« ...La plus grande oeuvre d'art pour le cosmos tout entier » : Stockhausen et le 11 septembre

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L'essai de Lambert Dousson est remarquable à plus d'un titre. À travers l'oeuvre, les propos et les écrits de Karlheinz Stockheusen, il entreprend de penser l'ambivalence de la relation entre esthétique et politique en ce début de XXIe siècle. Il montre que cette ambivalence, ce malentendu, est autant du côté de l'art et de la philosophie (des textes importants Jacques Derrida et Jean Baudrillard sont convoqués et commentés) que de la politique, et qu'elle est même ce qui menace de les confondre. Essai sur un des grands compositeurs du XXe siècle, « ...la plus grande oeuvre d'art pour le cosmos tout entier » est également un livre de philosophie politique qui prend l'art pour objet.

61 Adresses, 9 Destinataires

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A bâtons rompus - Entretiens avec Franck Médioni

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A l'occasion du quatre-vingtième anniversaire d'une légende du jazz franco-Suisse Daniel Humair, le critique Franck Médioni réalise à partir d'entretiens de celui-ci un abécédaire. D'"Ambidextre" à "Zygomatique" en passant par la "Batterie" et le "Swing". Il retrace d'une manière libre et impertinente sa vie d'artiste. S'Il a porté la batterie de jazz à son zénith, il est également un fin gourmet ainsi "Gastronomie" à une place de choix dans cet Abécédaire. On y croise quelques maîtres queues venant faire contre-point à aux légendes du Jazz comme Cannonball Adderley, Chet Baker, John Coltrane, Miles Davis ou Michel Portal. Il est aussi peintre, il développe aujourd'hui un autre pan de son expression artistique, la gravure, la lithographie. A bâtons rompus est un portrait d'un musicien aux nombreuses facettes, un portrait gourmant d'une passion sans limite, d'une personnalité sensible à fleur de peaux, une légende qui a révolutionné la batterie.

Allain Gaussin, Musique De L'Imaginaire

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Bruno Giner, La Musique Percute

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« Compositeur de mots, écrivain de notes... » C'est ainsi qu'aime se définir le compositeur Bruno Giner. Né en 1960 à Perpignan, il est le petit-fils du peintre Balbino Giner García. Républicain espagnol de la première heure. Guitariste de formation, la percussion s'est imposée à lui à partir des années 80, tout comme les nouveaux « modes de jeu. » Parallèlement à son oeuvre musicale, il est l'auteur de plusieurs ouvrage sur l'épuratio musicale sous le nazisme puis, avec François Porcile, ils ont écrit à quatre mains une histoire des musiques pendant la guerre d'Espagne. Il vient de publier une biographie consacrée à Erik Satie. La Musique percute retrace son itinéraire sous la forme d'un dialogue avec son complice François Porcile.

Car le monde est creux

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Car le monde est creux est un recueil de poèmes (69 blocs de 1500 signes) et une histoire critique de notre relation à l'ailleurs, une exposition aussi littérale que merveilleuse du colonialisme. Patrice Blouin compresse trois oeuvres emblématiques de notre rapport à l’ailleurs : Le Devisement du monde de Marco Polo, Les Mille et une nuits et la série télévisée Star Trek et réécrit ainsi notre histoire – on peut lire ainsi son long poème, comme l'épopée d'une exploration de territoires toujours nouveaux – tout en extrayant de son matériau sa part quintessentielle de merveilleux – chaque poème est en ce sens une merveille, un trait de de merveilleux qui détermine encore aujourd'hui notre rapport à l'ailleurs (désormais interstellaire). Mais il rend sensible également, la compression permet cela, les conditions raciales et sexuelles de cette exploration : l'assujettissement des populations et l'exploitation des territoires. L'envers du merveilleux est la violence. L'un ne va pas sans l'autre. C'est aussi pourquoi Car le monde est creux prend la forme du poème : lui seul peut dire à la fois le merveilleux et la violence, le regard enchanté de l'explorateur (toujours un homme) et la violence qui l'accompagne et qu'il rend possible.

Chaos, Cosmos, Musique

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Centré sur l'AACM de Chicago, association au sein de laquelle est notamment né l'Art Ensemble of Chicago, l'ouvrage d'Alexandre Pierrepont n'a cependant rien d'une monographie. L'AACM n'est pour lui que le moment culminant d'une histoire qui est celle de la « Black Music », des musiques afro-américaines, et de ce qu'elles ont apporté au monde. Ce livre est l'exploration d'un champ qui traverse le XXe siècle et qui présente la particularité d'être à la fois musical et social, politique et esthétique. La création y est indissociable d'une expérience socio-politique, de la constitution de communautés et de groupes qui, chacun à leur manière, inventent d'autres modes d'être ensemble et au monde. Livre d'anthropologie et d'histoire de la musique, Chaos, musique, cosmos l'est en un sens original, celui d'une culture non identitaire, structurellement ouverte à l'altérité et l'altération, par principe métissée et fondée sur l'emprunt et la créolisation de ses idiomes et de ses pratiques.

Communaute Des Etres De Nature (La)

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Compositrices L'égalité en acte

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« Où sont les femmes ? Toujours pas là ! » affirme régulièrement la Société des auteurs et compositeurs dramatiques. Cette inégalité entre les hommes et les femmes dans le spectacle vivant est aujourd'hui injustifiable. À la Renaissance, on pouvait compter sur les doigts d'une main le nombre de compositrices. Aujourd'hui, certes, elles sont plus nombreuses, mais elles restent encore très minoritaires ainsi en France, elles ne représentent que 10 % des compositeurs de musique. Après la publication en 2017 de La mémoire en acte. Quarante ans de création musicale, les éditions MF et le Centre de documentation de la musique contemporaine ont décidé d'un deuxième ouvrage autour de la situation des compositrices en activité en France. Ce livre rassemble 53 portraits de compositrices accompagnés des points de vue de la philosophe Geneviève Fraisse et des musicologues Jacques Amblard, David Christoffel, Florence Launay... Plus d'une soixantaine de contributions inédites sont ici réunies.

Compositrices, l'égalité en acte (GF)

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« Où sont les femmes ? Toujours pas là ! » affirme régulièrement la Société des auteurs et compositeurs dramatiques (sacd). Cette inégalité entre les hommes et les femmes dans le spectacle vivant est aujourd'hui injustifiable. À la Renaissance, on pouvait compter sur les doigts d'une main le nombre de compositrices. Aujourd'hui, certes, elles sont plus nombreuses, mais elles restent encore très minoritaires.

Coupe-le

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Coupe-le réinvente à sa manière singulière la poésie épique. Il narre par une suite discontinue de versets non ponctués les aventures d'un Je contemporain à la conquête de lui-même. La voie qui y mène est celle des traumas amoureux et sexuels. Rien de lyrique cependant dans ce texte. Car c'est par le sexe et l'amour que s'exerce ici la domination. Chaque chant est l'exposition d'une forme de cette domination et des efforts non toujours conscients du Je pour la contourner ou la vaincre. La forme est de répétition litanique de blocs textuels sans ponctuation. L'ensemble forme un récit discontinu dont les péripéties dissimulent l'enjeu véritable : l'évolution progressive du rapport à soi du Je-Sujet. Peu à peu, de manière discontinue, par sauts successifs qui ne vont pas sans quelques régressions, l'écriture du Je, et donc le Je lui-même, change. Il devient le sujet de ses actions et de ses phrases. L'histoire que Coupe-le raconte est celle d'une écriture autant que de son personnage.

D'un lyrisme l'autre

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À un moment où les fronts poétiques et musicaux se déplacent et qu’émergent de nouvelles écritures et de nouvelles pratiques, qu’en est-il du lyrisme ? Si les liens entre le monde de la poésie et celui de la musique dite savante se sont distendus durant tout le XXe siècle, le XXIe siècle semble initier leur rapprochement autrement. D’un lyrisme l’autre voudrait contribuer à rendre audibles et visibles de nouvelles pratiques artistiques, des collaborations, des recherches formelles et des pensées les accompagnant ; il donne dans cet espoir la parole à des poètes et des compositeurs qui ont commencé à penser la création entre poésie et musique que ce soit de façon empirique ou théorique, à répondre aux vieilles questions autrement ou à inventer de nouvelles questions posées au réel, à transformer l’angle d’approche. Car il semble que depuis quelques années de crises politiques en crises écologiques ou sanitaires, le XXIe siècle ait bel et bien commencé et qu’il se cherche une voix. Comment renouveler aujourd’hui, alors que nous sommes engagés dans la troisième décennie du XXIe siècle, le dialogue entre musique écrite et poésie contemporaines, renouer les liens distendus entre poètes et compositeurs de musique dite savante sans vouloir simplifier ni idéaliser ce lien ? Comment dépasser, à l’heure de la transmédialité, les frontières esthétiques, génériques et institutionnelles qui séparent encore le monde de la musique contemporaine et celui de la poésie, qu’elle soit écrite ou sonore, multimédias ou action, afin d’inventer de nouvelles voies de dialogue, de réflexion et de collaboration, afin que la poésie et la musique parle ou chante pour dire autre chose autrement? Avec les participations de Philippe Beck, Gérard Pesson, Dominique Quélen, Aurélien Dumont, Irène Gayraud, François Rannou, Philippe Leroux, Clara Olivares, Francesco Filidei, Sofia Avramidou, Olivier Cadiot, Georges Aperghis, Jacques Rebotier, David Christoffel, Katia Bouchoueva, Laurent Colomb, Núria Giménez-Comas, Jérôme Combier, Pedro Garcia-Velasquez, Sereine Berlottier, François Sarhan, Frank Leibovici, Frank Smith et Dominique Quélen.

De la répétition

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Ce livre a pour objet la répétition dans la musique. Si la répétition n’est, dans une phrase du langage ordinaire, que pénible et insignifiante redite, et qu’elle n’a jamais, dans le discours, qu’une fonction pauvrement récapitulative, elle trouve au contraire, dans la musique, son lieu d’élection propre. La musique est, en effet, le langage où la répétition, de redondance, se transforme en expression, de désagrément, se change en plaisir ; le langage qui ne cesse de répéter sans que jamais la répétition ne se fasse sentir pourtant. De ce constat dérivent au moins deux conséquences que le livre s’attache à développer. La première, que développent les trois premières parties, est la remise en cause, ou en tout cas l’examen critique, du concept de rhétorique musicale qui a dominé l’histoire de la musique occidentale du XVIIe siècle à la fin du XIXe siècle. En quel sens la musique peut-elle être qualifiée de discours s’il est vrai que son usage systématique et nécessaire de la répétition semble contredire les principes mêmes de la rhétorique oratoire classique ? Une lecture des textes de Cicéron et de Quintilien permet de comprendre en quoi la répétition comme figure de rhétorique classée, loin de n’être qu’un ornement embellissant le discours, pouvait aussi constituer une forme d’expression nécessaire et insubstituable. La musique répète, ainsi, parce que les figures qu’elle utilise expriment quelque chose qu’aucune autre forme ne pourrait exprimer de la même manière. Le plaisir que l’on prend à la répétition de ce qui est absolument singulier fait naître dès lors, dans notre perception, quelque chose comme un désir musical. La deuxième conséquence de la répétition dans la musique, elle qui est à la fois omniprésente et inaperçue, tient à la possibilité de penser une théorie du désir dans l’ordre du langage musical. Cette théorie fait l’objet des deux dernières parties. Dans leur singularité, les formes sonores que nous percevons se laissent toujours désirer parce que le désir est fondamentalement désir de retrouver ce que l’on a déjà eu, et la musique peut, par ses usages de la répétition, nous le donner comme aucune autre réalité. Ce livre voudrait ainsi décrire ces formes, constitutives du langage musical, qui ne varient pas mais qui nous attachent cependant aux objets musicaux d’un lien affectif véritable.

De Lave Et De Fer

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Ce livre est fait d'histoires, celles de l'extrême-gauche allemande et de sa radicalisation dans les luttes de la Fraction armée rouge (RAF) et celle de la musique de Helmut Lachenmann entre le début des années 1960 et la fin des années 1990. Compositeur majeur de l'après-guerre en Allemagne, il fut l'ami d'enfance de Gudrun Ensslin, une des membres fondatrices de la RAF. De lave et de fer est un essai autour de son uvre et de la conscience sociale, politique et historique qui l'anime. C'est un livre sur les exigences de l'artiste face à l'histoire.

Dusapin, Le Second Style Ou L'Intonation

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Pascal Dusapin est aujourd'hui le compositeur français vivant le plus célèbre. Il a composé, depuis quatre décennies, selon diverses manières, toutes atonales et néanmoins de plus en plus « accessibles » au public. La plus récente (son « troisième style »), empreinte de lyrisme, ne s'interdit plus les envoutantes textures de cordes, et serait en quelque sorte néo-romantique mais dans le strict cadre du timbre. La première, encore xénakienne, hérissée de quarts de tons et de tremoli néo-expressionnistes, était celle des années 1980. La seconde occupe cet ouvrage. C'est ce qu'on appelle « l'intonation ». Dusapin, durant les années 1990, assoie une « modalité restreinte » qui semble imiter, à l'instrument, les prosodies de la voix parlée. Il en résulte une permanence incantatoire, qui parle littéralement à l'auditeur. Ce livre commence par examiner comment la linguistique pourrait admettre de petits modes musicaux dans la parole. Puis on tente de présenter, techniquement, « l'intonationnisme » de Dusapin, qui culmine peut-être dans Watt (1994), le concerto pour trombone. Enfin on dégage une esthétique, l'écho. C'est une approche du tréfonds commun à l'homme et à l'animal, « sale », archaïque, prosaïque, en réaction historique aux scientismes sériels puis spectraux, et qui replace la voix, en tant qu'affect brut, au coeur de la musique contemporaine.

Ecoldar

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Une école d'art est un lieu à part, un lieu bizarre, enchanté, maudit, un abri, un théâtre, un microcosme, une île. Il s'agit dans ce livre de décrire cette île de l'intérieur pour les gens qui n'y sont pas. On y arrive sans trop savoir comment, on en repart sans trop savoir vers quoi. On y scrute les horizons incertains de l'art tout en essayant de donner formes aux questions qu'on se pose sur le monde et sur soi. Et pour peu qu'on y enseigne, on peut y percevoir le bruissement des rêves, des peurs, des désirs, des contradictions de ceux qui l'explorent. Composé par fragments, rêveries, questions, réminiscences, ce texte fait le portrait d'une jeunesse dans ses efforts pour surnager dans le grand marasme du présent. Il est aussi une invitation à réfléchir sur le sens du mot apprendre.

Economie Eskimo - Le Rêve De Zappa

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Economie Eskimo a e'te' e'crit pour re'pondre a` la question suivante : le bonheur est-il accessible aux terriens ? Et, si oui, comment ? Dans une pratique qui allie a` la fois l'expe'rience et le savoir, et dans lequel on sent grandir sa puissance d'a ecter et d'e^tre a ecte'. Dans la continuite' conceptuelle et la constitution de la bulle singulie`re. Frank Zappa re'pondrait : dans la musique. Economie Eskimo est un livre sur la pense'e de Zappa : un he'ros e'nigmatique dans le combat des hommes libres contre l'ignorance, la paresse et la peur.

Écrits

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Compositeur majeur de la seconde moitié du XXe siècle, initiateur du courant de la musique spectrale, Gérard Grisey (1946-1998) a laissé un nombre important d'écrits. Si les textes fondateurs de son esthétique ont pour la plupart été publiés de son vivant, ils sont aujourd'hui épuisés ou difficilement trouvables. Par ailleurs, un grand nombre d'écrits, aujourd'hui archivés à la Fondation Paul Sacher à Bâle, sont restés inédits. Ce volume se propose de réunir l'ensemble des écrits significatifs du compositeur. Ils sont regroupés suivant six grandes catégories : Ecrits sur ses principes de composition, Ecrits sur ses oeuvres, Autres écrits et textes de circonstance, Entretiens, Lettres, Pages de journal. Introduit par une préface de Guy Lelong, le volume sera suivi d'un dossier et d'un appareil critique, destiné à présenter l'ensemble des textes ainsi réunis. Nouvelle édition augmentée de textes inédits.