Land_Scope

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Le catalogue de l'exposition est consacré à la représentation du paysage dans la photographie d'art postmoderne et contemporaine. Depuis la fin du 18ème siècle en effet, l'art romantique a marqué notre vision de la nature idyllique et auguste. Des peintres comme Philipp Otto Runge, mais surtout Caspar David Friedrich, se sont poussés au centre de l'attention en Allemagne. Une manière de voir telle que la forge aussi la photographie d'art contemporaine, qui s'attache de plus en plus aux changements des paysages naturels et cultivés et aux conséquences de l'industrialisation - y compris celle de l'agriculture - et du mitage. Cette revue de soixantaine d'artistes présente différents types de paysages tels que idéaux ou désertés, territoires politiques ou agricoles.

Le monde d’Aïcha

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Aïcha en a vu de toutes les couleurs, arrivée en France après avoir été adoptée enfant, elle y a grandi dans des circonstances difficiles. Elle vit aujourd’hui à Majorque et s’est jetée dans l’aventure de la peinture. Avec conviction, logique et immédiateté. Ses tableaux sont sans fard — ils sont, par rapport à la vie de l’artiste, marqués par une profonde authenticité et invitent à y plonger. Car c’est grandeur nature que les personnages se rencontrent dans les peintures grand format les plus récentes. Ils déploient des dimensions de dialogue d’égal à égal ! Aïcha se peint son histoire du plus profond d’elle-même. Dans son monde imagé, elle revient à son enfance et à sa jeunesse, arrange les choses du quotidien et orchestre les petites histoires. Et pourtant on perçoit toujours comme une menace à l’arrière-plan, une ambiance sombre. La construction des tableaux semble d’une école classique, l’interaction des objets semble conçue avec une parfaite maîtrise sur le plan formel, les motifs se communiquent directement à l’observateur. Aïcha pourrait être une représentante exceptionnelle de l’art brut, elle peint pourtant ici et maintenant, la violence de son langage imagé ne mérite pas d’autre qualificatif que celui de sensationnelle.

Leiko Ikemura : Momstars

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Avec son univers pictural expressif et combattif, l’artiste Leiko Ikemura née en 1951 à Tsu, au Japon, a d’abord fait sensation dans les années 1980 autour des Nouveaux fauves. Elle est aujourd’hui célèbre dans le monde entier pour ses jeunes filles qui flottent dans des mondes intermédiaires et ses paysages cosmiques aux créatures hybrides fabuleuses qu’on a pu voir notamment au Kunstmuseum de Bâle ou au National Art Center de Tokyo. Au Japon, elle est célébrée comme une artiste à laquelle la plongée systématique dans l’art occidental a plus que tout permis de prendre de plus en plus conscience de sa culture d’origine et qui a trouvé la voie d’une synthèse des deux cultures unique en son genre. À la CFA Contemporary Fine Arts de Berlin, elle occupe aujourd’hui deux étages de la galerie et y présente des oeuvres de toutes ses périodes, jusqu’aux sculptures les plus récentes. Leiko Ikemura a d’abord étudié la littérature à Osaka et en Espagne avant d’entrer en 1973 au département de peinture de l’Escuela Superior de Bellas Artes à Séville. Elle a ensuite vécu à Zurich, puis à Cologne à partir des années 1980 et à Berlin depuis la chute du Mur, où elle est titulaire d’une chaire de professeur de peinture à l’université des beaux-arts depuis 1991. Anaël Pigeat écrit que l’artiste habite encore, comme le chat en elle, là où l’histoire est vécue dans la rue, dans le revêtement des murs et le comportement des passants. Dans une ville élastique en transition permanente dont la géographie actuelle n’a plus rien à voir avec celle de l’époque où elle y est arrivée. Une ville où la politique se déroule dans la rue, comme son travail : d’une forme à l’autre.

Life Forms

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L'interface entre l'art et les sciences de la vie Quels aspects prend la vie artificielle ' De quelle manière l'homme intervient-il dans les processus de croissance au moyen de la biologie de synthèse ' Quelle forme cela donne-t-il au rapport entre nature et culture ' Et quelle importance prend l'art à l'ère de l'anthropocène ' Ces questions sont pour Andreas Greiner (*1979) au coeur de son travail dans lequel il interroge le lien entre nature/technologie/culture/art sous un angle éthique, autant que socio-culturel et écologique critique. Ce volume fait dialoguer ses oeuvres avec des scientifiques et des experts de différentes disciplines telles que physique, informatique, biologie, musique et architecture. Les interfaces qui apparaissent en appellent aux problématiques intégrales qui occupent l'artiste, plus urgentes que jamais après les bonds de géant observés dans le domaine médical et biologique, notamment ceux accomplis en matière de génie génétique.

Louisa Clement : becoming lost

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Louisa Clement s’intéresse dans son travail à la question de la présence humaine dans l’artificiel ou, le cas échéant, à la présence de l’artificiel dans l’humain. Elle a d’abord fait sensation avec son oeuvre « Représentantes » (Repräsentantinnen) (2021) où elle fait intervenir 10 clones robotisés qui, en plus d’une ressemblance parfaite avec elle, disposaient par le biais de la technologie d’un accès à toutes les informations et données personnelles la concernant. L’IA leur permettait d’imiter l’artiste et de la reproduire le plus fidèlement possible jusqu’à en devenir les revenants, pourtant dotés chacun d’une vie propre. Louisa Clement a aussitôt été élue à l’unanimité pour le prix d’art de la ville de Bonn 2023 : « Malgré sa jeunesse, l’artiste Louisa Clement a déjà créé une oeuvre à la force et la cohérence exceptionnelles... et a convaincu [le jury avec son] projet [inédit] qui se situe à la jonction de l’art et de la science, tout en traitant des sujets d’actualité brûlants tels que le rapport entre l’homme et l’intelligence artificielle, l’individu et l’algorithme, l’expérience et le flux de données. » Pour l’exposition au Kunstmuseum de Bonn (22.2–16.6.2024), elle développera et perfectionnera son travail actuel intitulé « Compression » (2023), une capsule métallique de 2 cm de haut qui contient un ADN synthétique généré à partir des jeux de données tirées de l’oeuvre complet de l’artiste jusqu’à aujourd’hui et doit le conserver pendant 1000 ans.

Made In Germany Iii

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Cet été 2017 « Production. Made in Germany trois » jette un regard sur la diversité de la scène artistique allemande aux multiples facettes dans les trois institutions que sont la Kestner Gesellschaft, le Kunstverein de Hanovre et le Sprengel Museum de Hanovre. La troisième édition de Made in Germany est centrée sur les conditions de production de l'art en Allemagne et la question de l'influence des structures géographiques, politiques et institutionnelles, ainsi que des nouvelles technologies, pour l'émergence des conditions essentielles à la production artistique. Trois aspects centraux ont cependant été placés au premier plan de l'exposition et du livre : 1. L'espace en tant que lieu de production, site et environnement

Maki Na Kamura : B-DU DU

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Marcel Duchamp. The Curatorial Work

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Les mots et les images en sont légendaires : les déguisements et innombrables auto-mises en scène photographiques, ses commentaires ironiques, sarcastiques, humoristiques sur l'art, le marché de l'art, la critique d'art et l'histoire de l'art. On connaît moins en revanche le Marcel Duchamp qui savait s'engager avec empathie et développer une stratégie consciente pour les artistes de son milieu culturel contemporain : le commissaire d'expositions des années 1910 à sa mort en 1968, le juré et conseiller de collections, musées et galeries d'art moderne parmi les plus éminents. L'ouvrage parcourt environ soixante-dix expositions, complétées par les derniers résultats de recherche, et illustre la coopération étroite avec des personnalités importantes de l'époque : de Louise et Walter Conrad Arensberg, Katherine S. Dreier, Francis Picabia, Sidney et Harriet Janis à André Breton, Julien Levy ou Peggy Guggenheim.

Marcel Duchamp. The Women. Les Femmes. Die Frauen

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En 1942, la collectionneuse et galeriste de légende Peggy Guggenheim ouvre sa galerie The Art of this Century à New York. Dès 1943, elle y présente, avec Marcel Duchamp comme commissaire et le conseil d´artistes de l´époque, une exposition exclusivement centrée sur les représentantes de l´avant-garde. Au vu du nombre de visiteurs et de la diversité artistique, c´est alors une nouveauté dans l´histoire de l´art. L´exposition réunit des représentantes du surréalisme et des peintres abstraites, des femmes artistes d´influence dadaïste et de jeunes créatrices inconnues à l´époque. Cette nouvelle publication ouvre une perspective inédite sur l´« artiste du siècle » Marcel Duchamp. À travers des essais d´historiens de l´art et des portraits biographiques de plus d´une centaine de femmes, des débuts du modernisme aux années 1960, qui ont marqué la vie et l´oeuvre de Duchamp, elle recense les principales initiatives et coopérations qui ont accompagné et inspiré ses projets artistiques.

Marcel Odenbach : Es brennt

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Le catalogue, petit mais remarquable, qui paraît à l’occasion de l’exposition actuelle à la Kunsthalle de Nuremberg sort donc à point nommé pour illustrer les raisons de l’attribution du prix : depuis des années, l’artiste originaire de Cologne se montre moins intéressé par l’effet qu’il produit que par son environnement et ses contemporains, tandis qu’il traite dans ses dessins, collages, vidéos et installations des questions identitaires dans le contexte des genres, classes et sexes. Odenbach façonne des oeuvres dont la forme expérimentale et le fond théorique prennent pour sujet les rapports historiques du colonialisme et de la mondialisation autant que la force du normatif et du représentatif. Depuis le milieu des années 1970, il développe son langage visuel à travers des montages et des assemblages d’enregistrements cinématographiques ou télévisuels tirés d’archives ou de photographies et de séquences qu’il produit lui-même.