa recherche de l’unité des images de représentation et de souvenir – une unité réalisée dans l’interaction médiale de la poésie et de sa « matérialisation » toujours possible.

Michel Würthle : le cinéma de la vie

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Michel Würthle a fondé en 1972 le restaurant EXIL à Berlin-Kreuzberg. Par je ne sais quelle aptitude, peut-être tout simplement parce que son patron fréquentait les artistes et les respectait, l'EXIL est rapidement devenu le lieu le plus important de la scène berlinoise. En 1978, il vend l'EXIL pour acheter avec Reinald Nohal le PARIS BAR, plus central, qui devient immédiatement le lieu mythique qu'il est toujours. La personnalité de Michel Würthle agit comme un aimant. Les meilleurs artistes, comme avant, continuent d'échanger boissons et repas contre des oeuvres qui viennent orner la salle du sol au plafond. On vient aussi pour voir cette nouvelle caverne d'Ali Baba, admirer ce café qui reprend le principe de la Colombe d'Or de Saint-Paul de Vence avec la dérision et l'autodérision du vaste mouvement punk qui a submergé la planète mais qui ne se retirera jamais complètement du PARIS BAR. Cette persévérance est une énigme. On la doit à la personnalité de Michel Würthle.

Moment. Monument

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Notre publication à l'occasion de l'exposition « Moment.Monument » au Kunst Museum de Winterthour présente les différentes positions de la sculpture contemporaine à l'échelle internationale, écartelée entre sa nature pérenne et son caractère éphémère. Elle analyse la contradiction entre la conception traditionnellement durable du monument et les approches processuelles dans la sculpture actuelle. Car à la différence des représentations de l'Avant-garde, les démarches artistiques ne doivent plus aujourd'hui s'affirmer sous forme de rupture radicale avec la tradition, mais s'appuient au contraire naturellement et sans complexe sur les recherches formelles qui touchent au passé. Le rapport aux positions historiques est large, innovant, multiple et indépendant. Il est approfondi par des approches orientées vers le processus, des matériaux nouveaux et des techniques contemporaines. Monuments d'un présent aussi volatil que fragile.

Monica Bonvicini : Hot Like Hell

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Avec ses installations, sculptures et dessins, Monica Bonvicini a créé une oeuvre complexe reconnue internationalement qui lui a notamment valu d’être récompensée en 1999 par le lion d’or à la Biennale de Venise ou, tout récemment en 2020, par le prix Oskar Kokoschka à Vienne. L’ouvrage reproduit deux séries de dessins récentes : la première prolonge la série « Hurricanes and Other Catastrophes » commencée en 2006 à l’occasion des dévastations causées par l’ouragan Katrina et élargit le regard, d’abord centré sur la soudaineté des destructions après le passage de l’ouragan à La Nouvelle-Orléans, à des représentations de maisons endommagées par les changements climatiques à long terme. La deuxième série, créée pendant le confinement, nous entraîne dans des paysages gris sombre et rose délimités par des clôtures, des chaînes et des lignes de texte.

Monika Brandmeier : A Tropical Mood, Only A Lot Cooler

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Une ambiance tropicale, juste un peu plus fraîche : Au début des années 1980, une pluralité de perspectives s’est imposée au postmodernisme et, d’une part, n’a plus trouvé de consensus en matière de goût, ainsi que l’a fait remarquer Jean-François Lyotard, tandis que, d’autre part, elle offrait une diversité croissante de styles et projets de vie. Ces signes avant-coureurs marquent le début du travail artistique de Monika Brandmeier, que ses tonalités étrange- ment mystérieuses et sensibles distinguent de ses jeunes contem- porains moins sages. Elle travaille avec la langue, dont elle fait sa source d’inspiration et son moyen d’expression, pour atteindre un langage formel essentiellement géométrique qu’elle tente aussi en permanence de charger sémantiquement au-delà de la seule matérialité. « Elle », écrit Christian Ganzenberg dans sa contribution, « qui mise sur la distance intellectu- elle et physique des spectateurs à l’oeuvre d’art, et non sur l’immersion physique et émotionnelle, découvre à la rencontre de l’abstraction et de la concrétion son point de départ personnel à partir duquel elle suit les tendances réductionnistes et surréalistes autant qu’une confron- tation sensorielle-intellectuelle de l’espace et de la langue. Ses oeuvres se déploient au-delà de la rigueur et de la litote calculée d’une pratique artistique rationnelle, elles sont sans cesse de nouveau traversées par un humour énigmatique, tel qu’on le trouve aussi dans les textes automatiques de Francis Picabia, les expériences linguistico-typo- graphiques d’une Gertrude Stein ou les poèmes de Rolf-Dieter Brinkmann.

Mother's Tongue

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Au centre du travail photographique de Carina Brandes (*1982) se trouve son corps dont elle fait - sur un mode déjà presque « cool », selon une lecture aujourd'hui fréquente - la matière de sa production artistique. Cela donne lieu à des confrontations pour ainsi dire surréalistes entre son corps et les univers d'objets les plus divers qui transforment en mystérieuses circonstances pleines de désirs latents les décors en apparence quotidiens. Dans le contexte actuel de la politique autour du genre et du corps, celui des femmes est généralement assimilé à l'horreur et au sexe, associ é aux victimes de maltraitances, ou encore dégradé au rang d'objet publicitaire suscitant l'excitation. Brandes y oppose sa vision non explicite dans un monde délibérément privé d 'hommes, déterminée par une objectivité abjecte autant que par des moments de sensualité pleins d'humour. L'artiste, que la gymnastique artistique pratiquée de depuis sa plus tendre enfance a familiarisé avec son corps.

Natalie Czech : Cigarettes Ends

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De quoi peut-il bien s'agir – « High Life », « Job » ? Avec « Cool » ou « Kiss », les associations n'ont pas de limites. Et pour « fact » « true » « fact », qui ne penserait à la plus grande des machines à tweets et sa crinière orange. Le rapport entre texte et forme visuelle est l'un des thèmes principaux abordés par l'artiste Natalie Czech, née en 1976 à Neuss, qui vit aujourd'hui à Berlin. Dans ses séries d'œuvres photographiques, elle s'attache à la question de l'interaction dynamique entre le texte et l'image. La série des « Mégots » (« Cigarette ends ») vient de sortir, pour la réaliser, Natalie Czech a acquis des paquets de cigarettes des années 1940 aux années 1970 aux noms aussi marquants que « fact », « true » ou « kiss ». Elle place les mégots à côté ou au-dessus les uns des autres sur des fonds de couleurs différentes et les photographie. Les noms des cigarettes, toujours visibles sur les filtres composent des poèmes minimalistes.

Neue Sachlichkeit

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C’est la découverte d’une abondante peinture figurative depuis quelques années qui a donné le coup d’envoi de l’exposition objet de ce livre. Au coeur de l’omniprésence des univers visuels numériques, les artistes contemporaines qui y sont représentées reprennent les concepts d’objectivité et de facticité à travers leurs différentes interprétations du figuratif et de la représentation. Alors que la flâneuse a cessé d’exister et cède sa place à la « scrolleuse » – et que le monde s’ouvre à nous sous nos doigts –, le réel et le surréel se mêlent nécessairement l’un à l’autre.

New Beginnings

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Next Generations

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Les « écoles de photographie » rhénanes ont une envergure internationale. Les noms de Bernd et Hilla Becher notamment sont associés à la photographie en tant que média conceptuel, c'est de leur cours à la Kunstakademie de Düsseldorf qu'est issue la célèbre « école Becher ». Depuis 1990 et la filière diplômante « médias audiovisuels » (Audiovisuelle Medien) mise en place à l'Académie des arts médiatiques (Kunsthochschule für Medien) de Cologne, un lieu d'avenir entièrement nouveau de l'enseignement et de la pratique de la photographie d'art a vu le jour. Les artistes de « Générations futures. Photographie actuelle made in Rhénanie » suivent pour le fond les approches conceptuelles, mais élargissent la photographie dans l'espace, l'image animée, la peinture, la poésie, le graphisme et le photographisme.

Nick Goss : Margaritas at the Mall

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Les nouveaux tableaux de Nick Goss semblent viser le mode du souvenir – comment il renferme nécessairement à tout moment plus qu’un seul lieu et plus qu’une seule logique. On y reconnaît cependant facilement, d’un autre côté, la logique du collage moderniste ou de la contrainte cubiste de découper les objets. La fragmentation de ces oeuvres pourrait donc être plus vue comme un genre de sampling tel que la musique le pratique. Cette distanciation révèle un certain humour, comme les tableaux de Goss, et ce que nous voyons dissimule bien plus encore, aussi plat, moisi ou vain que cela paraisse. C’était bien dans la Bowling Alley, jusqu’au moment où cela ne l’a simplement plus été... non ?

Nicole Eisenman et les modernes. Têtes, baisers, combats

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Nicole Eisenman (*1965) vit à New York, son œuvre frappe par la fascination pour la condition humaine qu’elle affiche, les questions de l’interaction interhumaine qu’elle pose et l’observation précise des processus de détachement civilisationnel dont elle témoigne. Dans ses peintures et sculptures, l’artiste associe des éléments de contextes culturels popà des références traditionnelles de l’histoire de l’art pour former une unité nouvelle. « Têtes, baisers, combats » rassemble des œuvres de toutes ses périodes de création. Sur le fond de cette pratique artistique qui met en évidence, outre les influences de la culture pop, divers éléments stylistiques et compositions repris à la peinture historique, l’exposition et l’ouvrage l’associent à des œuvres classiques modernes tirées des collections des musées participants et ouvrent ainsi une chambre de résonnance de plus d’un siècle où les bouleversements sociaux s’affichent dans leur urgence, mais aussi dans l’espoir et la confiance.

Nils Nova : Works So Far

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Ocular Witness

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Au coeur du projet « Témoin oculaire : conscience porcine » (« Ocular Witness: Pig Conciousness ») se posent des questions sur le rapport à soi et au monde de l’être humain. Des problématiques complexes de pertinence mondiale sont soulevées lorsque le rapport au cochon est évoqué. Quatorze artistes, engagés dans un processus de recherche collective, participent à l’exposition et au livre, appliquant différents procédés esthétiques et stratégies artistiques pour s’approprier chacun un aspect du sujet. Des projets comme la « Maison pour cochons et hommes », réalisée en 1997 par Carsten Höller et Rosemarie Trockel, ou « Aliments » (2012) de Michael Schmidt sont associés à la réflexion. Au-delà de la présentation au musée Sprengel, les oeuvres qui ont vu le jour sont destinées à fonctionner comme autant de modules auxquels leur souplesse permet une utilisation dans d’autres lieux tels que centres communautaires locaux, auberges de campagne, associations de défense du patrimoine ou organisations rurales de femmes. Le projet rejoint les réflexions d’Alan Sekula sur la manière de traiter des questions politiques aussi concrètes que complexes et de les mettre en débat avec des moyens artistiques, il interroge aussi sur la mesure dans laquelle les productions artistiques peuvent formuler et apporter un témoignage.

Olaf Metzel: I like the black square more than the red flag

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Olaf Metzel : Je préfère le carré noir au drapeau rouge ! Tous les quatre ans, le prix Jerg Ratgeb est remis par la fondation HAP Grieshaber de Reutlingen qui a déjà récompensé notamment Lucian Freud, ainsi que Joannis Avramidis la dernière fois, en 2014. Le prix 2018 a été attribué à Olaf Metzel, il incarne « la liberté de l'art et la non-violence dans la lutte pour plus d'humanité ». Jerg Ratgeb (1480-1526) était un peintre du Sud de l'Allemagne. Pendant la guerre des Paysans, il est élu conseiller militaire et chancelier par les insurgés, puis combat aux côtés du duc Ulrich pour récupérer le territoire de ce dernier et sera finalement traduit en justice en 1526, condamné pour haute trahison et « écartelé par quatre chevaux ». L'ouvrage, publié à l'occasion de la remise du prix présente, avec des vues de l'exposition, une rétrospective chronologique de l'oeuvre d'Olaf Metzel qui s'est distingué dès le début par son réalisme parfois dur et ses mises en scène spectaculaires !!

Olafur Eliasson. Symbiotic Seeing

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Après la spectaculaire présentation de son travail à Londres, Olafur Eliasson (*1967) expose début 2020 une installation entièrement et spécialement revue pour la Kunsthaus Zürich. Ce sont ces oeuvres de l´artiste islando-danois qui attirent comme par magie les spectateurs*trices. Olafur Eliasson, lorsqu´il en parle, explique que ce qui lui importe avant tout c´est l´expérience de la rencontre physique avec l´oeuvre elle-même. Lui qui compte depuis des années parmi les plus grands artistes contemporains a commencé très tôt à traiter le sujet de la durabilité et ses thèmes sur fond d´écologie parlent aujourd´hui à de nombreux visiteurs*trices. C´est pourquoi le livre comme l´exposition tournent aussi autour de notre rapport aux autres espèces et formes de vie sur Terre. Le plaidoyer d´Olafur Eliasson pour une conception d´un monde de coexistence et de collaboration est particulièrement manifeste lorsqu´il transforme l´espace muséal en une seule installation immersive.

Oliver van den Berg: Works

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« Les produits de l’homme permettent d’en apprendre sur sa nature, telle est la thèse de départ d’Oliver van den Berg, connu pour ses objets construits sur le modèle d’appareillages techniques tels que radars, boîtes noires d’avions ou projecteurs d’étoiles », selon Hilke Wagner. Il en résulte des sculptures à la forme accomplie et à la grâce futuriste-technoïde, réduites à leur surface parfaite, dépouillées de leur fonction et ramenées à leur seule apparence prototype. Oliver van den Berg les réalise le plus souvent en bois, le matériau par excellence du sculpteur. La confrontation de ce matériau avec la fonction des modèles techniques qui brillent de tous leurs feux lui permet de démontrer toute l’absurdité des utopies progressistes tout en posant la question de l’original et de la représentation. « Cette appropriation par l’art de la réduction à la qualité esthétique ouvre la possibilité d’une réflexion désintéressée, puisque toute invention technique est aussi la projection des rêves et insuffisances des hommes. À cet égard, son travail doit être situé dans la tradition culturelle historique des analogies entre l’homme et la machine. » L’aperçu de ses oeuvres depuis 1990 présenté dans ce volume est classé par l’artiste lui-même en catégories telles que trompe-l’oeil, documentation, doublon, souvenir, récit, modèle, imitation, parodie, réplique, illusion d’optique, traduction, essai, perfectionnement, répétition, citation. Sa devise : « On fait ce qu’on fait ».

Olivier Mosset. TUTU

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Depuis le milieu des années 1970, Olivier Mosset (né 1944 à Berne) est considéré comme représentant des Radical Paintings qui prônent une conception abstraite géométrique de la peinture et ont écrit une page d'histoire de l'art avec l'exposition de leur style marquant « Radical Painting » en 1977 à Williamstown, New York. L'un de leurs idéaux serait de noyauter l'originalité artistique par l'objectivité et le sérialisme. Comme point de départ, la question se pose de ce qu'est la peinture et comment elle fonctionne. Olivier Mosset a créé autour de cette problématique une oeuvre variée de monochromes et tableaux abstraits géométriques qui échappe à toute attribution mystifiante. La boucle s'achève avec ses travaux récents, comme celui de 2013 qui donne son titre à l'ouvrage, « TUTU », et qui fait référence au dessin d'un autre artiste, une ballerine de Marcel Duchamp.

Paradise Handbook

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PARADISE HANDBOOK dévoile une vision concise de la genèse du film « Paradise » que Sina Ataeian Dena est parvenu à réaliser en Iran au cours d'une longue période, sans autorisation de tourner et avec un tout petit budget. La séquence qui en résulte a été sortie du pays et la première du film a eu lieu en 2015 au festival du film de Locarno. Ce journal de tournage révèle un aperçu fascinant de la manière dont l'équipe du film a su gérer avec créativit é les restrictions massives. Il met à jour les efforts logistiques, stratégiques et techniques sous-jacents à la base des images et des scènes auxquels l'équipe a eu recours pour contourner les restrictions pléthoriques. Créé comme un documentaire, le film se présente au spectateur avec des scènes d'une vie en apparence mondaine. La censure iranienne contrôle scrupuleusement, surtout dans les longs métrages, tout ce qui pourrait être compris comme une critique telle la dissimulation (absolument indispensable) des personnages féminins, de sorte qu'il est totalement inimaginable de montrer des adolescentes danser sur de la musique pop dans un bus scolaire ou pendant les récréations.

Paragones & Afterimages

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« Modèles / reproductions » ´ deux termes qui renvoient aux rapports entre les images, mais aussi à leur production sur la base d´images déjà existantes. Des photographies étaient notamment utilisées comme « références » ou « modèles » dans les académies d´art et écoles d´art appliqué du 19ème et du début du 20ème siècle où elles constituaient à elles seules un type didactique d´images. Les modèles photographiques étaient un outil important pour les artistes en herbe et leur pratique créative

PAUL SCHWER - From Both Ends

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Paul Schwer (* 1951) ne manque pas d'aplomb lorsqu'il intervient, par le biais de ses sculptures et oeuvres picturales, dans les architectures existantes ou les paysages. Son répertoire de formes et de matières vise pourtant depuis toujours à la sculpture autonome car c'est en elle que se reflètent le plus les circonstances culturelles et sociales. Tout a commencé à la fin des années 1980 dans la peinture avec des motifs figuratifs dont la matérialité semblait se dissoudre dans des constellations de couleurs apparemment estompées. Dans les années 1990, l'artiste a ensuite commencé à se sentir à l'étroit dans son espace, ses tableaux ont quitté le mur et dans le motif se tordant en spirale comme une molécule d'ADN qu'il a inventé, la couleur et la lumière s'entrelaçaient à l'espace et au mouvement. Les oeuvres ainsi nées font l'effet du brut, du cassant, comme bricolées, mais sont aussi dotées d'une aura lumineuse et sont tout simplement belles.

Peter Roehr - Field pulsations

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En des années soixante Peter Roehr (1944-1968) compte parmi les artistes les plus avancés et les plus radicaux de son époque. Son travail en série sans compromis fait comme aucun autre le pont entre ces mouvements et touche aussi aspects du happening, de l'appropriation, du process art et de l'op art. Dans cette publication, Sarah Hayden et Paul Hegarty analysent pour la première fois en détail les réalisations de Roehr dans les tensions médiatiques du texte, du film, du son, de l'objet, de la photographie et des expositions organisées, le tout sur le terrain de la pratique en série.

Peter Saul

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C'est sans doute au cours des années 1960 que le média peinture a commencé à se cannibaliser et qu'il est ainsi entré dans cette boucle dont il n'est pas encore sorti de répétition, mutation et transformation où sa déformation devient la proie de déformations répétées à l'infini. Peter Saul (*1934 à San Francisco) est l'un des principaux protagonistes de ce processus de déformation, sans cesse et toujours à tort imputé exclusivement au Pop Art. Il n'en a pas moins créé dans son oeuvre picturale autant que graphique un amalgame complexe de haute culture et de contre-culture qui réunit bande dessinée, pop, surréalisme, expressionisme abstrait et la critique radicale (et parfois absurde) de la société qui est celle des « rebelles du haschich ». Ce type de peintre n'a jamais compté parmi les partisans de Reagan ou des Bush, néanmoins, réduire son travail à l'agit-prop politique reviendrait à ne pas voir dans ses tableaux l'impulsion hédoniste d'un désir de composition parfois baroque.

Peter Zimmermann : SWIPE

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L’oeuvre de Peter Zimmermann revêt des formes multiples. À la fin des années 1980, les « Book Cover Paintings » ou peintures de couverture de livres y dominaient – l’artiste de Cologne a peint des titres d’atlas, de livres d’art, de guides de voyages et de dictionnaires à la résine époxy sur toile. Pour ses objets en carton, il a ensuite travaillé avec des distorsions spatiales de texte et d’image en prenant pour thème les boucles et leurs interactions. Ils ont été suivis de la série à succès de toiles aux couleurs éclatantes et aux formes peintes purement abstraites, pour lesquelles l’artiste commence par altérer des modèles numériques, des photos, des photographies de plateau ou des diagrammes à l’aide d’algorithmes graphiques, avant de les appliquer en multiples couches de résine époxy transparentes. Depuis 2014, fidèle à cette approche, Peter Zimmermann mise de nouveau plus sur la peinture à l’huile et crée des mers ondoyantes de tentacules grouillants baignées de couleurs vives. Enfin, pour le nouveau volume 2023 des livres d’artistes Kienbaum Artists’ Books intitulé « Swipe », l’artiste a fouillé dans ses réserves et amassé ses sources et ses travaux en un incroyable pot-pourri. Les analogies qui se font jour révèlent un travail en profondeur sur le rapport entre original et copie et la notion de surface. Mais on a rarement vu un examen autodidacte des sources aussi hilarant.

Photographic Concepts

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L'ouvrage donne une vue d'ensemble de l'oeuvre de Hans Eijkelboom, qu'il poursuit sans discontinuer depuis plus de quarante ans en portant un regard scrutateur sur l'« identité humaine ». Ses débuts remontent à l'art conceptuel des années 1970 et leur nouvelle compréhension médiatique de la photographie. Si l'artiste se représentait parfois lui-même en train de dialoguer avec d'autres dans ses premières séries, ce sont les rues des métropoles internationales qu'il considère aujourd'hui comme son atelier idéal.

Pia Fries : tausend : einerlei

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Pia Fries (*1955) applique la peinture directement sur ses toiles, sous forme de masse épaisse ou de trace fluide ; elle joue ce faisant avec les textures, les factures et les formes qui se répètent. À l’exact opposé de sa peinture, son graphisme alterne de manière fascinante entre figuration et abstraction, entre histoire et présent. Pia Fries, élève du maître Gerhard Richter, a fait ses études de 1980 à 1986 à Düsseldorf et a acquis une vaste renommée internationale depuis sa participation à la Biennale de Venise en 1999.

Pia Pollmanns. Die Wege der Elisa Kosch

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Dans sa première publication, Pia Pollmanns associe l'histoire de sa grand-mère Elisa Kosch à une recherche photographique dans l'ancien district de Neumarkt, près de Wroc'aw. Le récit de la grand-mère raconte sobrement et sans grand sentimentalisme la vie à la campagne dans cette province silésienne, l'expulsion des Allemands à laquelle a donné lieu la fin de la Seconde Guerre mondiale et le déplacement vers l'ouest de la Pologne par les puissances victorieuses. Les photographies de Pia Pollmanns montrent le présent et la nature encore très agricole de la région, le caractère sinistre commun à l'UE de l'exploitation désertique et le déclin bien connu tout aussi général des grandes fermes. Le paysage dont est tracé ce portrait impressionnant, par nature postsocialiste, correspond aujourd'hui à celui des « non-lieux » occidentaux où domine partout le même mélange de perfection industrielle de la culture et de déchéance des traditions rurales et des structures villageoises.''

Picasso In Contemporary Art

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Poul Gernes - Retrospective Cat. Deichtorhallen Hamburg

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Priska von Martin

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Ce qui faisait avancer Priska von Martin, c'était de saisir l'humanité en tant que chose Elle essayait d'esquisser avec l'art ce qui fait l'existence humaine, y compris l'isolement, la dysfonctionnalité, la douleur, mais aussi l'harmonie, la globalité et la beauté. Elle restituait l'essentiel de l'existence humaine dans des personnages d'animaux, des corps féminins et des torses. Son art visait tout autant le corporel, le visiblement physique — blessure, décalage, déplacement — que le spirituel, l'invisible, insaisissable — sentiments, instincts, états. Mais qui était Priska von Martin ?

Psycho. Ena Swansea And Robert Lucander

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Qin Yufen : Life

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Barbelés et soie Qin Yufen (née en 1954 à Shandong, vit à Beijing ou Berlin) est l'une des artistes chinoises leader de sa génération. Elle travaille dans des installations intérieures de grandes dimensions avec, notamment, du fil de fer barbelé, du bambou, de la soie et des séchoirs à linge - un amas de matériaux qui est depuis devenu en quelque sorte sa marque de fabrique. Souvent ses travaux reflètent des intérêts politiques et sociaux, mais sans pour autant les mettre en évidence. Si elle a traité de préférence le passé culturel de la Chine dans ses installations antérieures et, dans ce contexte, sa propre empreinte et identité, elle s'intéresse aujourd'hui surtout à la victimisation croissante dans le monde. Les espaces et les travaux entrent dans une relation de composition qui peut être qualifiée d'état de tension entre vide et intervention. Il en résulte des « images » d'une réalité où ll'opposition entre fil de fer barbelé et soie incarne les contradictions de la vie moderne.

Ralf Ziervogel : As If

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Les motifs sensationnels se déploient sur les bandes de papier qui atteignent parfois 10 mètres de Ralf Ziervogel (*1975) : sans dessin préalable, des tracés à l'encre apparaissent et montrent des personnages de la taille d'une main dans des situations extrêmes : ligotés, enchevêtrés et noués les uns aux autres. Les motifs fins et complexes forment essentiellement des corps humains qui sombrent dans la monochromie ou se déploient en assemblages ornementaux. Sous la main de Ralf Ziervogel, les corps humains deviennent des êtres hybrides fébriles, soumis à toutes les métamorphoses imaginables de l'être et qui se heurtent par-là même aux limites de l'existence physique. Ses oeuvres récentes paraissent plus abstraites que les travaux fantastiques qui ont fait fureur il y a 10 ans, ils ont aussi l'air d'avancer en tâtonnant vers un langage formel minimaliste avec lequel l'artiste formule l'antagonisme qui ne marque pas le début de sa création : mouvement et calme.

Remembering Landscape

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Quel sens a le paysage aujourd'hui ? Désigne-t-il encore l'idéal romantique d'un espace naturel, agricole et de peuplement diversifié ? Les paysages modernes actuels sont souvent des « non lieux ». Ils portent les traces des interventions économiques, les nouvelles délimitations en sont marquées par les déplacements et la guerre autant que par l'extension et l'exploitation minière. Il arrive assez souvent qu'un seul type de nature résiduel demeure où quelques ruines racontent les grands évènements historiques. Les paysages arides qui parlent de la violence passée sont rétrogradés au rang de matériel (explicatif). En même temps, les mémoires (de guerre) sont manifestement exprimées dans les monuments architecturaux du 20ème siècle. Dans cette exposition et dans bon nombre des contributions au gros volume qui l'accompagne, 24 artistes et groupes d'artistes donnent vie au thème du paysage. Des paysages sont présentés entre fiction, symbolisme et documentation, ils font appel à notre capacité à lire et déchiffrer ces images - et, de manière assez naturelle, à notre imagination et notre capacité à ressentir de l'empathie. Artistes : Luc Delahaye, Lukas Einsele, Cyprien Gaillard, Jan Kempenaers, Anselm Kiefer, Aglaia Konrad, Armin Linke, Richard Mosse, Andreas Mühe, Multiplicity, Paul Nash, Alexandra Navratil, Unknown Fields Division, Paul Virilio et. al.

Rémy Zaugg : The Particular Place

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Rémy Zaugg (1943– 2005) était un artiste de portée internationale qui vivait et travaillait à Bâle et Mulhouse. Lui-même se voyait comme un peintre, mais il ne se contentait pas de produire des tableaux. Il générait à partir de sa pratique de la peinture des hypothèses générales pour une compréhension procédurale de l’oeuvre où il mettait en lumière d’un oeil neuf et inédit des contextes spatiaux, architecturaux et urbains. C’est pourquoi ses réflexions plaçaient toujours au centre l’homme qui perçoit (der wahrnehmende Mensch) en tant que membre de la société – ses hypothèses esthétiques débouchaient toutes sur l’idée émancipatrice du sujet « devenant ». Outre son oeuvre picturale et écrite abondante, ses activités et projets pour et dans l’espace public sont eux aussi, par conséquent, essentiels pour comprendre la position artistique particulière de Zaugg. C’est à ce complexe thématique socialement pertinent qu’est voué ce livre qui documente tous les projets le concernant de l’artiste, réalisés et non-réalisés, et s’attache particulièrement aux principaux axes suivants de sa création : architecture muséale (et particulièrement la collaboration avec Herzog & de Meuron), expositions avec les oeuvres d’autres artistes, art dans l’espace public, et son travail qui réunit théorie et pratique sur la méthodologie artistique, la coopération et le concept d’oeuvre.

Riotous Baroque From Cattelan To Zuebaran

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Robert Schad: Die Spur (La Trace)

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C’est à Freiburg, où Robert Schad, né à Ravensburg, en Haute-Souabe, a longtemps eu son atelier avant de s’établir à Larians, dans le département de la Haute-Saône, et à ­Chamosinhos, dans le Nord du Portugal, que se trouve sa dernière oeuvre conçue en 2018 et réalisée en 2021. LA TRACE (DIE SPUR) est le résultat d’un concours d’art intégré à l’architecture pour le nouveau bâtiment de l’Institut de ­modélisation des maladies et de médecine ciblée (Institute for Disease Modeling and Targeted Medicine/ IMITATE), un centre de recherches en génétique de la clinique universitaire de la ville. Une quarantaine de morceaux d’acier sont assemblés du côté rue du bâtiment en une composition horizontale de 15 x 27 x 7 mètres qui dessine dans l’espace une ligne sinueuse au rythme libre et produit, en dépit de sa taille et de son poids, du manque de flexibilité et de la nature anguleuse du matériau de ­départ, des impressions divergentes – de la nature végétale à la décharge d’éclair ou radio, en passant par une danse d’expression sculpturale. LA TRACE s’adresse à l’être humain dans son ensemble, à nos sens et à notre conscience, inséparable de notre vécu intériorisé de l’histoire, de l’art et du corps. Avec ce nouveau travail à Freiburg, Robert Schad a une fois de plus créé une oeuvre qui équilibre dans une hiérarchie parfaitement maîtrisée forme, contenu et teneur et les met en scène avec brio. L’ouvrage richement illustré aux nombreuses vues de détails, plans et dossiers du projet, renseigne sur le processus complet, de la création de la sculpture à son montage final.

Robert Smithson, Invention Of The Landscape

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Roman Signer: New Works

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Une tondeuse à gazon automatique fait tinter une clochette, un ballon gonflable laisse une trace dans le sable, un bateau navigue sur des tonneaux. Chez Roman Signer (*1938 à Appenzell), tout est en mouvement - sans règle, on peut se demander à quel point cela inspire son discours ? Non, l'artiste conçoit bien plus la sculpture comme une description procédurale d'un état et étend ainsi les trois dimensions familières des objets à une quatrième : le temps. Ce qui a valu à ses travaux d'être appelés « sculptures temporelles » (Zeitskulptur). Les travaux de Roman Signer occupent pourtant déjà depuis longtemps une position éminente sur la scène internationale, il était notamment présent à la documenta (1987), aux Skulptur Projekten de Münster (1997). Le livre de la Kestnergesellschaft présente donc un artiste parfaitement connu et ses toutes dernières oeuvres qui nous comblent une fois de plus avec la poésie inhérente aux choses et le grotesque au quotidien.

Ronald Kodritsch. Neue Frisuren Für Die Ewigkeit

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On s'est habitué à lire à quel point l'art peut changer le monde, ouvrir de nouveaux points de vue, surprendre en montrant l'inconcevable et le nouveau. Cette lecture porte inscrite en elle l'expectative que le monde aurait une autre apparence, qu'il serait corrigé pour ainsi dire par une conception de l'art en mesure tout au moins de maintenir vivante l'idée qu'un changement est possible. L'époque au cours de laquelle Kodritsch a décidé de devenir l'artiste, était caractérisée par une crise de conception de l'art, portée par un scepticisme post-moderne envers la prétention du progrès et de l'art à améliorer le monde. En ce sens, le disparate fournit les coordonnées du contexte culturel à partir duquel et dans lequel la pratique artistique de RONALD KODRITSCH s'est développée. Les références dans l'oeuvre de Kodritsch traversent l'histoire de l'art, de la peinture romantique à l'abstraction et l'expressionisme abstrait, de Kippenberger & Co.

Sabine Kuehnle : Stories from the North

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« Temps des haches, temps des épées, les boucliers sont fendus, temps des tempêtes, temps des loups, avant que le monde s'effondre... » La vision murmurée de la prophétesse dans le chant de l’« Edda » nordique évoque un univers légendaire où règne la violence, surtout la violence des mots. Sabine Kuehnle lui donne forme dans une installation monumentale qui mène au frêne Yggdrasill, représentation du cosmos tout entier dans la mythologie nordique. Sa cime relie la terre au ciel, ses racines plongent profondément jusqu’au puits où se trouvent trois figures féminines. Elles disposent de notre destin et leurs noms ont pour sens : passé, présent et avenir. Sabine Kuehnle reconnaît leur influence, ce qui permet de les associer à d’autres impressions, personnages, images et récits pour voir s’ouvrir de nouvelles narrations et de nouveaux espaces. Le cheminement s’en approche parfois d’une recherche scientifique précise, avant de procéder de nouveau par une voie purement associative. Toute séparation entre la quête la plus intense et la dérive la plus libre est abolie, le conscient et l’inconscient doivent confluer et se fondre l’un dans l’autre. Assembler et transformer les matériaux, les textures et l’espace afin qu’ils agissent comme un poème : telle une pensée condensée, habile, brute, claire et parfois dure, c’est ce qui fait la particularité des oeuvres de Sabine Kuehnle.

Sabrina Haunsperg : Works 2008 - 2018

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Le livre pour l'exposition de l'artiste autrichienne Sabrina Haunsperg (* 1980) et présente des oeuvres des dix dernières années ou tout juste sorties de l'atelier, mais présentées au public pour la première fois. Sabrina Haunsperg réalise des tableaux aux couleurs intenses, dynamiques et pour la plupart grand format à l'aide de différentes techniques et matériaux. Elle attache beaucoup d'importance à la qualité de la peinture qu'elle mélange selon des recettes traditionnelles. Elle applique la couleur au pinceau, au crayon, au pistolet ou en la déversant sur la toile dans un effort de tout le corps. L'interaction de la conception soigneuse et de la curiosité expérimentale donne lieu à des couches multiples de surfaces colorées superposées, de couleurs entremêlées et d'explosions colorées débordantes d'énergie. Les tableaux achevés fascinent l'observateur autant que leur procédé de réalisation par le rapport tendu entre la surface de l'image et sa profondeur.

SAND by Oliver Lenzen

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Le sable reflète presque toutes les facettes de la nature. Le sable a sans doute aussi été la première matière que les organismes marins ont rencontrée lorsqu'ils ont osé le premier pas décisif vers la terre. D'usage uniquement singulier, le sable est déjà la désignation d'une multitude. Environ 70 photographies de grains de sable occupent les pages de ce livre, entièrement détachés de tout contexte, et donc soustraits au sable en tant que tel. Aucun n'est semblable à un autre. Car c'est presque trop absurde pour pouvoir être imaginé, mais il n'existe sans doute aucun grains de sable aux caractéristiques parfaitement identiques sur la terre. L'écart entre l'uniformité de la masse et l'individualité réelle de ses composants est particulièrement digne de mention si l'on réalise qu'on estime à près d'un milliard le nombre de grains de sable qui apparaît chaque seconde sur terre à la suite de processus d'érosion. Et comment deviennent-ils ronds ? Le sable obéit aux lois de la gravité.

Sculptures Made Of Paper

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Sculptures de papier : C’est dès 1912 que Pablo Picasso introduit le papier comme matériau avec sa « Guitare » et dans les années 1920, analysant le fonctionnement de l’image, ce sont les travaux sur papier de Kurt Schwitters qui lui donnent l’idée de son collage tridimensionnel le Merzbau. Depuis, le matériau papier est devenu incontournable des œuvres visuelles et sculpturales. Les Affichistes notamment déchireront les affiches des rues de Paris après la Deuxième Guerre mondiale pour créer de nouveaux contenus en collant les fragments de publicités. Ou dans les années 1960, lorsque le papier se fera rare car l’art se devait d’être disponible à tout moment, bon marché et facilement transportable.

Serielle Formationnen 1967/2017

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En 1967, Peter Roehr et Paul Maenz étaient les curateurs de l'exposition « Formations sérielles » pour la galerie studio de l'université de Francfort/Main, ce fut l'une des toutes premières expositions sur l'art minimal en Allemagne. La collection d'art Daimler avait déjà en son temps produit un résumé de qualité des tendances minimalistes internationales actuelles et les avait confrontées aux positions d'artistes allemands. Les 62 oeuvres présentées de 48 artistes ont été sélectionnées selon un critère, le principe de l'ordre sériel comme caractéristique visuelle des tableaux et objets. Des concepts très différents, voire parfaitement contraires, pouvaient s'y retrouver. Le mouvement européen Zéro était tout autant représenté que le minimal art et le concept art américains, ainsi que certains aspects du nouveau réalisme, du pop et de l'op art. L'intérêt particulier de la publication vient de la reproduction complète du catalogue original aujourd'hui très recherché.

Shaan Syed Catalogue

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Sharon Ya’ari: The Romantic Trail and the Concrete House

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À quelles ruptures et déchirures l'affrontement d'une vision de la société et du quotidien donne-t-il lieu ? Quelles sont les conséquences dans une autre réalité de vie des influences exercées en matière de forme et d'idée ? C'est à ce genre de question que le photographe israélien Sharon Ya'ari cherche à répondre dans l'exposition qu'il a créée pour la maison Esters, et qui est aussi sa première exposition individuelle en Allemagne.

Siegfried Anzinger Bilder 2011

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Sigmar Polke Poster / Plakate

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Sigmar Polke, La Demultiplication De L'Humour

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Silke Wagner : Migration et Plantes

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Silke Wagner (Francfort/Main) à réaliser un travail artistique au centre-ville de Heilbronn, parallèlement à l'exposition nationale BUGA 2019. Son projet « Migration et plantes » renvoie à une particularité de la ville dont la proportion de la population issue de l'immigration est de 53 %. Sur l'axe BUGA et Kunstverein, les façades vitrées des arrêts de bus et de tram exposent les oeuvres de Silke Wagner. Ses représentations florales ont chacune pour point de départ deux dénominations botaniques. Les deux noms désignent une plante indigène (locale) et un néophyte, tel un nouveau citoyen. La migration de plantes, elle, existe depuis toujours sans susciter le moindre émoi et nous intégrons tous autant que nous sommes des plantes « issues de l'immigration » dans nos jardins, nos vases et nos assiettes. Le plus souvent, nous ne sommes même pas conscients à quel point cette « forme d'intégration » que nous assumons va de soi, naturellement et quotidiennement.

Silvia Bächli : Que l’un soit devenu l’autre. Qui est qui ?

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Silvia Bächli (*1956) fait progresser sa création graphique depuis la fin des années 1970 avec autant de précautions que de conséquence. Le recours expressif au corporel a cédé la place à une vision presque introspective de la réalité. La perception du quotidien forme le point de départ de son projet artistique au cours duquel elle s’approprie les choses pour leur conférer une forme graphique autonome. Depuis 1984, elle assemble sur le mur ses dessins petit format en compositions à plusieurs parties. Elle a ensuite travaillé, à partir de 2001, à des oeuvres de papier grand format aux linéaments graciles en couches superposées ; et depuis quelques années, les surfaces colorées sont venues y rappeler le fond. La création silencieuse de Silvia Bächli est désormais accueillie partout, comme dans les expositions de 2007 au Centre Pompidou de Paris, de 2014 à la Staatliche Graphische Sammlung de Munich, de 2022 au musée Weserburg de Brême et de 2024 au Centro Botin de Santander. Elle a représenté la Suisse en 2009 à la 53ème Biennale de Venise. L’exposition au Musée des beaux-arts de Winterthour intitulée « Que l’un soit devenu l’autre. Qui est qui ? » renvoie à une citation de la poétesse américaine Elizabeth Bishop, tandis que le livre d’images conçu par Silvia Bächli donne un aperçu de cette oeuvre aux formes multiples – c’est la première fois qu’une série de sculptures en petites parties est présentée en Suisse. « Mon travail consiste à s’approcher de quelque chose que je ne connais pas très bien et que je ne découvre qu’avec l’action », explique-t-elle.

Singular / Plural

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SINGULIER / PLURIEL. Collaborations sur la scène post-pop-politique. L'art à Düsseldorf dans les années 1970 : L'ouvrage est consacré aux artistes qui ont vécu et collaboré à Düsseldorf dans les années 1970, contribuant activement au programme historique de la Kunsthalle. « Singular | Plural » jette par ce biais un regard neuf sur la différenciation des arts à la fin de l'après-guerre et les impulsions subculturelles dans l'espace germanophone et europ éen. Le groupe informel à orientation cosmopolite a élaboré ses stratégies en tenant compte et en se détachant clairement de la persistance du fascisme allemand. C'est avec les procédés artistiques les plus divers - peinture, photographie, projections de diapositives, performances, films ou musique - que cette scène post-pop-politique a analysé en profondeur des thématiques politiques telles que l'histoire coloniale, les économies ou la question du genre.

Societes Secretes

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Something In Between

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Sommerschnee

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Neige d’été : Le processus créatif d’Herbert Brandl est décrit comme toujours très impulsif, abstrait et pourtant concret. Ses célèbres paysages représentent pour la plupart des phénomènes naturels spectaculaires qui oscillent entre une incroyable proximité et la distanciation. L’artiste prend ses souvenirs photographiques archivés comme point de départ et transpose les impressions directes qu’ils documentent dans le média peinture.

Sonja Alhäuser

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Ce sont des réflexions de fond existentielles auxquelles Sonja Alhäuser se livre dans son œuvre. On y rencontre le théâtre de la vie dans toute son abondance, qui prend la forme de sensualités assouvies, de festivités collectives, et jusqu’au sombre métabolisme. Outre ses beaux dessins grand format aux couleurs discrètes, qui se lisent aussi comme des modes d’emploi ou des recettes, l’artiste s’est surtout fait connaître du grand public avec ses « machines en chocolat » et ses sculptures de margarine exposées dans des vitrines réfrigérées. Elle a invité à ses festins ou « 6 banquets sans occasion » les mangeurs et mangeuses à détruire de manière presque orgiaque ses installations consacrées chacune à un thème précis. La construction exubérante au chatouillis sensuel des installations de table et leurs sculptures, fanions peints à la main, crustacés, énormes poissons ou grosses pièces de gibier n’est cependant pas uniquement destinée à introduire les plaisirs de la bonne chère.

Sophie Reinhold : Das kann das Leben kosten

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« Cela peut coȗter la vie » – L’absence est un thème récurrent chez Sophie Reinhold : l’omission, le non-dit, le non-convié. Les règles de base de l’abstraction. Le fait que tout ne doit pas être dit. Le résultat relève de la tonalité ou de l’humeur. Peut-être un thème. Une place est dégagée à l’écart de la langue. Un mutisme très net. Mais avec un grand nombre de motifs, on perd facilement de vue un thème. Le désordre gagne du terrain. La distance aide alors à retrouver une vue d’ensemble. Dès que la répétition du motif se confirme, le thème a réussi à s’imposer, cela crée l’obsessionnel autant que l’esprit du détachement flegmatique... Ce qu’il y a de vraiment intelligent dans la peinture de Sophie Reinhold, c’est que l’artiste part du principe et ne cesse de prouver avec son art que sa réalité ne peut être lissée, que les choses ont déjà eu lieu depuis longtemps avant de pouvoir être contraintes à une certaine forme.

Sorry

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Stefan Löffelhardt: Clouds (Nuages)

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L’ouvrage donne un aperçu du groupe des « Objets nuageux » suspendus (2010­–2020) de Stefan Löffelhardt. Dans l’évolution de son oeuvre au cours du temps, ils se situent entre les grandes installations de paysages dans l’espace et les dessins actuels de paysages intérieurs. Ils ont été développés à partir des installations à parcourir, en passant par les sculp­tures maquettes de bateaux et les constructions suspendues de paysages urbains, telles qu’elles sont présentées dans les catalogues « Rase campagne » (2003), « Löffelhardt » (2008), « The Valley Floor » / « Le fond de la vallée » (2009) et « Table » (2016). Les illustrations sont classées chronologiquement selon la date approximative de naissance des objets. Elles sont complétées par des vues des expositions « Flux » de 2018 chez Aurel Scheibler à Berlin et « Beauté ?! » sous la direction d’Anne-Marie Bonnet en 2019/20 chez Gisela Clement à Bonn. Certains des objets ont été montrés pour la première fois à l’exposition « ab8 » organisée en 2017 par la galerie Ute Parduhn de Düsseldorf. Dans la partie centrale du livre, on peut lire un extrait d’une conversation entre Wolfgang Ullrich et Stefan Löffelhardt qui a eu lieu en 2018 dans le cadre de l’exposition « Flux ». La dernière partie comporte quelques collages de 2010 en rapport étroit avec les objets suspendus qui présentent le désir d’ennuagement du quotidien. Les dessins, réalisés en même temps que les Objets nuageux à partir de 2010, feront l’objet d’une autre publication.

Stefanie Unruh : Works

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Dans son nouveau livre » Travaux «, Stefanie Unruh fait comme un bilan intermédiaire de sa création de 2000 à aujourd'hui. Elle y traite des questions d'identité, se pré­occupe de traces et de souvenirs, d'actes et de situations du quotidien, plaçant néanmoins la réalité sous une lumière surréaliste. Son travail sur les mythes du quotidien est durable­ment influencé par son intérêt pour les phénomènes médiatiques. Le dessin en tant que point de départ récurrent du travail créatif de Stefanie Unruh n'est cependant que l'un de ses talents médiatiques, elle fait preuve de la même virtuosité dans les objets et installations vidéo.

Stephan Balkenhol A Meisenthal & Au Chateau De Malbrouck

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Streamlines

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Sung Tieu : One Thousand Times

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Les installations de l’artiste installée à Berlin Sung Tieu (*1987 Hai Duong, Viêt-Nam) explorent le rapport mutuel (forcé) entre bureaucratie et identité. Ses recherches sur l’accord de recrutement de travailleurs contractuels vietnamiens dans l’ancienne RDA constituent le point de départ de ses travaux. Avec en toile de fond son histoire personnelle, elle commence alors à étudier les dessous socio-politiques complexes de ce contexte migratoire spécifique où interfèrent à la fois certains aspects du régime de travail, la régulation du logement et le contrôle de la sphère privée. Sung Tieu traque systématiquement ces rapports entre politique migratoire et économie dans son travail sur les archives et étaie les résultats de sa recherche dans des installations qui associent objets, interventions architecturales, documents, dessins, vidéos et enregistrements sonores pour produire des récits audiovisuels aux ambiances riches en impressions. Sur le plan de l’esthétique formelle, ses travaux s’appuient sur le minimalisme et l’art conceptuel – ce qui semble de prime abord contradictoire avec son approche narrative politique, mais représente pourtant une forme d’engagement critique qui remet en question la croyance traditionnelle en l’autonomie de l’art et de son interprétation. Car pour Tieu, la forme sert le contenu. On le voit aussi dans la mise en forme de cette publication, qui reproduit une partie du matériel de recherche et des archives de Tieu, ainsi que des séries de documents bureaucratiques, dans une grille à la structure très stricte. Les essais d’historiens de l’art et une interview de l’artiste renseignent aussi sur d’autres importances et références importantes dans sa pratique artistique.

Surprise : l’art du monotype

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Les oeuvres graphiques constituent le coeur de la collection de la galerie de la ville de Wolfsburg et ce qui lui confère sa position distincte, bon nombre ont vu le jour dans l’atelier d’imprimerie du château de Wolfsburg. Le projet d’exposition (avril à août 2022) « Surprise. L’art du monotype » était centré sur le monotype et l’ouvrage qui suit présente donc cette technique sous de multiples facettes à l’aide d’oeuvres d’artistes du monde entier. Le monotype associe de manière fascinante la peinture, le dessin, et le graphisme. Ce procédé, apparu vers 1640, a connu un triomphe inattendu au XIXe siècle, les impressionnistes en particulier ont exploité en virtuoses les potentiels de ce moyen d’expression à la jonction entre le dessin et la gravure qui invite à la transposition rapide d’une image et traduit efficacement l’écriture artistique en image imprimée. Nous présentons ici des monotypes de nombreux artistes, parmi lesquels d’éminents représentants de l’art moderne tels que John Cage ou Edgar Degas et les travaux de créateurs contemporains comme Herbert Brandl, Shara Hughes, Mia Chaplin, Günther Förg ou Gerhard Richter, parmi bien d’autres.

Susa Templin : Lumière Espace Temps

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Lumière, espace, temps – tout est dit de ce dont Susa Templin a besoin, en plus de son appareil photographique, de son laboratoire photo et de son atelier, pour ses créations et de ce qui les distingue. Elle ne se conçoit pas elle-même comme une photographe, mais situe plutôt son travail entre la peinture et la sculpture. Son outil de choix est donc la photographie analogique : Susa Templin crée ses couleurs en laboratoire et s’affranchit des surfaces planes dans ses travaux : elle construit en superposant des photographies des installations d’images dans lesquelles les spectateurs peuvent pénétrer et les ouvre au tridimensionnel. Lumière, espace et temps – telles sont pour elle les conditions du travail photographique. Chacune de ses œuvres reflète l’art de la photographie qu’elle est. Le catalogue va au-delà d’une simple documentation des installations et présente des travaux, des expositions et des projets d’art intégré à la construction des dix dernières années.

Sylvie Fleury. Exhibition History 1991–2023

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Mode, glamour, style de vie – toutes les fois où un musée d’art se transforme en un défilé de mode, on peut être sûr que Sylvie Fleury en est l’invitée. Depuis près de 25 ans, l’artiste joue et se moque des clichés sexistes et des stéréotypes de la société de consommation. Avec « Shoplifters from Venus » (« Voleurs à l’étalage vénusiens »), le Kunst Museum de Winterthour présente, pour la première fois en Suisse depuis quinze ans, une exposition individuelle complète de l’artiste genevoise dans laquelle elle cherche à dialoguer avec l’école moderne et en dévoile avec volupté le penchant masculin. Le livre publié ici est donc plus qu’un simple catalogue d’exposition : il suit l’évolution du travail de l’artiste à travers toutes ses expositions individuelles depuis les années 1990. Des essais de Simon Baier, Konrad Bitterli et Elisabeth Bronfen éclairent certains aspects choisis de sa création qui n’a rien perdu avec les années de sa puissance émancipatrice ni de sa nature fondamentalement explosive.

Takako Saito : Dreams to Do

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Takako Saito : « Toi et moi ». Takako Saito est née en 1929 à Sabae-Shi, dans la préfecture de Fukui, au Japon, vit et travaille à Düsseldorf depuis 1978) s'est fait connaître dans le monde entier par ses objets, livres d'artistes, performances et actions dans le milieu du Fluxus. Depuis toujours, elle s'intéresse à l'univers des objets et du quotidien auquel elle ajoute un geste artistique propre par ses interventions ou par des actes infimes. Ses matériaux de prédilection sont naturels, tels les pierres, les coquillages, les pelures d'oignons ou les châtaignes, ou encore les papiers, les plastiques, les mousses ou les morceaux de bois. Les boîtes-objets créées depuis les années 1960 et élaborées avec soin sont uniques, ainsi que les nombreux jeux d'échecs « libres », initialement vendus dans le Fluxshop de George Maciunas. L'exposition et le livre « Takako Saito: You and Me » ont un caractère rétrospectif et présenteront des travaux de toutes les phases de création importantes !!

Tal R Babylonia

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Les impressions oscillent entre ordinaire et exotique Pendant des années, Tal R a accumulé des archives de plus de 1000 clichés représentant des façades de sex-shops. Depui 2014 il a réalisé environ 150 dessins d'après des motifs de ces archives. Les textes publicitaires indiquent l'immense diversité des photographies, avec des noms anglais, italiens, allemands, français et danois qui rappellent des lieux du monde entier. Les alignements de façades exubérants et sobres, colorés et insignifiants se succèdent. Les portes, fenêtres et écriteaux en forment les éléments principaux. Des corps féminins sont parfois intégrés aux compositions, parfois aussi des formes florales ou des motifs en coeurs, des ornements architecturaux. Certaines maisons se taisent sur la fonction et le contenu, d'autres affichent une offre tapageuse. Les noms français paraissent romantiques, les noms allemands ordinaires ou généraux. Du « shop » où l'on achète à la villa « Les Rose» où l'on rêve, on peut tout avoir.

Tanja Boukal : Do you have also pretty motifs ?

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Les hommes et leurs interactions dans les contextes sociaux sont au centre des travaux de Tanja Boukal (*1976 Vienne). L’artiste ne s’intéresse pas à l’impression extérieure que nous donnons d’ordinaire et que nous laissons, mais à ce dont nous sommes capables lorsque nous nous voyons confrontés à des situations qui sortent du quotidien : comment nous arrivons à des solutions, quelles sont les stratégies que nous suivons pour cela et, enfin, quelle force de volonté nous devons déployer pour atteindre nos objectifs ?

Tell Me What You See

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Christian Skrein (né en 1945 à Vienne) vit aujourd’hui dans la Salzkammergut (Autriche). Sa carrière de photographe débute en 1963, tandis qu’il date le point de départ de sa collection de 1968. Elle est aujourd’hui mondialement connue pour son rôle précurseur dans la réception de la photographie amateur. Christian Skrein a développé au fil des ans une activité de collectionneur qui englobe des travaux artistiques autant que documentaires de grande valeur pour des thèmes tels que formation de la composition, théâtre d’ombres, anthropométrie et portrait. Son regard remonte jusqu’aux années 1920 et 1930 et s’étend, sans doute aussi pour des raisons professionnelles et du fait de sa propre pratique photographique, au reportage-photo actuel. Il a été dans les années 1960 le plus jeune photographe à travailler pour Vogue et il s’est fait connaître par ses portraits, fruits de contacts personnels directs, des représentants de la bohême viennoise de l’époque.

The Clinic

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The Clouds and the Cloud

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The Essence Arises In Vanishing

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Giovanna Sarti (née en 1967 à Cervia, en Italie, vit à Berlin) a fait ses études auprès de Per Kirkeby à la Städelschule de Francfort. En 2013, elle a participé à l'exposition « Painting Forever » à la Kunsthalle de la Deutsche Bank à Berlin. Giovanna Sarti est une peintre non figurative. La peinture est pour elle d'abord une exploration intense des possibilités qu'offre le matériau, elle se sert de pigments, d'encre, de vernis et de charbons, ainsi que de poussière métallique et depuis peu de rouille en couches.

The Phenomenon Großmann Encounters Artistic Photography

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Rudolf Großmann (1882–1941) était un peintre et dessinateur réputé, tandis que sa plume acérée en faisait aussi un chroniqueur redouté. Il a reproduit dans ses portraits ou ses scènes de cafés et de rue les multiples facettes de la vie dans la grande ville, il a aussi publié textes et illustrations dans des revues comme Simplicissimus dans les années 1910 et 1920 et il a illustré des livres pour des auteurs comme Joachim Ringelnatz et Erich Kästner. Aujourd’hui pourtant, le nom de Rudolf Großmann n’est plus connu que des amateurs et spécialistes des années 1920. Avec en arrière-plan la question de pourquoi il est à ce point tombé dans l’oubli, l’exposition et le livre placent son oeuvre en rapport avec des travaux photographiques d’artistes contemporains. Ses peintures et dessins de la collection du Musée d’art moderne de Fribourg-en-Brisgau sont associés à des photographies de la collection de la fondation d’art DZ BANK. Ce sont surtout ses portraits dessinés, qui se distinguent par le caractère photographique du regard, qui s’avèrent intéressants face aux travaux de, par exemple, Wolfgang Tillmans, Sven Johne, Nan Goldin ou Gisèle Freund. Le regard aux perspectives multiples de Barbara Probst ou les constructions dans l’espace de Beate Gütschow témoignent de leur côté, dès lors qu’ils touchent aux scènes dessinées par Rudolf Großmann, d’une puissante similitude d’atmosphère malgré le siècle qui les sépare. ¬Rudolf Großmann se situait presque à égale distance des principaux styles de son époque, c’est ce qui rend son travail sans égal, tout en le rapprochant de la photographie. Cela n’a toutefois pas suffi à le protéger des poursuites des nazis, son art a lui aussi été stigmatisé et dénoncé comme dégénéré, l’incitant à se retirer de plus en plus dans sa ville natale de Fribourg-en-Brisgau.

The Sleep Around And The Lost And Found

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Thierry Geoffroy / Colonel: A Propulsive Retrospective

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En septembre 2020, l’artiste installé à Copenhague Thierry Geoffroy / Colonel, né en 1961 à Nancy, conçoit LE CENTRE DE MUSCULATION DE LA CONSCIENCE (THE AWARENESS MUSCLE TRAINING CENTER) au musée de la Villa Stuck, à Munich. L’idée de la première monographie complète con-sacrée à l’oeuvre aux multiples facettes de l’artiste au cours des quarante dernières années est née à la suite de ce projet d’exposition participatif et intense. La publication reprend tous les formats artistiques, et notamment les plus connus – la Salle d’urgence (Emergency Room), la Course critique (Critical Run) et le Biennaliste (Biennalist) – qui ont été installés dans le monde entier. Les oeuvres d’art physiques associées aux activités de Colonel sont également mises en lumière, de la photographie aux images animées ou à la peinture. La publication comprend aussi une chronologie complète qui documente le rayon d’action artis­tique de Geoffroy. Enfin dans les textes qui l’accompagnent, des auteurs internationaux reviennent sur les différents aspects de son oeuvre et expliquent comment sa pratique artistique attire l’attention, à l’aide de moyens conceptuels et d’une approche locale spécifique, sur les manifestations du pouvoir et de l’injustice.

Thilo Westermann : Souvenir de Baden-Baden

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« Souvenir de Baden-Baden » de Thilo Westermann propose un aperçu des lettres écrites depuis 2018 par l’auteur, artiste et historien de l’art, à Stéphanie de Beauharnais (1789–1860), fille adoptive de Napoléon et ancienne grande-duchesse de Bade. Comme si elle était une collectionneuse d’art encore en vie, il lui rend compte de ses créations. Les lettres manuscrites vont cependant bien au-delà de la discussion de son propre travail. Elles abordent des évènements politiques et sociaux des dernières années en prenant parfois la forme de véritables traités de sciences culturelles, à propos notamment de l’arrière-plan colonial des jardins du château de la Malmaison, près de Paris, ou des conséquences de la politique expansionniste de Napoléon. Les médias auxquels recourt Westermann sont la peinture sous verre et le photomontage. Avec sa « Correspondance avec Stéphanie », il présente une oeuvre aussi précise que perspicace, qui se fait le reflet critique de l’histoire et du présent. Les contributions de chercheurs de renom tels que Markus A. Castor (Deutsches Forum für Kunstgeschichte Paris) introduisent à l’oeuvre de Westermann ; Dominique de Font-Réaulx (Louvre) se consacre à l’interface entre peinture et photographie ; Magali Nachtergael (Université Bordeaux-Montaigne) et Anne Reverseau (UCLouvain) analysent le rôle de la parole écrite entre arts plastiques et littérature ; Harriet Zilch (Kunsthalle Nürnberg) conclut en se demandant quelles seraient les implications d’une pensée de l’histoire qui ne soit plus linéaire, mais circulaire, complétant ainsi sans cesse notre image du passé. Des illustrations pleine page montrant les oeuvres de Westermann ou les reproductions des lettres manuscrites soulignent la dimension bibliophile de ce projet, qui présente en outre pour la première fois des lettres encore inédites de Stéphanie de Beauharnais elle-même.

Time Machine Balthus

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Au début, la collection n’était pas conçue comme telle, à ­l’instar de la plupart des collections. Le but était de travailler sur l’inconnu, l’incompréhensible, et de s’en entourer. Il s’agissait de la fascination pour l’artisanat et de faire place à cette fascination chez soi afin de garder la conscience du charme permanent de l’existence. Le collectionneur est allé chercher les profondeurs de l’inconscient, de la philosophie, de la technique picturale et ce faisant, il a aussi fait entrer le Berlin sauvage et agité dans le calme de ses quatre murs. Suivons maintenant les traces de cette collection, suivons les différents conteurs fiables ou non. Qu’ils soient collectionneurs, galeristes, auteurs ou observateurs, ce qui reste, ce sont leurs histoires. Les histoires d’expositions d’une journée pour prétendants au trôle danois et des festins qui ont suivi ou de tableaux tout juste achevés pour l’exposition qui n’ont pu entrer au catalogue – pour cause de clôture de la rédaction. Les histoires de tableaux qui, après avoir été achetés pour orner un logement particulier, ont d’abord disparu pendant des années dans les musées, de fêtes somptueuses avant et après les inaugurations, sans raison, juste comme ça ... La nature métaphysique de l’art est intemporelle et c’est précisément ce qui en fait une machine à remonter le temps, ce que ne sont pas en revanche les oeuvres d’art prises individuellement qui sont toujours l’expression d’une époque, qu’elles le veuillent ou non, et racontent par conséquent l’histoire de leur temps : l’histoire de leur naissance, une histoire d’exposition, une histoire de collection, une histoire de prix. Notre collection aussi raconte une histoire spéci­fique de son temps. Et pour suivre de nouveau une conteuse peu fiable, elleraconte un Berlin des années 1990 et 2000 dans lequel tant de choses étaient possibles car on trouvait de grands espaces pour peu d’argent. La collection raconte justement aussi l’histoire de galeries dans des arrière-cours, de projets et d’espaces improvisés qui sont ensuite devenus des institutions et du « Club Berlin » qui associait les fêtes et l’art, la techno et la politique.

Tobias Buckel: Space Dilemma

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Tobias Buckel est un peintre qui critique les images. Il se méfie de la communication visuelle des mass-médias dont les images éveillent des désirs impossibles à satisfaire. En même temps, il lutte contre l'accélération généralisée de notre présent, décrite par Paul Virilio dès 1990, sur un ton aussi critique que distancé, comme un « arrêt forcené ». Ses tableaux constituent un plaidoyer en faveur du travail persévérant et processuell. Car les espaces que peint Tobias Buckel ne sont en fin de compte pas des espaces réels, ils ne possèdent aucun volume propre, ne sont pas tenus d'obéir aux lois de la perspective ou de la gravité. Ces constructions s'attardent en suspens dans un fragile état d'incertitude qui équilibre figuration et abstraction.

Tobias Spichtig : Pretty Fine

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» Plutŏt joli « Dans le travail de Spichtig, un va-et-vient semblable entre attraction et répulsion produit une certaine forme d’iconicité qui n’exige aucun effort. On reconnaît quelque chose dans ses tableaux, et on cherche à s’en approcher, on se félicite de l’écho que ce quelque chose produit en soi, on plonge dans son rythme beat cool grunge. Mais la connaissance et la familiarité qui jouent ici un rôle, ne doivent rien à une quelconque ressemblance — avec soi ou sa vie —, mais à une différence ou à une étrangeté. Car ce n’est pas le contenu que l’on reconnaît, c’est le tracé, le contour, et s’il fallait évoquer la moindre expérience, c’est celle de la non-présence... C’est bien Spichtig qui m’a révélé le truc de Marlene Dietrich pour conserver l’attention du public : qui est-ce que tout le monde connaît ? — celui qui n’est pas là ! « C’est pour lui que tu dois chanter », disait-elle. Dietrich et Spichting pratiquaient la séduction sans tromperie. Kristian Vistrup Madsen

Tracing Transformations

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Effets du temps - Paysages et milieux de vie par Laurenz Berges, Michael Collins et Paola De Pietri : Les trois livresaccordéons d'artistes publiés séparément et en coffret à l'occasion de l'exposition commune « Witterungen » (« Effets du temps ») de Laurenz Berges (Dusseldorf), Michael Collins (Londres) et Paola De Pietri (Reggio Emilia) ont un caractère d'objet précieux. Ils présentent des séries de travaux photographiques qui traitent de la transformation progressive et imperceptible des paysages et de celle des milieux de vie dont elle s'accompagne. Ces trois attitudes réunies pour la première fois dans ce projet ont en commun le sens et le regard acéré pour les réalités temporelles autant qu'intemporelles - les faits, les transformations progressives. Les photographies à la composition extrêmement étudiée peuvent évoquer un certain malaise, issu de la contradiction entre urbanisation et paysage naturel et/ou l'impression ambivalente de territoires « inutilisés » !!

True Pictures ?

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IMAGES VRAIES – Photographie contemporaine du Canada et des USA. Au début du 20ème siècle, la photographie d’Amérique du Nord était considérée comme annonciatrice de l’évolution du langage artistique de ce média. Ce rôle de précurseur sera cependant remis en question dans les années 1980 par les développements de la photographie européenne lors- que de jeunes artistes lui contestent toute fonction de modèle, de sorte qu’elle suscitera de moins en moins d’intérêt.

Ugo Rondinone: Life Time

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Ugo Rondinone (*1964) confère une dimension poétique aux choses ou aux phénomènes du quotidien. Un arbre, une montre, le soleil ou un arc-en-ciel – avec les moyens de la répétition, l’isolation ou la réduction, il les place avec son minimalisme typique dans un nouveau contexte et crée des tableaux d’ambiance atmosphériques. La Schirn consacre à Rondinone une grande exposition d’ensemble qui présente des peintures, sculptures et oeuvres vidéo centrales du fameux artiste suisse. Il a également conçu spécialement pour la Schirn une nouvelle installation qui s’étend sur toute la longueur de la galerie et dans la rotonde. L’exposition et le livre « Life Time » regroupent des thèmes essentiels qui marquent la création de l’artiste conceptuel créateur d’installations depuis 30 ans : le temps et sa fuite, le jour et la nuit, la réalité et la fiction, la nature et la culture. Toujours, Rondinone reprend l’iconographie du romantisme dans ses travaux, citant la littérature et la culture pop.

Ulrike Ottinger : Journée d’un G.I.

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Au milieu des années 1960, Ulrike Ottinger est peintre, Paris est ébranlé par des images de guerre et de révolution. Elle est chez elle dans la Nouvelle figuration, une forme parisienne de pop art, et le style narratif de ses tableaux emprunte à des scènes du quotidien, à la bande dessinée, à la photographie et à la publicité. Les rituels de tous les jours s’y mêlent à des références à des personnalités historiques et littéraires. Alors que le combat quotidien fait rage, ses héros font une pause chez Ulrike Ottinger, comme Che Guevara qui s’étire sur un canapé et sirote un verre sous la forme du « Penseur » ou Allen Ginsberg, poète beat de la première heure, qui n’a « plus rien à dire et plus rien à pleurer ». Car la révolution, l’artiste semble s’en être aperçue très tôt, dévore toujours ses enfants.

Um 5 Ecken Herum

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« Autour des 5 coins »: Pour Beat Zoderer, son travail est une réaction aux fragments d'uvres classiques d'un Max Bill par exemple, mais aussi aux formes de quotidien ou aux objets courants qu'il trouve. Cette édition d'artiste conçue avec précision par lui-même pour Jochen Kienbaum, si elle poursuit l'héritage constructif en se positionnant clairement, le disperse aussi par son ambivalence de contenu et d'esthétique.

Umbo. Photographer.

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UMBO - le " big-bang " de la photographie moderne UMBO - cenom incarne en quelque sorte un " big-bang " de la photographie moderne survenuau milieu des années 1920 : né Otto Maximilian Umbehr en 1902 à Düsseldorf, ilest considéré comme l'inventeur de l'image de la femme nouvelle, de la nouvelleimage de la rue, du reportage photographique par excellence. Son nom symbolisel'envol du mouvement de jeunesse des Wandervögel de la période wilhelminienneaux débuts du Bauhaus. Il est synonyme de la métropole médiatique en plein essorqu'était Berlin dans les années 1920, d'une scène artistique qui grandit à lavitesse de l'éclair entre cinéma, musique, théâtre et cabaret, de regards surles arrière-cours et les cuisines des " cités-casernes " surpeuplées. Lapublication présente une sélection de 200 oeuvres et de nombreux autresdocuments, puisés pour l'essentiel dans la succession d'UMBO.

Under the Sun

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Il est presque impossible d'appréhender la taille et l'étendue d'une ville comme Los Angeles. Pourtant, les tentatives ne manquent pas de la fixer sur des photographies. Les freeways, le glamour de surface et la fabrique des rêves ont produit des photos emblématiques. Mais lorsqu'on explore comme Freddy Perez la ville à pied une toute autre image apparaît. Sous un ciel bleu et un soleil éblouissant, la ville de la nostalgie et des rêves prend l'apparence d'une représentation abstraite. Sans procéder par typologie ni suivre un motif donné, sans fixer des circonstances sociales ou des situations apparues spontanément dans la rue, il montre LA avec sobriété et limpidité dans une lumière crue et éblouissante. Le soleil, l'ombre, la lumière et les couleurs seuls déterminent la composition. Freddy Perez déambule à travers la ville et découvre dans le viseur de son appareil-photo des compositions pour former des images qui frappent par leur clarté et leur abstraction.

Up in the air

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Alors que jusqu’à présent nous avons considéré l’air comme une évidence dans notre vie quotidienne, il semble aujourd’hui devenir un élément central des discours politiques et sociaux : en pleine crise du corona, nous portons des masques sur la bouche et le nez pour protéger les autres de notre haleine, les scientifiques étudient le rôle des aérosols dans la transmission du virus du covid-19 et les militants pour le climat luttent pour un air plus pur qui puisse encore sauver le monde. La représentation de l’air est, au plus tard depuis la Renaissance, un défi pour les artistes. L’air en tant que matériau en revanche est un phénomène relativement récent dans l’art. Depuis l’époque moderne, les créateurs aspirent à s’approprier artistiquement le monde, à en dépasser les limites et à le transformer. Il semble donc logique, par conséquent, qu’ils ne se soient pas cantonnés à l’air en tant que seule idée, mais aussi en tant que matériau. L’air n’est plus désormais représenté uniquement sous forme de vent, de nuages, de brume, de vapeur ou d’haleine, il est délibérément utilisé comme un média en soi. Il apparaît désormais comme un moyen d’expression et un sujet à la fois dans les arts plastiques, les arts appliqués et les arts du spectacle. L’exposition et le livre qui l’accompagne placent l’air au centre en tant que matériau artistique et support de formes et d’idées dans l’art plastique. Les oeuvres présentées sont, de même que le matériau qu’elles ont toutes en commun, parfois de la taille de la pièce, parfois minuscules, voire invisibles, solides et éphémères, intérieures et extérieures. L’art se déchaîne, halète, vente, souffle, se volatilise, respire, murmure et flotte.

We Never Sleep

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Gardez le secret sur la visite de cette exposition ! Le pouvoir de fascination des récits d’espionnage constitue depuis toujours une source d’inspiration artistique, on ne s’étonnera donc pas de voir tant d’artistes du monde entier traiter dans leurs oeuvres des stratégies du secret. Car le charme glamour avec lequel les espionnes et les espions sont présentés dans la culture populaire n’a d’égal que la nature explosive pour la société des informations qu’ils recueillent clandestinement. Si des individus ou des Etats ont été par le passé espionnés par des gouvernements, ce sont les citoyens à l’ère de la communication numérique qui rendent publics les secrets d’Etat, ou les lanceurs d’alerte qui dénoncent l’espionnage de la population par son gouvernement.

Werne Büttner: Undichte Schlüssellöcher (Trous de serrure mal fermes)

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L'univers de Werner Büttner est-il devenu plus drôle, plus coloré ou faut-il encore, suivant en cela les observations de Kristian Vistrup Madsen, le tenir pour toujours aussi sombre et oppressant ? C'est sans aucun doute le cas d'une œuvre comme « Brüder (Kain + Abel) » (« Frères Caïn + Abel ») de 1983, mais pas exclusivement de celles créées plus récemment. Elles mêlents en effet une bonne dose de mélancolie ironique et de railleries caustiques au refrain amer No future des années 1980. La palette elle aussi a changé, la teinte terreuse cède devant une autre à nature de signal, sans pour autant renoncer à toute parenté avec les travaux plus anciens. Mais d'où vient cet adoucissement mélancolique de la vision du monde ?

Who We Are ?

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Pendant des années, Herbert Maier s'est rendu dans les lieux et les régions les plus divers, au Pakistan, en Inde, au Népal, au Mexique, au Guatemala, aux USA, en Israël, en Iran et dans les zones tribales d'Afrique occidentale. Sa bibliothèque visuelle est étroitement liée à ces voyages. Les rencontres avec d'autres et l'enregistrement de leurs témoignages artistiques et culturels dans sa mémoire d'images imaginaires sont devenus aussi importants pour lui que la confrontation à l'histoire de l'art occidentale. Herbert Maier travaille à cette encyclopédie depuis 2009, elle renferme aujourd'hui plus de 500 aquarelles. Car seule l'aquarelle, la transparence et la légèreté qui lui sont propres, permet de réaliser un aussi grand nombre d'images en si peu de temps.

World Out of Joint (Monde désaxé)

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Depuis les années 1960, l’installation est devenue progressive­ment une discipline artistique essentielle. Elle confronte le public à une masse d’informations et un grand nombre de faits simultanés qui lancent un défi permanent à la réceptivité et à l’attention – une situation omniprésente dans la société du savoir actuelle. Les installations dans l’espace ne font presque plus aucun usage des disciplines artistiques clas­siques, elles sont pour la plupart mises en scène à l’aide d’objets du quotidien, de ready-mades et des nouveaux ­médias. Le public qui observe se retrouve au coeur de l’oeuvre, tous les sens sont sollicités et les films, vidéos, sons, lumières et odeurs élargissent l’expérience esthétique classique pour en faire un vécu global. La densité intérieure est produite en continu au fur et à mesure que les multiples impressions sont classées subjec­tivement et assemblées en situation. Les installations ont aussi gagné en complexité avec le recours aux nouveaux médias numé­riques. La démarcation claire entre l’oeuvre d’art et le public ­s’efface au profit d’espaces multimédias dans lesquels le monde semble littéralement sortir des rails. La publication « Welt aus den Fugen » (« Monde désaxé ») présente, à l’aide de neuf installations de grandes dimensions d’artistes contemporains de la jeune génération venus du monde entier, la réaction aux sujets d’actualité que sont le changement climatique, l’intelligence artificielle, la cryptoé­volution, l’écologie, la politique identitaire et la migration. L’ouvrage propose également, sous forme de glossaire, un aperçu de la complexité des concepts fondamentaux.

Yafeng Duan : Form of the Formless

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Le plus important en peignant c’est d’éteindre la tête, de se laisser guider, explique la peintre germano-chinoise Yafeng Duan, née en 1973 à Hebei, qui vit aujourd’hui à Berlin. Comment les couleurs participent-elles, comment la toile et le papier se comportent-ils, où le pinceau mène-t-il la main ? Légèreté et épaisseur, clair et sombre, monde intérieur et extérieur, larges traits de pinceau et lignes fines dans la tradition de l’encre de Chine, résistance et flux, surfaces épaisses et couleurs flottantes. Le tout correspond, toujours selon Duan, au rythme de l’inspiration et de l’expiration. S’y ajoute le hasard, mis en jeu sans connotations ésotériques, comme c’est le cas notamment dans la technique de composition de John Cage qui fait du « I Ging » un principe structurant. C’est pourquoi les représentations de formes sont toujours associées à des questions de procédés : quelle est l’influence du hasard sur l’oeuvre, quelle proportion de hasard lui est favorable ? Les principes yin et yang, issus du taoïsme, sont alors presque inévitablement sollicités. Ils incarnaient à l’origine l’« obscurité sur la rive sud du fleuve », un « endroit ombragé » (yin) et, à l’opposé, le « rayonnement du soleil, l’élévation ensoleillée sur le versant sud des montagnes » (yang). On dit aussi de la peinture abstraite de Yafeng Duan qu’elle crée des espaces qui ne s’ouvrent qu’après une observation prolongée, et que tous ne demeurent pas, mais que certains se déforment plutôt, voire se dissolvent entièrement.

You Are The Only One

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Acquérir de l'importance, être aimé, monter sur le podium - aux yeux d'un seul ou de plusieurs : nombreux sont ceux que ce désir détermine dans leur aspiration au bonheur. Si ce genre de rêve justifie les concours de beauté, l'industrie du sport elle aussi se fonde dessus, de même que les castings à grand spectacle ou les plates-formes de médias sociaux. Car que ne faisons-nous pas pour susciter l'attention ? Mais qui évalue qui ? Et sur la base de quels critères ? Et qui termine numéro un ? Sabrina Labis reflète dans son travail, que cette publication présente pour la première fois dans son ensemble, les systèmes de valeurs et d'évaluation, avec ArtFacts.Net? comme principal point de départ.

Zeit

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Le temps compte parmi les grands mystères de l’histoire des civilisations, ses définitions sont multiples et apparaissent dans les disciplines les plus diverses, de la religion à la biologie et l’économie, et en premier lieu naturellement la physique, ainsi que l’art qui s’est emparé du sujet. Il est surprenant qu’au pays de l’horlogerie qu’est la Suisse, le temps n’ait jusqu’à présent fait l’objet que de si peu d’expositions s’étendant sur plusieurs époques et disciplines dans si peu de musées d’art. L’approche sensorielle du musée des beaux-arts de Zurich à l’histoire du temps adopte donc un regard qui englobe la peinture, le cinéma, les installations, performances et des réalités comme les horloges des années 1750 à aujourd’hui. Et même si l’horloge forme le point de départ en tant qu’instrument de mesure du temps, d’autres perspectives sont ici explorées en profondeur, notamment physique, biologique, paléontologique, ou encore les perceptions individuelles du temps, et ce à travers notamment des oeuvres de Giacomo Balla, Julius von Bismarck, Manon de Boer & George van Dam, Abraham-Louis Breguet, Pieter Claesz, Honoré Daumier, William Hogarth, Roni Horn, Monica Ursina Jäger, On Kawara, Herlinde Koelbl, Alicja Kwade, MANON, Sophie Nys, Dieter Roth, Cyril Schäublin, Una Szeemann.