Remembering Landscape

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Quel sens a le paysage aujourd'hui ? Désigne-t-il encore l'idéal romantique d'un espace naturel, agricole et de peuplement diversifié ? Les paysages modernes actuels sont souvent des « non lieux ». Ils portent les traces des interventions économiques, les nouvelles délimitations en sont marquées par les déplacements et la guerre autant que par l'extension et l'exploitation minière. Il arrive assez souvent qu'un seul type de nature résiduel demeure où quelques ruines racontent les grands évènements historiques. Les paysages arides qui parlent de la violence passée sont rétrogradés au rang de matériel (explicatif). En même temps, les mémoires (de guerre) sont manifestement exprimées dans les monuments architecturaux du 20ème siècle. Dans cette exposition et dans bon nombre des contributions au gros volume qui l'accompagne, 24 artistes et groupes d'artistes donnent vie au thème du paysage. Des paysages sont présentés entre fiction, symbolisme et documentation, ils font appel à notre capacité à lire et déchiffrer ces images - et, de manière assez naturelle, à notre imagination et notre capacité à ressentir de l'empathie. Artistes : Luc Delahaye, Lukas Einsele, Cyprien Gaillard, Jan Kempenaers, Anselm Kiefer, Aglaia Konrad, Armin Linke, Richard Mosse, Andreas Mühe, Multiplicity, Paul Nash, Alexandra Navratil, Unknown Fields Division, Paul Virilio et. al.

Rémy Zaugg : The Particular Place

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Rémy Zaugg (1943– 2005) était un artiste de portée internationale qui vivait et travaillait à Bâle et Mulhouse. Lui-même se voyait comme un peintre, mais il ne se contentait pas de produire des tableaux. Il générait à partir de sa pratique de la peinture des hypothèses générales pour une compréhension procédurale de l’oeuvre où il mettait en lumière d’un oeil neuf et inédit des contextes spatiaux, architecturaux et urbains. C’est pourquoi ses réflexions plaçaient toujours au centre l’homme qui perçoit (der wahrnehmende Mensch) en tant que membre de la société – ses hypothèses esthétiques débouchaient toutes sur l’idée émancipatrice du sujet « devenant ». Outre son oeuvre picturale et écrite abondante, ses activités et projets pour et dans l’espace public sont eux aussi, par conséquent, essentiels pour comprendre la position artistique particulière de Zaugg. C’est à ce complexe thématique socialement pertinent qu’est voué ce livre qui documente tous les projets le concernant de l’artiste, réalisés et non-réalisés, et s’attache particulièrement aux principaux axes suivants de sa création : architecture muséale (et particulièrement la collaboration avec Herzog & de Meuron), expositions avec les oeuvres d’autres artistes, art dans l’espace public, et son travail qui réunit théorie et pratique sur la méthodologie artistique, la coopération et le concept d’oeuvre.

Riotous Baroque From Cattelan To Zuebaran

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Robert Schad: Die Spur (La Trace)

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C’est à Freiburg, où Robert Schad, né à Ravensburg, en Haute-Souabe, a longtemps eu son atelier avant de s’établir à Larians, dans le département de la Haute-Saône, et à ­Chamosinhos, dans le Nord du Portugal, que se trouve sa dernière oeuvre conçue en 2018 et réalisée en 2021. LA TRACE (DIE SPUR) est le résultat d’un concours d’art intégré à l’architecture pour le nouveau bâtiment de l’Institut de ­modélisation des maladies et de médecine ciblée (Institute for Disease Modeling and Targeted Medicine/ IMITATE), un centre de recherches en génétique de la clinique universitaire de la ville. Une quarantaine de morceaux d’acier sont assemblés du côté rue du bâtiment en une composition horizontale de 15 x 27 x 7 mètres qui dessine dans l’espace une ligne sinueuse au rythme libre et produit, en dépit de sa taille et de son poids, du manque de flexibilité et de la nature anguleuse du matériau de ­départ, des impressions divergentes – de la nature végétale à la décharge d’éclair ou radio, en passant par une danse d’expression sculpturale. LA TRACE s’adresse à l’être humain dans son ensemble, à nos sens et à notre conscience, inséparable de notre vécu intériorisé de l’histoire, de l’art et du corps. Avec ce nouveau travail à Freiburg, Robert Schad a une fois de plus créé une oeuvre qui équilibre dans une hiérarchie parfaitement maîtrisée forme, contenu et teneur et les met en scène avec brio. L’ouvrage richement illustré aux nombreuses vues de détails, plans et dossiers du projet, renseigne sur le processus complet, de la création de la sculpture à son montage final.

Robert Smithson, Invention Of The Landscape

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Roman Signer: New Works

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Une tondeuse à gazon automatique fait tinter une clochette, un ballon gonflable laisse une trace dans le sable, un bateau navigue sur des tonneaux. Chez Roman Signer (*1938 à Appenzell), tout est en mouvement - sans règle, on peut se demander à quel point cela inspire son discours ? Non, l'artiste conçoit bien plus la sculpture comme une description procédurale d'un état et étend ainsi les trois dimensions familières des objets à une quatrième : le temps. Ce qui a valu à ses travaux d'être appelés « sculptures temporelles » (Zeitskulptur). Les travaux de Roman Signer occupent pourtant déjà depuis longtemps une position éminente sur la scène internationale, il était notamment présent à la documenta (1987), aux Skulptur Projekten de Münster (1997). Le livre de la Kestnergesellschaft présente donc un artiste parfaitement connu et ses toutes dernières oeuvres qui nous comblent une fois de plus avec la poésie inhérente aux choses et le grotesque au quotidien.

Ronald Kodritsch. Neue Frisuren Für Die Ewigkeit

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On s'est habitué à lire à quel point l'art peut changer le monde, ouvrir de nouveaux points de vue, surprendre en montrant l'inconcevable et le nouveau. Cette lecture porte inscrite en elle l'expectative que le monde aurait une autre apparence, qu'il serait corrigé pour ainsi dire par une conception de l'art en mesure tout au moins de maintenir vivante l'idée qu'un changement est possible. L'époque au cours de laquelle Kodritsch a décidé de devenir l'artiste, était caractérisée par une crise de conception de l'art, portée par un scepticisme post-moderne envers la prétention du progrès et de l'art à améliorer le monde. En ce sens, le disparate fournit les coordonnées du contexte culturel à partir duquel et dans lequel la pratique artistique de RONALD KODRITSCH s'est développée. Les références dans l'oeuvre de Kodritsch traversent l'histoire de l'art, de la peinture romantique à l'abstraction et l'expressionisme abstrait, de Kippenberger & Co.

Sabine Kuehnle : Stories from the North

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« Temps des haches, temps des épées, les boucliers sont fendus, temps des tempêtes, temps des loups, avant que le monde s'effondre... » La vision murmurée de la prophétesse dans le chant de l’« Edda » nordique évoque un univers légendaire où règne la violence, surtout la violence des mots. Sabine Kuehnle lui donne forme dans une installation monumentale qui mène au frêne Yggdrasill, représentation du cosmos tout entier dans la mythologie nordique. Sa cime relie la terre au ciel, ses racines plongent profondément jusqu’au puits où se trouvent trois figures féminines. Elles disposent de notre destin et leurs noms ont pour sens : passé, présent et avenir. Sabine Kuehnle reconnaît leur influence, ce qui permet de les associer à d’autres impressions, personnages, images et récits pour voir s’ouvrir de nouvelles narrations et de nouveaux espaces. Le cheminement s’en approche parfois d’une recherche scientifique précise, avant de procéder de nouveau par une voie purement associative. Toute séparation entre la quête la plus intense et la dérive la plus libre est abolie, le conscient et l’inconscient doivent confluer et se fondre l’un dans l’autre. Assembler et transformer les matériaux, les textures et l’espace afin qu’ils agissent comme un poème : telle une pensée condensée, habile, brute, claire et parfois dure, c’est ce qui fait la particularité des oeuvres de Sabine Kuehnle.

Sabrina Haunsperg : Works 2008 - 2018

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Le livre pour l'exposition de l'artiste autrichienne Sabrina Haunsperg (* 1980) et présente des oeuvres des dix dernières années ou tout juste sorties de l'atelier, mais présentées au public pour la première fois. Sabrina Haunsperg réalise des tableaux aux couleurs intenses, dynamiques et pour la plupart grand format à l'aide de différentes techniques et matériaux. Elle attache beaucoup d'importance à la qualité de la peinture qu'elle mélange selon des recettes traditionnelles. Elle applique la couleur au pinceau, au crayon, au pistolet ou en la déversant sur la toile dans un effort de tout le corps. L'interaction de la conception soigneuse et de la curiosité expérimentale donne lieu à des couches multiples de surfaces colorées superposées, de couleurs entremêlées et d'explosions colorées débordantes d'énergie. Les tableaux achevés fascinent l'observateur autant que leur procédé de réalisation par le rapport tendu entre la surface de l'image et sa profondeur.

SAND by Oliver Lenzen

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Le sable reflète presque toutes les facettes de la nature. Le sable a sans doute aussi été la première matière que les organismes marins ont rencontrée lorsqu'ils ont osé le premier pas décisif vers la terre. D'usage uniquement singulier, le sable est déjà la désignation d'une multitude. Environ 70 photographies de grains de sable occupent les pages de ce livre, entièrement détachés de tout contexte, et donc soustraits au sable en tant que tel. Aucun n'est semblable à un autre. Car c'est presque trop absurde pour pouvoir être imaginé, mais il n'existe sans doute aucun grains de sable aux caractéristiques parfaitement identiques sur la terre. L'écart entre l'uniformité de la masse et l'individualité réelle de ses composants est particulièrement digne de mention si l'on réalise qu'on estime à près d'un milliard le nombre de grains de sable qui apparaît chaque seconde sur terre à la suite de processus d'érosion. Et comment deviennent-ils ronds ? Le sable obéit aux lois de la gravité.

Sculptures Made Of Paper

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Sculptures de papier : C’est dès 1912 que Pablo Picasso introduit le papier comme matériau avec sa « Guitare » et dans les années 1920, analysant le fonctionnement de l’image, ce sont les travaux sur papier de Kurt Schwitters qui lui donnent l’idée de son collage tridimensionnel le Merzbau. Depuis, le matériau papier est devenu incontournable des œuvres visuelles et sculpturales. Les Affichistes notamment déchireront les affiches des rues de Paris après la Deuxième Guerre mondiale pour créer de nouveaux contenus en collant les fragments de publicités. Ou dans les années 1960, lorsque le papier se fera rare car l’art se devait d’être disponible à tout moment, bon marché et facilement transportable.

Serielle Formationnen 1967/2017

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En 1967, Peter Roehr et Paul Maenz étaient les curateurs de l'exposition « Formations sérielles » pour la galerie studio de l'université de Francfort/Main, ce fut l'une des toutes premières expositions sur l'art minimal en Allemagne. La collection d'art Daimler avait déjà en son temps produit un résumé de qualité des tendances minimalistes internationales actuelles et les avait confrontées aux positions d'artistes allemands. Les 62 oeuvres présentées de 48 artistes ont été sélectionnées selon un critère, le principe de l'ordre sériel comme caractéristique visuelle des tableaux et objets. Des concepts très différents, voire parfaitement contraires, pouvaient s'y retrouver. Le mouvement européen Zéro était tout autant représenté que le minimal art et le concept art américains, ainsi que certains aspects du nouveau réalisme, du pop et de l'op art. L'intérêt particulier de la publication vient de la reproduction complète du catalogue original aujourd'hui très recherché.