Marcel Odenbach : Es brennt

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Le catalogue, petit mais remarquable, qui paraît à l’occasion de l’exposition actuelle à la Kunsthalle de Nuremberg sort donc à point nommé pour illustrer les raisons de l’attribution du prix : depuis des années, l’artiste originaire de Cologne se montre moins intéressé par l’effet qu’il produit que par son environnement et ses contemporains, tandis qu’il traite dans ses dessins, collages, vidéos et installations des questions identitaires dans le contexte des genres, classes et sexes. Odenbach façonne des oeuvres dont la forme expérimentale et le fond théorique prennent pour sujet les rapports historiques du colonialisme et de la mondialisation autant que la force du normatif et du représentatif. Depuis le milieu des années 1970, il développe son langage visuel à travers des montages et des assemblages d’enregistrements cinématographiques ou télévisuels tirés d’archives ou de photographies et de séquences qu’il produit lui-même.

Marcus Weber : Krazy Dog Moon Kat

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Ce livre présente pour la première fois une vaste sélection de peintures de Marcus Weber (*1965) qui vit à Berlin. Il est compos ée d'images narratives ironiques, de portraits de groupes et paysages urbains allusifs aux reformulations grotesques des ordres sociaux, ainsi que de personnalités individuelles caricaturées et exag érées. On y trouve des éclairs de sophistication picturale qui font que certaines oeuvres peuvent être lues comme des caprices, désolées et romantiques en même temps. L'un dans l'autre, c'est un mélange grotesque qui est ici créé, moquant toute hiérarchie, basé autant sur la transition productive vers l'univers des bandes dessinées de Georg Herriman que sur l'histoire de l'art. Weber est un peintre de genre dans la meilleure tradition qui peint des images de la société. Il en fait une réaction subtile et à plusieurs degrés de la situation politique et sociale actuelle

Markus Proscek : Possession

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Markus Proschek (*1981), né en Autriche et qui vit aujourd'hui à Berlin, semble invariablement percevoir l'esthétique nazie subliminale et l'architecture totalitaire comme autant de défis artistiques. La statue de bronze de la « Nageuse » (2006), peinte à l'huile, en est un exemple. Elle renvoie d'une certaine manière à la tradition picturale de Psyché ou Narcisse, mais oscille esthétiquement en tant que beauté à la Breker entre la grandiloquence nazie et la froideur du Bauhaus. Les oeuvres extrêmement subtiles de Proschek cherchent à suivre la trace de cet équilibre ambivalent entre récupération idéologique et oeuvres d'art ouvertes à la manipulation interprétative. Le répertoire canonique se trouve ainsi parodiquement confronté à l'éventualité d'un désaveu lorsqu'il est présenté avec une touche d'insubordination. Jacques Derrida a déjà souligné que la culture et l'art ne constituaient pas une devise stable au sens où la signification est uniquement issue de la relation entre les choses, qui rend en même temps obsolète l'idée qu'il existe réellement quelque chose, comme une signification originale véridique.

Martin Boyce

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Martin Wöhrl : From Nose to Tail

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« Du nez à la queue » – le titre est une expression culinaire qui désigne la préparation la plus complète possible d'un animal, du filet aux abats et jusqu'à la queue. L'artiste a fait ce choix pour indiquer qu'il accorde la même importance à tous les matériaux qui composent ses sculptures et qu'il réutilise dans des combinaisons toujours nouvelles les restes de sa production. Martin Wöhrl construit ses sculp­tures en associant pour les faire dialoguer des éléments d'architectures existantes, sacrées ou profanes – par exemple du linoléum et du laiton. Cela donne parfois l'effet d'images oniriques concoctées avec soin. Depuis peu cependant, en accord avec sa conviction fondamentale d'une approche minimaliste du matériau, il a commencé à témoigner d'une prédilection pour le bois, le béton et le plâtre, empilant des cubes de béton, plaçant des cadres au mur ou disposant des tubes dans l'espace.

Mary Heilmann : Seeing Things, Visions, Waves And Roads

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Marylin Minter : Glamour Et Mauvaise !

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Matti Braun

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The Alien - En voyant les batiks et peintures sur soie de Matti Braun dans la salle d'exposition, ainsi que la manière dont il présente à leurs côtés des saris historiques dans ce même cadre, on commence à comprendre ce que veulent dire ceux qui expliquent que l'artiste explore des effets inattendus, souvent peu connus, de dynamiques interculturelles et donne à voir des modèles de migration artistique et de mépris culturel. De ses sublimes peintures sur soie, qui touchent au minimalisme comme au pop art, aux étoffes historiques du vêtement traditionnel, une jupe drapée portée d'Inde au Népal qui offre à ceux et celles qui s'en habillent, outre des versions de fête, des possibilités super-pratiques au quotidien dans les régions subtropicales, et qui se négocie aujourd'hui dans les ventes aux enchères, tout comme il est accroché, monté en tableau et encadré dans les musées d'Asie et d'Europe.

Michel Sauer : erzählen (raconter)

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« Les choses et les images racontent chacune sous une forme propre. D’abord dans un langage de vision qui touche la raison et les sens pour s’y ramifier. Un lien apparaît qui englobe ce que l’observation invente. Alors que le présent et le souvenir reflètent l’inexplicable en apparence, une représentation de la perception individuelle apparaît. Sans cesse, un récit continue de grossir, nourri de petites particularités visuelles et d’observations excessives. » C’est ce qu’écrit Michel Sauer lui-même à propos de son travail. L’artiste, né en 1949, a étudié à Karlsruhe auprès de Horst Antes et d’Emil Schumacher, il a reçu le prix Junger Westen en 1972, a obtenu une bourse de la Villa Massimo en 1980, a reçu le prix Villa Romana en 1994 et a ensuite enseigné de 1994 à 2014 à l’université de Siegen. Le présent ouvrage offre un aperçu de sa création des années 1970 à 2022. C’est, d’après l’éditrice Eva Schmidt, le travail plastique qui y intéresse avant tout l’artiste. Michel Sauer aurait toujours considéré ce dernier comme une perception abstrayante d’une combinaison d’improvisation et de travail artisanal avec les matériaux bois, zinc, cuivre et laiton. Ce qui aurait stimulé sa recherche de l’unité des images de représentation et de souvenir – une unité réalisée dans l’interaction médiale de la poésie et de sa « matérialisation » toujours possible.

Michel Würthle : le cinéma de la vie

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Michel Würthle a fondé en 1972 le restaurant EXIL à Berlin-Kreuzberg. Par je ne sais quelle aptitude, peut-être tout simplement parce que son patron fréquentait les artistes et les respectait, l'EXIL est rapidement devenu le lieu le plus important de la scène berlinoise. En 1978, il vend l'EXIL pour acheter avec Reinald Nohal le PARIS BAR, plus central, qui devient immédiatement le lieu mythique qu'il est toujours. La personnalité de Michel Würthle agit comme un aimant. Les meilleurs artistes, comme avant, continuent d'échanger boissons et repas contre des oeuvres qui viennent orner la salle du sol au plafond. On vient aussi pour voir cette nouvelle caverne d'Ali Baba, admirer ce café qui reprend le principe de la Colombe d'Or de Saint-Paul de Vence avec la dérision et l'autodérision du vaste mouvement punk qui a submergé la planète mais qui ne se retirera jamais complètement du PARIS BAR. Cette persévérance est une énigme. On la doit à la personnalité de Michel Würthle.

Moment. Monument

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Notre publication à l'occasion de l'exposition « Moment.Monument » au Kunst Museum de Winterthour présente les différentes positions de la sculpture contemporaine à l'échelle internationale, écartelée entre sa nature pérenne et son caractère éphémère. Elle analyse la contradiction entre la conception traditionnellement durable du monument et les approches processuelles dans la sculpture actuelle. Car à la différence des représentations de l'Avant-garde, les démarches artistiques ne doivent plus aujourd'hui s'affirmer sous forme de rupture radicale avec la tradition, mais s'appuient au contraire naturellement et sans complexe sur les recherches formelles qui touchent au passé. Le rapport aux positions historiques est large, innovant, multiple et indépendant. Il est approfondi par des approches orientées vers le processus, des matériaux nouveaux et des techniques contemporaines. Monuments d'un présent aussi volatil que fragile.

Monica Bonvicini : Hot Like Hell

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Avec ses installations, sculptures et dessins, Monica Bonvicini a créé une oeuvre complexe reconnue internationalement qui lui a notamment valu d’être récompensée en 1999 par le lion d’or à la Biennale de Venise ou, tout récemment en 2020, par le prix Oskar Kokoschka à Vienne. L’ouvrage reproduit deux séries de dessins récentes : la première prolonge la série « Hurricanes and Other Catastrophes » commencée en 2006 à l’occasion des dévastations causées par l’ouragan Katrina et élargit le regard, d’abord centré sur la soudaineté des destructions après le passage de l’ouragan à La Nouvelle-Orléans, à des représentations de maisons endommagées par les changements climatiques à long terme. La deuxième série, créée pendant le confinement, nous entraîne dans des paysages gris sombre et rose délimités par des clôtures, des chaînes et des lignes de texte.

Monika Brandmeier : A Tropical Mood, Only A Lot Cooler

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Une ambiance tropicale, juste un peu plus fraîche : Au début des années 1980, une pluralité de perspectives s’est imposée au postmodernisme et, d’une part, n’a plus trouvé de consensus en matière de goût, ainsi que l’a fait remarquer Jean-François Lyotard, tandis que, d’autre part, elle offrait une diversité croissante de styles et projets de vie. Ces signes avant-coureurs marquent le début du travail artistique de Monika Brandmeier, que ses tonalités étrange- ment mystérieuses et sensibles distinguent de ses jeunes contem- porains moins sages. Elle travaille avec la langue, dont elle fait sa source d’inspiration et son moyen d’expression, pour atteindre un langage formel essentiellement géométrique qu’elle tente aussi en permanence de charger sémantiquement au-delà de la seule matérialité. « Elle », écrit Christian Ganzenberg dans sa contribution, « qui mise sur la distance intellectu- elle et physique des spectateurs à l’oeuvre d’art, et non sur l’immersion physique et émotionnelle, découvre à la rencontre de l’abstraction et de la concrétion son point de départ personnel à partir duquel elle suit les tendances réductionnistes et surréalistes autant qu’une confron- tation sensorielle-intellectuelle de l’espace et de la langue. Ses oeuvres se déploient au-delà de la rigueur et de la litote calculée d’une pratique artistique rationnelle, elles sont sans cesse de nouveau traversées par un humour énigmatique, tel qu’on le trouve aussi dans les textes automatiques de Francis Picabia, les expériences linguistico-typo- graphiques d’une Gertrude Stein ou les poèmes de Rolf-Dieter Brinkmann.